Claudio Gallardou: “Rescatar el oficio del actor es como volver a empezar”

 

Autor, actor y director vuelve a La Plata de la mano de su nuevo espectáculo de poesías y canciones “La ronda del trovador”

María Virginia Bruno

29 de Abril de 2022

Claudio Gallardou protagoniza “La ronda del trovador” 

Claudio Gallardou comparte su entusiasmo por su regreso a La Plata, una ciudad dueña de un “público muy teatrero que sabe apreciar los hechos teatrales”. Y lo dice con el alegre recuerdo presente de lo bien que lo recibió cuando, en 2018, realizó una temporada de dos meses con “Mandinga en el paraíso” en Teatro Estudio. Una sala a la que volverá este domingo a las 20 de la mano de “La ronda del trovador”, en la que entre poesías y canciones sale al rescate del oficio del actor.

En diálogo con EL DIA, el reconocido actor, autor y director define a su nueva creación como “una mirada seria y un homenaje a aquellos constructores de la escena, hacedores de la trova y la juglaría” con el que los espectadores, no sólo celebrarán un “momento poético sino que también se van a divertir”.

“La ronda del trovador”, que actualmente hace temporada en el Espacio Leónidas Barletta del Centro Cultural de la Cooperación, nació durante la pandemia. “Ante la incertidumbre de la enfermedad de mucha gente conocida y también de gente que no era conocida, los fallecimientos, esa enorme tristeza y desamparo, traté de revertir esa sensación buscando qué me divertiría a mí hacer al salir de ese túnel”, cuenta.

Y en esa búsqueda, “apareció esta idea de una ronda, una ronda feliz, de cantar de la mano de otros y girar en una especie de juego” que es animado por “un viajero que va contando historias de un lugar a otro”: un trovador.

Creador del emblemático grupo La Banda de la Risa, Gallardou explica que su recopilación se fue nutriendo de materiales de diferentes procedencias, “algunos alguna vez los hice en teatro, otros los hubiera querido hacer y otros los escribí porque me dieron muchas ganas de hacerlos”.

En “La ronda del trovador”, que se cuenta sobre una estructura de obra de teatro y canciones, aparecen “retazos de poesías” de autores como Plauto, Goldoni, Shakespeare, Calderón de la Barca y Peza, además de poesías anónimas del Renacimiento, textos propios y también de su padre, José Adolfo Gaillardou.

La esencia de personajes como Segismundo (“La vida es sueño”, De la Barca), Arlequino (“Arlequino servidor de dos patrones”, Goldoni) y un soldado fanfarrón (inspirado en la obra de Plauto) son algunas de las criaturas en las que Gallardou va encarnado arriba del escenario, en el que también aparece Yorick, el bufón de “Hamlet” que, en esta obra, cuenta en un monólogo su propia historia: qué fue lo que le pasó y cómo murió.

Reconocida cara de la televisión por participaciones en producciones como “Poliladron”, “Archivo negro”, “Señoras sin señores” y, entre más, “Tiempo final”, Gallardou admite que el concepto de la ronda tiene que ver con la vigencia de los clásicos y cómo, a pesar del tiempo, siempre se termina volviendo a ellos.

“Los poetas clásicos generalmente escriben sobre temas eternos que siguen siendo vigentes aunque las realidades que relatan en sus obras han sido ya pasadas (como las monarquías de Shakespeare o las comedias de Goldoni) pero con temas vigentes”, como el odio, el amor, la traición, la felicidad, la vida y la muerte.

En este sentido, explica el artista que “pretende renovar la reflexión que hacen estos autores en sus obras”, y lo hace a partir de un trovador, una figura que no fue elegida al azar.

“Creo que rescatar el origen del actor es como volver a empezar, de ahí la ronda, una ronda que pasa otra vez por el mismo lugar: rescatar la esencia de un trovador es como darle un reinicio al oficio del actor”, asegura.

Sucesión armónica de escenas intercaladas con canciones, que van desde el drama, a la comedia y a la poesía, “La ronda del trovador” pretende “llevar al espectador como en una especie de itinerario de todos estos materiales que desembocan en una reflexión final”, anticipa Gallardou, que en escena es acompañado por el músico Gabriel Toker.

Ex director del Teatro Nacional Cervantes, su última presentación en La Plata había sido en 2019 de la mano de “Frontera”, el espectáculo que dirigió el platense Gastón Marioni, a quien definió como “un hombre de teatro que le dedica mucho a este oficio”. Por eso, está encantado con regresar a su sala, ubicada en 3 entre 39 y 40, en tanto se presenta “ideal, preciosa, con un escenario perfecto para un espectáculo de estas características”.

Las entradas para “La ronda del trovador” se pueden adquirir a través de Alternativa Teatral o en Teatro Estudio.

Fuente: EL DIA

Meridiano V: el barrio que resurgió de las cenizas por la fuerza de su gente

112 años de la Estación Provincial

El 27 de abril de 1910 empezaron las obras en 17 y 71. En julio de 1977 pasó el último tren. Una década después los vecinos iniciaron el milagro de revivirlo

0221.com.ar / Begum

Por Matías Moscoso

Desde mediados de los 80, cuando los vecinos tomaron en sus manos el destino del barrio Meridano V, todo ha cambiado. Una década antes, el gobierno militar había dejado de hacer correr los trenes que eran el alimento de la vida de toda esa zona en el límite del casco urbano. Pero la reacción de la gente consiguió con esfuerzo y decisión salir adelante y convertir a la vieja estación ferroviaria y sus cercanías en un polo que combina una de las ofertas más interesantes a nivel cultural y comercial de la ciudad. Aquí, algunos de los artífices del prodigio cuentan sus vivencias y comparten el recuerdo de aquellos días.

"Tenemos una genética de resiliencia que, lejos de boicotearnos, nos potencia", dice Martín Díaz cuando se le pregunta por la mística que rodea al barrio Meridiano V. Él es hijo y nieto de ferroviarios y en este nuevo aniversario de la Estación Provincial, que cumple 112 años se reunirá para celebrar, una vez más, con toda la gente de la zona que tiene como punto central la esquina de 17 y 71. El festejo, que se llevará a cabo el domingo 1 de mayo, será una muestra de la vigencia de este rincón del casco urbano que en los últimos años se afianzó como el polo cultural y artístico más importante de toda la ciudad y que carga en sus espaldas una mochila repleta de historias tristes y alegres que enorgullecen hasta las lágrimas a varias generaciones.

"Amo este lugar, es mi segunda casa, es parte de mi vida", define Beatriz Belo, la mujer que nació hace 85 años en este mismo lugar y que hoy, con una parsimonia muy diferente a los años más frenéticos de su vida cuando trabajaba en el área admnistrativa de la Estación, rememora con orgullo todos los momentos vividos que la marcaron junto a su familia, siempre con el tren de por medio. La casa de sus abuelos está en 71 entre 18 y 19. Su padre trabajó desde los 12 años como mensajero y luego de una trayectoria por distintos distritos de la provincia de Buenos Aires, se jubiló en La Plata como jefe de estación. A sus 8 años se mudó a un pequeño pueblito de quince cuadras de una de las estaciones del ramal a Mira Pampa y mientras su papá celebraba ese progreso familiar, su mamá "lloraba por los rincones", confiesa. Allí continuó hasta cuarto grado y luego tuvo que armar las valijas de nuevo: primero viajaron hasta Mauricio Hirsch, una localidad del partido de Carlos Casares, y un par de años después a Avellaneda, ciudad del conurbano en donde terminó la escuela y empezó a trabajar.

"El sueño de mi padre era jubilarse y por eso pidió de nuevo la estación La Plata, a la que accedió por antigüedad. Así consiguió lo que siempre había soñado", recuerda Belo que hoy prefiere quedarse en su casa porque "cuando el cuerpo no responde hay que saber parar". Cada vez que le preguntan por su historia le gusta destacar algo que por aquellos años era una peculiaridad: "mis viejos fueron unos adelantados a la época, porque en aquel entonces no era muy bien visto que trabajara una mujer, y yo empecé a trabajar a los 18 años; me decían que era la deshonra de la familia: me acuerdo que mi papá agarró el tren y se vino a pelear con la madre".

Beatriz se ríe y enseguida abre su corazón para describir con nostalgia cómo fue crecer en un paisaje que para las generaciones actuales es difícil de imaginar: "Me acuerdo de los silbatos de las locomotoras, de las campanadas del reloj que marcaban las horas y de cuando yo me sentaba en el umbral de lo de mis abuelos con la estación enfrente; entonces me la pasaba mirando la llegada de los trenes, las reuniones de los carros lecheros, el tren nocturno que salía de Avellaneda e iba a La Pampa, la gente que se agolpaba en los andenes y las chicas que se paseaban en la pasarela tomadas de los brazos porque los ferroviarios siempre fueron muy cotizados".

Esa fue la época de gloria, desde que el 17 de marzo de 1912 se habilitó el traslado de pasajeros. El Ferrocarril Provincial al Meridiano V -paralelo que separa el límite provincial con La Pampa- vivió su esplendor durante largas décadas que permitieron el progreso no sólo de este barrio platense sino de casi una decena de pueblos del interior bonaerense que una vez que dejaron de recibir al tren, desaparecieron.

RESURGIMIENTO

Abel Gutiérrez es otro de los históricos artífices de la organización barrial post cierre del ramal, se emociona cuando trae al presente aquellos momentos en los que con mucho coraje se organizaron para que este monstruo resurgiera de las cenizas en la década del ochenta: "Esto para mí significa todo, es mi vida. Y ver lo que es ahora, más todavía, no tengo palabras. Deseo que esto no se acabe nunca".

Pero antes de ese renacer hubo una prehistoria que Martín Díaz -hoy dueño de la pizzería Loco Ponte, en 18 y 71- lleva marcada a fuego en su corazón, también por herencia familiar. Hijo y nieto de ferroviarios, dice que nació "con el ferrocarril encima; soy hijo de una relación ferroviaria porque mi viejo fue jefe de estación y mi vieja era una maestra que iba ahí y así fue como se encontraron y conocieron; y la paradoja es que la separación y muerte de ambos también tuvo que ver con el tren y su desguace". "Esa especie de ferrocidio destruyó familias y de eso puedo dar fe: mi viejo está enterrado en Tucumán porque terminó trabajando en el ferrocarril tucumano, lugar en donde no lo humillaban, a diferencia de acá", define.

Luego de varios años vigorosos con el paso del tren que marcaba la pujanza del barrio, el 28 de octubre de 1961 se produjo la clausura de la línea entre Etcheverry y Mira Pampa y Carlos Beguerie hasta Azul y Olavarría, con sus respectivos ramales, y eso fue "un trallazo", según dice Beatriz Belo. "Me acuerdo como si fuera hoy: el jefe de tráfico era José Suárez, un señor, que vino de golpe con la cara transformada y con la resolución de la clausura en la mano. Todo el personal administrativo estábamos ahí y fue terrible; cuando yo llegué a casa y le conté a mi viejo, no lo podía creer. Fue algo sorpresivo, en el barrio fue un alboroto, nadie se quería convencer de lo que estaba pasando porque la estación era el emblema de todos: familias enteras trabajaban en el ferrocarril y desde ese momento cerraron los comercios en la calle 17 -había negocios de ramos generales y demás-; todo eso cerró y fue un barrio muerto en donde muchas familias enteras tuvieron que emigrar".

Arturo Frondizi era el presidente de la Nación cuando se implementó el "Plan Larkin", un homenaje a Thomas, general estadounidense enviado a nuestro país como asesor en transporte por el Banco Mundial que le bajó la persiana a un tercio de los ramales y despidió a 70 mil ferroviarios. Ese fue el primer paso de un desmantelamiento despiadado del sistema ferroviario nacional que tiempo después completarían primero los genocidas de la dictadura y luego Carlos Menem.

"Al que se quedaba acá en el ferrocarril después de principios de los años sesenta y no elegía el retiro, lo degradaban. Yo a mi viejo, que sabía muchísimo, lo vi en una especie de garita de guardabarrera en kilómetro 4 tomando mate en un vaso. Donde logró algo de dignidad fue en Tucumán, pero lejos de su familia: ahí se terminó separando de mi vieja y murieron de angustia. Yo crecí en pleno desguace y recuerdo relatos de mi familia en un clima de mucha incertidumbre y angustia constante", explica Martín Díaz, que lleva en sus entrañas toda esta historia. Así cerró una etapa que fue gloriosa al principio y oscura después, tras una lenta agonía que clausuró los sueños de cientos de familias; pero sólo por unos años, porque la reinvención sería cuestión de tiempo.

EL CENTRO CULTURAL

Cuando los militares le pegaron el tiro de gracia al tren con el cierre del ramal La Plata - Avellaneda, el 6 de julio de 1977, Meridiano V mutó a una película en blanco y negro, muda y con un final irremediable. Eran tiempos en los que no existía la avenida 72 como la conocemos ahora, y todo ese enorme terreno que brilló en la década del cuarenta y cincuenta se convirtió en un pastizal descuidado tomado por la basura y las ratas.

Pero las cenizas se reavivaron una década después

"Junto con un compañero que vivía a media cuadra de acá empezamos a averiguar qué podíamos hacer con el ferrocarril porque era una pena que estuviera todo abandonado. Había un jefe de estación pero no pasaba nada", recuerda Abel Gutiérrez, que tiene tanto para decir de esos momentos fundacionales que respira hondo para ordenar los hechos. Aunque en realidad lo que lo acelera son sus sentimientos: "Ni nos imaginábamos todo lo que iba a pasar después y cómo está ahora, es una locura. Yo trabajaba en Gonnet y la gente ahí me decía 'qué suerte tiene, qué bueno todo lo que están haciendo ustedes' ¿Sabés cómo te da fuerzas eso para seguir haciendo cosas?".

Corría 1988 cuando un reducido grupo de vecinos se juntó por primera vez en la Escuela 58. Entre los que dijeron presente estaba Abel. Ahí fundaron la Asociación Vecinal Estación Provincial (AVEP), y ese fue el inicio de un derrotero que también tuvo idas y vueltas, buenas y malas, para no ser menos que el tren. "Mi vieja, que es la primera que arranca con las asociaciones vecinales acá, sufría mucho al ver el ferrocarril vacío y todo ese desguace", aporta Martín Díaz. Habla de Lidia Sampallo, la primera presidenta de aquella organización que fue el puntapié inicial de una aventura que hoy cumple más de tres décadas.

Lo primero que hicieron fue cortar el pasto, algunos juegos para los chicos, canchas de tenis criollo, algunas pequeñas reuniones y ahí se puso la semilla de lo que hoy conocemos como Centro Cultural Estación Provincial, una marca que los platenses repetimos como algo natural, pero que para lograrla hubo que transpirar, sufrir y luchar. "El jefe de estación nos dio un espacio chiquito para reunirnos pero nosotros queríamos otra cosa, entonces fuimos luchando: hicimos asados, fiestas, ferias y demás para recaudar fondos y arreglar la estación. De a poco fuimos haciendo cosas pero sucedió algo que suele repetirse en otras ocasiones: empezamos 15 y terminamos 3 o 4. Fuimos perdiendo un poco de fuerza, vino una comisión que no nos gustó para nada y al poco tiempo fracasó. Entonces a partir de ahí hubo un tiempo muy prolongado en el que no se hizo nada", ordena cronológicamente Abel.

A la mitad de ese proceso entró Beatriz: "Lidia (Sampallo) tenía el kiosco de revistas en la estación y como me veía tomar el micro ahí, siempre me invitaba a formar parte de AVEP. Yo entré en 1994, estuve un tiempo ahí pero el presidente era muy gremialista y nosotros no queríamos política. Entonces se disuelve y quedamos con Abel, Lidia, Oscar Rivolta y algunos más; y como la gente nos pedía que no estuviera la estación cerrada, fuimos a pedir ayuda a la Municipalidad. Ahí nos reunimos entre todos y las ideas eran dispares: algunos proponían hacer un supermercado, otros una terminal de micros, un cine y demás. Pero todos coincidíamos en que acá debía funcionar algo".

Show y presentaciones en el playón de la Estación atraen la atención de los platenses.

Ahí se armó la comisión, sin dinero ni recursos: estuvo motorizada por las ganas y los corazones heridos de quienes sufrieron la agonía del tren. Primero consiguieron un salón y luego otro más chico al lado que funcionó como secretaría, siempre con un permiso precario del ferrocarril, que además era de palabra. "No nos habilitaba ningún papel", recuerda Beatriz para explicar los sucesivos desalojos que sufrieron después, una y otra vez. Hicieron almuerzos, ferias, exposiciones, talleres de ajedrez, de manualidades, de tejidos, habilitaron un humilde padrón de socios que pagaban 5 pesos de cuota, hasta que les pidieron que se retiraran. "Pero siempre volvimos", insiste la mujer que hoy es un símbolo de esta lucha.

"La gente dijo que nos iba a apoyar, entonces volvimos a los pocos meses y ahí nos quedamos: nos querían echar pero no nos íbamos. Hasta que un día encontramos todo con candados y ahí verdaderamente empezó nuestro peregrinaje. Estábamos nosotros y se acercaron más jóvenes, Fermín Mendizábal fue nuestro primer joven y él trajo a otros, con nuevas ideas. Entonces, ellos por un lado, nosotros por otro, fuimos tocando las puertas de la Municipalidad y de la Secretaría de Cultura y pedimos volver ahí. Consiguieron una llave y ocupamos la parte de arriba", continúa Beatriz. Para ese entonces, el primer piso había estado cerrado por años: cuando abrieron la puerta se encontraron hasta con las bolsas de basura que alguien alguna vez dejó y se olvidó de sacar. Había ratas y murciélagos. "Yo subí después de casi cuarenta años y no encontraba ni siquiera la oficina en la que yo había trabajado", agrega.

El trabajo de hormiga tuvo su reconocimiento y para 1997 el edificio ya había sido declarado Monumento Histórico Provincial por la Legislatura bonaerense. Un año después nació la asociación civil Centro Cultural Estación Provincial.

LEGADO ÉPICO

El nuevo milenio afianzó para siempre la gesta que nació y creció gracias al amor de hombres y mujeres que vieron con sus propios ojos desfilar las locomotoras. Luego se sumó una nueva camada, integrada por sus hijos y sus nietos.

"Este es un proceso que tiene que ver también con una resiliencia; no es casual que nosotros festejemos la inauguración del ferrocarril, porque el barrio no quiso parar: no pasó más el tren pero la locomotora simbólica no paró nunca. Siempre le buscamos la vuelta porque algo teníamos que hacer", saca pecho Martín Díaz. "Para nosotros es muy importante la memoria ferroviaria: el centro cultural existe porque no está el ferrocarril. Tenemos la obligación de tener una reivindicación ferroviaria y el centro cultural tiene el deber de homenajear esa memoria", insiste. Pocos tienen su autoridad para hablar de esta película. Es que en 2003, cuando falleció su mamá Lidia, abandonó la comodidad de su vida en España, pegó el portazo y se subió al primer avión que encontró. El destino estaba más que claro.

"Esto es una movilización barrial, es un movimiento continuo. Los que venimos atrás nos sentimos obligados. Yo no sé si tenía ganas de esto, pero es una misión que te toma y acá estamos; somos herederos de una épica barrial, no te podés hacer el boludo. Hay otras gratificaciones que van más allá de lo económico", resume quien hoy le da de comer pizzas a buena parte de la ciudad, desde donde más de medio siglo partían los trenes.

Algo que destacan quienes conforman la comisión directiva del centro cultural es que los aportes estatales sólo se cuentan con los dedos de una mano, a lo largo de estas últimas décadas. "Este lugar estuvo abandonado, fue recuperado por los vecinos y muchas veces quiso ser cooptado por la política. Nosotros tenemos esa bandera de la recuperación y no lo podemos permitir, sea el partido que sea", remarca Martín. "Acá hay militancia, hay honestidad, somos muy cuidadosos. Las asambleas, a la hora de responder si hay una cuestión en la que tenemos que agazaparnos porque creemos que corre riesgo cierta circunstancia, siempre funcionan: ahí aparecen todos y estamos brazo con brazo; el barrio está muy organizado. Si te ven desconcentrado, la política te lleva puesto, cualquiera sea el color", agrega.

Todo lo que produjo el Centro Cultural Estación Provincial desde su creación fue hermoso para el barrio de Meridiano V. Año a año le devolvió el color, y la película ya no fue más muda: el ruido sobre el empedrado fue ensordecedor. En 1995 el Grupo “La Grieta” hizo la primera muestra ambulante con galerías y museos, de la mano de los comercios de la zona; el Club Meridiano V comenzó a tender lazos y se fortaleció la biblioteca popular "Enrique Gonino"; en la esquina de 13 y 71 nació en 1996 el Viejo Almacén el Obrero y en 2000 el bar Ciudad Vieja; en 2008 y tras varias gestiones se creó el proyecto "Circuito Cultural Meridiano V", un trabajo conjunto con varios actores; y el impulso de los vecinos transformó los días y las noches de un lugar que había estado abandonado en un polo artístico y cultural de lujo. Luego se sumaron el grupo de Teatro Comunitario “Los Okupas del Andén”, el Galpón de las Artes en 13 y 71, “Prisma Espacio Creativo” en 18 entre 70 y 71, Loco Ponte, Ciudad de Gatos, La Biblioteca “Del otro lado del árbol” en parque Saavedra, y varios emprendimientos privados gastronómicos que ofrecen todas las semanas sus propuestas.

La fisonomía del barrio mutó para siempre y desde hace más de una década, los platenses saben que cada fin de semana tienen algo para hacer en este lugar mágico, porque siempre hay espectáculos, muestras artísticas, talleres, ferias y festivales.

"Cambiamos el barrio; a lo mejor no tengo la dimensión de lo que hemos logrado", dice Beatriz. "Nosotros no imaginábamos todo esto, ojalá nunca se acabe", agrega Abel. Ambos miran hacia atrás y sonríen con la satisfacción del trabajo bien hecho.

Y tal vez lo más valioso es que su legado fue recogido con honor por quienes vinieron después. Y tampoco hay dudas de que la mística de Meridiano V hará que sus hijos y nietos continúen la misión.

Martín Díaz lo tiene claro: "En cada situación traumática nosotros hacemos un acto de resiliencia. Y eso volvió a pasar con el encierro por la pandemia. Nacimos con el cierre del ferrocarril, nos potenciamos con el 2001; y ahora nos hacemos más fuertes. Esto es una causa de vida, algo que heredé y estoy muy orgulloso; siempre quiero estar a la altura de esa circunstancia que es única en el planeta. Yo no sé cuántas instituciones tienen una central ferroviaria para administrar como centro cultural, no existe, la tenemos nosotros acá. Esto es una militancia de vida que no encuentro en ningún otro ámbito: ni la política, ni otros valores, ni los colores. No encontré una causa más genuina que esta. Me siento muy orgulloso y muy agradecido".

Este domingo 1 de mayo los vecinos van a celebrar una vez más todo su trabajo. Desde las 14 estará habilitado el Museo Ferroviario y en el playón, junto a la tradicional feria de emprendimientos de artesanías y diseño, habrá una muestra de autos antiguos del Museo Rau del Automóvil. La jornada también tendrá música con Le Big Bend orquesta de vientos; humor con Doctor Cerebro; clases abiertas de baile con Swing Out Studio; más música con Papas Shake Big Band y un cierre a todo ritmo con La Minga, cuerda de tambores, entre otras actividades.

Fuente: https://www.0221.com.ar/begum/

Últimas funciones de “Perro que ladra”

 

“Perro que ladra”, la obra de creación colectiva que dirige Fabián Fernández Barreyro, continúa el paso de su segunda temporada con fuciones los sábados a las 20 en Espacio 44, 44 entre 4 y 5.

"Perro que ladra"

Según aseguró en una anterior entrevista con EL DIA, esta pieza, que logró estrenarse el año pasado tras las marchas y contramarchas de la pandemia, no es “obra de texto” sino, más bien, “una obra con texto” porque si bien “hay un texto, lo más importante que hay que ir a presenciar no tiene que ver con la entidad poética de lo que se dice, sino con el acontecer, con las actuaciones”.

A diferencia de su unipersonal “A nadie le importa una señora que barre” (que también se puede ver los sábados a las 20 en Dynamo, 17 y 68), en el que “el texto está colocado en primerísimo plano”, en esta obra “lo que hay es un esquema de intensidades que los actores van planteando”, y donde “la expectación circula más por lo que pasa, en términos de verdad, que en términos de secuencia narrativa”.

Con las actuaciones de Adrián Di Pietro, Pablo Fernández Iriarte, Andrés Beltrano y Virginia Calabrese.

Fuente: EL DIA

Susana Torres Molina: “La incertidumbre, en estas épocas, es como el oxígeno que respiramos”

 

Después de mucho tiempo, la destacada dramaturga y directora regresa a La Plata con “Encierros (2x2+1)”, una obra integrada por tres historias que remiten a diferentes situaciones de las que cuesta salir

María Virginia Bruno

Silvia Dietrich y Emiliano Díaz

La dramaturga y directora teatral Susana Torres Molina regresa después de mucho tiempo a La Plata con “Encierros (2x2+1)”, una obra que tomó forma durante la pandemia. Protagonizada por sus “compinches” Silvia Dietrich y Emiliano Díaz, está integrada por tres piezas breves que escribió en diferentes momentos de su vida, tres historias marcadas por diferentes tipos de aislamientos.

“El hilo conductor de esta obra son distintos tipos de encierros que hablan de diferentes situaciones en donde hay algo de lo que cuesta salir, a veces por elección propia, a veces por una decisión de los demás y a veces porque tiene que ver con compartimientos pulsionales donde no se puede evitar un cierto recorrido”, anticipó Torres Molina, en diálogo con EL DIA.

Autora de obras como “Extraño juguete”, “A otra cosa mariposa”, “Esa extraña forma de pasión” y, entre muchas más, “Manifiesto vs manifiesto”, la escritora atravesaba el confinamiento con tiempo suficiente para escribir pero, curiosamente, “sin el deseo de hacerlo”, entregada al desconocimiento de una situación con la que de pronto pareció sentir un deja vu.

“La incertidumbre, en estas épocas, es como el oxígeno que respiramos pero en ese momento, esto de no poder salir, de tener que tener permiso para todo, era una situación que nunca habíamos vivido, muy inédita. Fue una sensación de mucha angustia y miedo, y de pronto me acordé de este texto (“Nada entre los dientes”) que hablaba de estar ahí encerrados, en ese lugar y no poder salir”, contó en relación a la obra a partir de la cual nació “Encierros (2x2+1)”.

“Nada entre los dientes”, escrito a finales de los 90, surgió en el marco de una consigna de un grupo de dramaturgia que invitaba a escribir un material que luego se incluiría en un libro que se llamó “Monólogos de dos continentes” (porque también participaron autores españoles). “Ahí a mí me surgió esta obra que podríamos decir es como una dramaturgia de anticipación porque en esa época, alguien que no saliera de su casa, que estuviera rodeado de pantallas, que ya no comiera comida sino pastillas, que no supiera dónde ir, que no tuviera nada que perder y que además ya no sabe si los recuerdos son de él o se los fabricaron... era toda una situación un poco apocalíptica y también de encierro, un texto que era bastante anticipado para esa época”.

Torres Molina convocó a uno de sus actores habituales, Emiliano Díaz, para proponerle la posibilidad de llevar esta historia (que ya había interpretado hacía tiempo) al streaming, el formato posible en ese momento, y el proyecto comenzó a crecer. Pero cuando otra de sus actrices frecuentes, Silvia Dietrich, se enteró de lo que tenían en manos, propuso enriquecerlo con “Hurlingham” que había protagonizado en 2019 como parte de un espectáculo de seis monólogos, y que de alguna manera también hablaba de un encierro; “el encierro tal vez no elegido que muchas veces padecen los niños y los ancianos que son por ahí los que tienen menos voz y voto en la toma de decisiones”, contó la autora.

“Hurlingham” también nació en el marco del grupo de dramaturgia a partir de una consigna particular: escribir sobre la valija que más pesa. “Me acordé mucho de esa situación de cuando llevamos a mi madre a un geriátrico, que ya tenía como noventa y pico de años y necesitaba mucha atención. Y en esa situación, llevándola y viendo el dormitorio con su valija me recordó cuando ella me puso pupila a los nueve años. La misma situación. La valija que más pesa, para mí, remitía a eso”, explicó Torres Molina.

Se trata, tal vez, de la obra más “autobiográfica” de la dramaturga que, admitió, “quizás si no hubiera existido esa consigna, que de alguna manera te estimulan y te ponen en marcha, nunca la hubiera escrito”.

La obra, que se estrenó en marzo en el porteño Teatro del Pueblo, se completa con “Le privé”, una adaptación para dos actores de una obra que Dietrich y Díaz ya habían hecho junto a otra actriz que se llamó “Privacidad” (2013), y que “tocaba también un tema de encierro en cuanto a la compulsión repetitiva, de repetir situaciones que encima uno sabe que va a hacer daño y que se va a hacer daño pero que no puede evitarlo, casi como una adicción”.

“Encierros (2x2+1)” llegará este domingo a las 18 a Espacio 44, una sala a la que regresará el domingo 8 de mayo por haber agotado las entradas para la primera presentación. Los tickets saldrán a la venta el lunes a través de Alternativa Teatral.

Torres Molina, que por su obra “Un domingo en familia” -que se vio en el Cervantes con puesta de Juan Pablo Gómez- recibió el premio Trinidad Guevara, está muy entusiasmada con este regreso a La Plata, una ciudad en la que tiene “muchos amigos”, en la que ha tomado varios talleres y a la que antes venía con más periodicidad.

Según admitió, esta vuelta, esperada y celebrada por sus colegas y público platense, fue posible por las características minimalistas del espectáculo donde, alrededor de un puñado de elementos escenográficos, dos actores interpretan un monólogo cada uno para encontrarse recién sobre en el final, bajo la atenta -y nerviosa- observación de su directora: ella.

-Como directora, ¿cuáles son tus intereses?

-Me gusta mucho inquietar en el teatro, inquietar en el buen sentido de la palabra: incomodar, tocar temas que son incómodos. Pero, además, lo que quiero es que la gente salga pensando algo, que algo le llegue, que les conmueva, que les provoque un pensamiento. Por supuesto que también la forma sea atractiva, interesante, que tenga ritmo, que no sea solemne, que plantee preguntas y nunca dé respuestas, que no parezca algo muy pedante y que obtura. Porque las respuestas obturan. Busco que abra y genere preguntas, que deje un poco inquietud.

-¿Sos de ir a todas las funciones?

-En general voy siempre a las funciones, más allá de que digo que voy a dejar de ir (risas). Me gusta porque vas afinando a medida que uno va mirando, va corrigiendo, se le ocurren cosas. Es un trabajo de capa sobre capa, es como la corrección cuando se escribe algo en la literatura, que uno vuelve, tacha una palabra, tacha una frase. En general siempre es más sacar que poner. Yo creo que siempre cuando uno estrena no está todo definido, sino que es un trabajo en proceso, como todo. Y en el teatro, que estás trabajando con seres vivos, que a su vez le pasan cosas, que en una función pueden estar con ánimos muy diferentes y con públicos diferentes, todo es nuevo. Entonces, es importante estar, ver e ir guiando de alguna manera porque como directora tenés la visión privilegiada de estar chequeando y observando todo.

-¿Qué te produce ver tus obras siendo dirigidas por otra persona?

-(risas) tocás un tema... Yo no voy a verlas, excepto que sea un estreno, como “Un domingo en familia”, en el Cervantes, ahí sí fui. Pero cuando son reestrenos de obras mías que dirigen otros grupos no voy. No voy porque sufro mucho. Más allá de que pueden estar muy bien y todo, pero como soy directora, y ya las dirigí, tengo una mirada tan poco inocente, objetiva, y termino pasándola mal. Entonces, yo lo digo, “yo no voy a ir, discúlpenme”, y lo entienden.

-¿Y cuándo dirigís tus propios textos también te pasa lo mismo?

-No es que la paso mal pero estoy muy atenta y si hay algo que sale mal no quedo indiferente. No es fácil estar solamente observando. Los ensayos son maravillosos porque ahí uno puede desplegar toda su creatividad pero una vez que ya está en la función, el director podría estar, no estar, da igual. Entonces, se queda ahí observando, anotando, registrando lo que está bien pero sobre todo lo que está mal para corregirlo y eso es una tarea que genera cierta tensión. Pero al mismo tiempo es fascinante porque es un trabajo en equipo y todo lo que se ve es algo se ha generado en conjunto. Es un arte que está todo siendo por primera vez, aunque se hagan los mismos movimientos y se digan los mismos textos. Es un arte vivo, efímero, porque eso tampoco nunca más se va a volver a repetir. Entonces es un proceso permanente, constante, totalmente vivo, impredecible e incierto.

Fuente: EL DIA

“La Facunda”: una reflexión deformada sobre la argentinidad

ESPECTÁCULOS | DESTACADO DE LA CARTELERA

La farsa escrita y dirigida por Alejandro Santucci, en la que un patrón arrastra a sus tres peones a la creación del primer -y disparatado- “frente rural de acción conjunta”, se ofrece los sábados en el Viejo Almacén El Obrero

María Virginia Bruno

"LA FACUNDA"

“La Facunda”, una farsa rural escrita y dirigida por Alejandro Santucci, ofrece funciones los sábados de abril a las 22 en el Viejo Almacén El Obrero, 13 y 71, con una reflexión deformada sobre la argentinidad.

Protagonizada por Edgardo Desimone, Juan Felipe Hernandorena, Pablo Andrés Nakandakare y Mario Parmiggiani, esta obra recibió la primera mención del concurso Óperas Primas 2019 organizado por el Centro Cultural Rojas, dependiente de la Universidad de Buenos Aires. Parte del premio consistió en su producción para ofrecer una serie de presentaciones en la Sala Batato Barea que quedaron suspendidas por la pandemia (sólo se pudieron realizar dos de las seis programadas).

El germen de esta obra nació en el marco de un taller de dramaturgia que Santucci tomó con Nacho Bartolone y Mariano Tanconi Blanco. Fue a raíz de un ejercicio teatral donde el dramaturgo, director, actor y cantante platense se encontró con el universo de la que se convertiría en su primera obra teatral.

La Facunda es una estancia situada en algún pueblo de la provincia de Buenos Aires donde el primer “frente rural de acción conjunta” tiene base. El patrón (Jaurena) y tres peones, deciden llevar a cabo una rústica sublevación para frenar la mano invisible del progreso impositivo y reivindicar al desierto cómo matriz creadora de la identidad rural.

En diálogo con EL DIA, Santucci contó que una de las fuentes de las que bebe su pieza fue su experiencia personal. “Cuando era chico estuve en contacto con el mundo rural y del esquile, porque mi viejo vivía en otro lugar, cerca de Dolores, y en mis vacaciones de verano o de invierno compartí esas situaciones: ir al campo y ver a peones esquilar ovejas”, relató.

Con la semilla en mente, encontró en la “gauchesca” la musicalidad a través de la cual empezar a explorar el mundo rural; un mundo que se mezcla, como se ha mezclado en la vida real, con el “cocoliche”, otro tono que le interesaba abordar.

Para hilvanar lo que definió como “una gran menesunda”, Santucci tomó referencias de autores como Roberto Arlt, Jorge Luis Borges e, incluso, algún discurso de Artigas se cuela en la esencia de una obra que también tiene influencias del cine con imágenes que remiten a “Apocalipsis Now” de Francis Ford Coppola y a “Dios y el Diablo en la tierra del sol” de Glauber Rocha.

Dijo Santucci que a medida que avanzaba en su proceso creativo “fue inevitable remitir al campo y a los impuestos y a todo el lock out agrario de 2008”, una referencia que introdujo a través del apesadumbrado y confuso cuerpo de Jaurena, “un señor que no quiere pagar” y que da pie a los sucesos de la obra.

La obra podría definirse como “una reflexión sobre lo argentino”, en tanto, advirtió Santucci, “todo me hablaba de nuestro país en diferentes situaciones, sobre quién tiene el poder, quiénes son las ovejas y quiénes son los capataces: todo remitía a nuestra argentinidad”.

Para llevar esas reflexiones al universo poético, deformó no solo el lenguaje (para no caer en esa idea de gaucho = rimas) sino también algunas situaciones que son llevadas al punto del disparate generando momentos que varían entre “lo cómico y lo patético” que son muy celebradas por el público.

“El marco de la farsa me ofreció la posibilidad de aumentar la deformación y no caer en el realismo: yo quería evitar caer en una cosa solemne”, explicó.

La exacerbación del texto se traduce en una puesta enmarcada en un galpón de esquile minado por lanas desfiguradas, elementos con los que Santucci construyó no uno sino varios universos posibles en los que esta historia podría ubicarse, espacial y temporalmente.

Este concepto también se trasladó a los intérpretes, con quienes se trabajó “con esta idea de una deformación de la actuación realista”, proponiéndoles que hagan cuerpo de una especie de “guacho deformado” o de “gaucho en las nubes” con lo que la extensión y lo intrincado del texto fue quedando en un segundo plano.

A diferencia de la versión presentada en el Rojas (a donde regresarán en el segundo semestre), Santucci admitió que en El Obrero “la obra ganó en síntesis y en puesta”, habiendo quitado elementos que no le convencían y aprovechando las posibilidades del edificio real del Viejo Almacén que, casi sin demasiados artilugios, remite perfecto al contexto de estancia en el que se enmarca la obra.

Con un sólido elenco de actores experimentados, “La Facunda” tiene grandes momentos de tensión que son potenciados por la música original del músico y compositor platense Pablo Andrés Mini, a quien Santucci le propuso trabajar a partir de una obra de Serguéi Prokofiev (“Danza de los caballeros” del “Romeo y Julieta”) para que lo tradujera en una versión con instrumentos y sonidos particulares del Río de La Plata.

Egresado de la Escuela de Teatro de La Plata, Santucci cursó el FOBA de canto lírico en el Conservatorio de música Gilardo Gilardi y continuó sus estudios de actuación con maestros como Omar Sánchez, José “Pollo” Cannevaro y Laura Valencia. Formado en dramaturgia con Ignacio Bartolone, Mariano Tenconi Blanco y Diego de Miguel, tomó seminarios con Rafael Spregelburd, Rubén Szuchmacher, Graciela Schuster, Gerardo Camilletti, Carolina Donnantuoni y Beatriz Catani. Como actor, fue parte de varias producciones y en 2018 fue distinguido en la Fiesta Regional de Teatro.

Con dirección de actores y asistencia de dirección de Niem Nitai, diseño y realización de escenografía de Bernardo Clausi y Becky Morón, diseño y realización de vestuario y utilería de Renata Montalbano, diseño de luces de Víctor Chacón, fotografía de Inés Ferreyra, arte impreso de Victoria Uriondo y DCV de Graciela Rodríguez, “La Facunda” tendrá nuevas presentaciones durante mayo y junio los viernes a las 20. Las entradas están disponibles en Alternativa Teatral.

La obra recibió la primera mención del concurso Óperas Primas del Centro Cultural Rojas

Fuente: EL DIA

En Estación Provincial: el Encuentro de Teatro Independiente, en la recta final

ESPECTÁCULOS |ÚLTIMAS DOS JORNADAS: HOY Y MAÑANA

9 de Abril de 2022 | Edición impresa

“El camino de Eva”

El Encuentro de Teatro Independiente, organizado por el grupo La Barraca, continuará desarrollándose durante hoy y mañana en Estación Provincial, 17 y 71, con entrada a la gorra.

La programación de hoy incluirá: a las 17, en el Andén, se ofrecerá “Romeo y Julieta de Bolsillo” (CABA), multipremiado espectáculo con dramaturgia y dirección de Emiliano Dionisi.

A las 19 en la Sala Lidia Sampallo se mostrará “Tinta para trincheras” (CABA), de Federico Chaina y Gabriel Zuker, con actuación de Federico Chaina y dirección Gabriel Zuker.

También hoy pero a las 20 en sala A se mostrará “El camino de Eva” (Temperley), de Laura Pajés y Sergio Mercurio, con actuación de Laura Pagés y dirección de Sergio Mercurio.

La jornada cerrará a las 21 con “La comedia de la tierra” (Tandil), con dramaturgia y dirección de Javier Lester Abalsamo, una historia ambientada en Roma en 1545, donde artistas de calle, arriesgan sus vidas actuando e intentando cambiar el nuevo paradigma científico.

Mañana, en tanto, se presentarán los dos últimos espectáculos den Encuentro: a las 19 en la sala A se mostrará“Perla Guaraní” (CABA), con dramaturgia y actuación de Gabriela Pastor, música en vivo de José Andrés Pawlin y dirección de Fabián Díaz.

Finalmente, a las 20, la sala Lidia Sampallo recibirá a “Gangster”, de Daniel Dalmaroni, bajo la dirección y puesta de Raúl Bongiorno, y con las actuaciones de Eleonora Gottlieb, Ernesto Kiare, Estanislao Pedernera y Omar Musa.

Fuente: Diario El Dia de La Plata

“El carnaval de los animales” regresa al Argentino

 

“El carnaval de los animales”, un concierto escénico del compositor francés Camille Saint-Saëns, regresará este fin de semana a la Plaza Seca del Teatro Argentino, en el marco del ciclo “Otoño 2022”.

Esta propuesta, que incluye músicos, narradora, actores y titiriteros, se ofrecerá este sábado y domingo a las 19.30, y repetirá funciones el sábado 16 y el domingo 17 de abril.

Esta obra, con la que se busca acercar al público infantil y a toda la familia a la música clásica, fue escrita en 1886 y estrenada ese año en el carnaval de París. Se trata de una suite musical en catorce partes que constituye un divertimento pleno de gracia y humor: Saint-Saëns -de quien se cumplen 100 años de su muerte- se propuso evocar por medio del sonido de los instrumentos el rugido del león, el canto del gallo y el cacareo de las gallinas, el veloz galope de los hemiones (asnos salvajes), la lentitud de las tortugas, el salto de los canguros, los pesados movimientos de los elefantes, los rebuznos del burro, el canto del cucú y otros pájaros y los elegantes desplazamientos del cisne.

Con la dirección musical de André Dos Santos y escénica de Gerardo Capobianco, intervendrán la Orquesta Estable, los pianistas Esteban Rajmilchuk y Sebastián Boeris, Laura Finguer como narradora y los actores titiriteros Diego Aroza, María Laura Albariño, Gerardo Capobianco, Julio Sobota y Rosana Beldarrain. El guión narrativo corresponde a Ana María Bovo y el diseño de la escenografía, vestuario e iluminación es una producción propia.

Las entradas serán gratuitas, con reserva previa online, que se podrá gestionar a través del link publicado en la web y redes sociales de Cultura de la Provincia y el Teatro Argentino.

El ingreso del público será por la esquina de 9 y 51, por orden de llegada. Los asistentes deberán presentarse 50 minutos antes del espectáculo y habrá una tolerancia de hasta 15 minutos previos al horario del comienzo. En caso contrario, se cederá la ubicación reservada al público espontáneo. Los asientos no serán numerados y se aplicarán los protocolos sanitarios vigentes COVID-19. Las funciones se suspenden en caso de lluvia.

Fuente: EL DIA

“Tercer perro”: un matrimonio en el ocaso se despedaza en un ring de box

ESPECTÁCULOS | CON DRAMATURGIA DE MARIELA ANASTASIO Y DIRECCIÓN DE MARU OZAFRAIN 

María Virginia Bruno

NOELIA ALMASSIO, NICOLÁS PIANA Y LEANDRO VERÓN SON LOS PROTAGONISTAS DE “TERCER PERRO”, DE MARIELA ANASTASIO

Mediada por el doctor Barthes, una pareja se bate en un duelo tragicómico y discursivo en la obra que se estrenó en Teatro Abierto a cartelera teatral local acaba de sumar entre sus novedades “Tercer perro”, la inquietante obra de la escritora platense Mariela Anastasio que, bajo la dirección de Maru Ozafrain, propone el despedazamiento discursivo de una pareja que camina, irremediablemente, hacia el divorcio sobre un ring de boxeo. Un abordaje tragicómico que, con reflexiones de Roland Barthes materializadas en el cuerpo de un extraño psicólogo, se ofrece los viernes en Teatro Abierto. 

“Tercer perro” resultó ganadora del Primer Concurso de Dramaturgia que organizó Teatro Abierto en 2020, una iniciativa que nació para vencer el parate por la pandemia, en donde la escritura se convirtió, en muchos casos, en la mejor terapia para sobrevivir. 

“Como vi que las restricciones no aflojaban, decidí hacer algo que no implique la presencialidad y que estuviera relacionado con el teatro independiente”, explica Ozafrain sobre el origen de este certamen que la tuvo a ella junto a Blas Arrese Igor y José Supera como jurados. 

La pieza elegida fue seleccionada entre más de 60 propuestas que llegaron de toda la Provincia: los requisitos eran que fueran obras inéditas, de temática libre y que tuvieran una extensión no mayor a 50 carillas. El premio, además de un incentivo económico, era el montaje cuando la pandemia lo permitiera. 

La obra, que se estrenó a sala llena el fin de semana pasado, presenta a Silvina (Noelia Almassio) y Hernán (Leandro Verón), una pareja a punto de divorciarse que, como último intento por revertir un desenlace inevitable, acude a una terapia de pareja con el doctor Barthes (Nicolás Piana). 

Frente a este desopilante terapeuta que arbitra con conceptos prestados de “Fragmentos de un discurso amoroso” de su tocayo semiólogo francés, se van exponiendo frente al público los capítulos de este matrimonio que fue cavando su tumba a medida que fue cavando la de sus perros: porque en esta historia, la muerte de cada perro, tres en total, ha signado su vida (y su muerte) conyugal.

Uno de los aspectos que más les sedujo al jurado de esta obra fue su característica tragicómica, “algo curioso”, advierte Ozafrain, en tanto la autora la consideraba un drama puro y duro. Y ahí radica, precisamente, su gran y celebrado aporte desde la dirección.

“A mí me parecía divertida en el sentido de que era muy doloroso lo que se estaba contando pero me parecía muy lúdica la manera posible del montaje porque la propuesta que ella hacía desde el texto ya estaba situada en un ring, que es un ring más bien metafórico en tanto la pelea es desde la palabra”, dice la joven directora (y también actriz, dramaturga y docente platense) sobre una metáfora que se tradujo en intensos monólogos de las partes, que dan y reciben golpes por igual. 

“Ellos tienen muchas cosas para decir y solo les importa decirlas”, agrega Ozafrain sobre esta obra que con total ecuanimidad y sin torcer la vara para uno u otro lado de ese cuadrilátero deconstruido se cuestiona sobre “qué pasaría si de repente nos escuchamos”, algo que no solo aplica a los vínculos de pareja sino a cualquier relación humana. 

 Son pocos los elementos escenográficos de la puesta en tanto “nos parecía que el drama estaba sostenido con lo que estaba pasando ahí y quizás poner información de más iba a desviar la atención”. En esta pieza, en la que el elenco ofrece un gran desplazamiento que va más allá del escenario, se buscó deliberadamente que la atención estuviera puesta en los cuerpos y en los textos. 

En “Tercer perro”, la música es un gran estímulo no sólo porque recrea, audazmente, “el ambiente urbano que trae el boxeo”, sino porque además le regala a cada personaje su propio (y a veces desgarrador y a veces irónico) momento con canciones de Alberto Cortez y Sofía Viola cantadas en vivo que se ajustan a la perfección con la historia que se teje sobre esas despojadas tablas. 

La potencia escénica y versatilidad de Almassio, la entrega física de Verón y el carisma expresivo de Piana se conjugan en una interesante propuesta que va mutando no solo en sus personajes sino en sus tonos, lo que lleva a los espectadores a dejarse arrastrar hacia la oscuridad de los dolores más profundos pero con sogas constantes de humor corrosivo que le permiten salir a respirar. 

“Poder llegar a esos momentos en el teatro es a lo que apunto. Generar esa contradicción y que el espectador se pierda en ese mar de sensaciones, y que salga completamente desorientado en el buen sentido de la palabra, es lo que busco con mis obras”, cierra Ozafrain, orgullosa de la producción que lograron crear. 

Con asistencia de dirección de Gerónimo de Urquiza, y vestuario, escenografía y luces de Juan Esteban Camargo, “Tercer perro” continuará presentándose durante los viernes de abril, siempre a las 21, en la sala de 63 entre 3 y 4. Las entradas están disponibles en Alternativa Teatral o a través de las redes sociales de Teatro Abierto. 

 Fuente: EL DIA

EnTI: otra cita con el teatro independiente

ESPECTÁCULOS | SE MOSTRARÁN NUEVE OBRAS CON ENTRADA A LA GORRA

El encuentro organizado por el grupo La Barraca se llevará a cabo entre el viernes y el domingo en la Estación Provincial

“ROMEO Y JULIETA DE BOLSILLO”

Desde el viernes y hasta el domingo, el Centro Cultural Estación Provincial, 17 y 71, será sede de la cuarta edición del Encuentro de Teatro Independiente (EnTI) organizado por La Barraca. Las entradas serán a la gorra.

Con el apoyo del Instituto Nacional de Teatro y el Consejo Provincial de Teatro Independiente, el EnTI retoma su actividad tras el parate por la pandemia con la programación de nueve producciones que llegan de La Plata, CABA, Avellaneda, Temperley y Tandil.

Las obras seleccionadas fueron elegidas tras una convocatoria abierta en la que se presentaron más de 150 propuestas, un interés que, para los organizadores, demuestra “la necesidad de encontrar vías de participación del teatro independiente”. En este sentido, explicaron que la intención de este encuentro “es generar un intercambio artístico” entre los elencos participantes, además de “acercar al público” producciones de variedad y calidad.

VIERNES

El viernes a las 19 en la sala A (planta baja) , el EnTI abrirá con “Partida” (CABA), un espectáculo escrito y dirigido por Renata Moreno que aborda el tema de la identidad. Ganadora de la Bienal de Arte Joven de Santa Fe, formó parte también de la programación del Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti.

A las 20 en Sala Lidia Sampallo (planta alta) se mostrará “Rhonda” (Avellaneda), con dramaturgia de Jimena López y Macarena Trigo; actuación de Jimena López y dirección de Diego Recagno. Rhonda es una luchadora. Está programada para no bajar los brazos, pero ¿qué pasa cuando el camino hacia el éxito se convierte en un laberinto?

A las 21, en Sala A, se presentará “L.I.D.I.A.” con dramaturgia de Susana Tale, actuación de Cecilia Coleff, y dirección de Tale y Constanza Mosetti. Lidia es una náufraga citadina. Pura contradicción, pura existencia. Su encierro remite a otros encierros.

SÁBADO

En el Andén, para toda la familia, el sábado a las 17 se ofrecerá “Romeo y Julieta de Bolsillo” (CABA), multipremiado espectáculo con dramaturgia y dirección de Emiliano Dionisi.

A las 19 en la Sala Lidia Sampallo se mostrará “Tinta para trincheras” (CABA), de Federico Chaina y Gabriel Zuker, con actuación de Federico Chaina y dirección Gabriel Zuker. El 18 de julio de 1936 un cartero ambulante comienza su trabajo como todos los días, pero el estallido de la guerra civil española cambiará el rumbo de su trayecto.

El sábado a las 20 en sala A se mostrará “El camino de Eva” (Temperley). Dos mujeres, una de Jujuy y otra de Buenos Aires, se encuentran en una peregrinación. Las coplas van marcando sus caminos. De Laura Pajés y Sergio Mercurio, con actuación de Laura Pagés y dirección de Sergio Mercurio.

La jornada del segundo día cierra a las 21 con “La comedia de la tierra” (Tandil), con dramaturgia y dirección de Javier Lester Abalsamo. Roma, 1545, Sebastiano y Eumarco, artistas de calle, arriesgan sus vidas actuando e intentando cambiar el nuevo paradigma científico.

DOMINGO

A las 19 en la sala A se mostrará“Perla Guaraní” (CABA), con dramaturgia y actuación de Gabriela Pastor, música en vivo de José Andrés Pawlin y dirección de Fabián Díaz. Perla espera machete en mano, agazapada como un yaguareté, la entrada de su clientela. Zapatitos de cuero es lo que tiene para vender. Cierra la puerta de lo que parece el interior de un rancho y frente a nuestros ojos se convierte en un personaje erótico y peligroso: condensa en su cuerpo a la serpiente y al encantador.

Finalmente, a las 20, la sala Lidia Sampallo recibirá a “Gangster”, de Daniel Dalmaroni, bajo la dirección y puesta de Raúl Bongiorno, y con las actuaciones de Eleonora Gottlieb, Ernesto Kiare, Estanislao Pedernera y Omar Musa. Con vestuario de Analía Seghezza y fotografía y videos de Federico Bongiorno, esta comedia policial, que acaba de recibir tres menciones en la Fiesta Regional de Teatro Independiente, está ambientada en los 60 cuando una ama de casa descubre que su marido no es quién le dijo ser durante toda su vida sino un mafioso que mata gente por encargo. A partir de ahí, el delirio y los malos entendidos, teñidos de referencias históricas y humor negro, tomarán ese living de pasado.

Fuente: Diario El Dia de La Plata

“Gangster”: una comedia policial que gira sin parar

ESPECTÁCULOS | DESTACADO DE LA CARTELERA

Bajo la dirección de Raúl Bongiorno, la pieza de Daniel Dalmaroni avanza con impulso en su segunda temporada

María Virginia Bruno

OMAR MUSA, ERNESTO KIARE, ELEONORA GOTTLIEB Y ESTANISLAO PEDERNERA

Tras años de un matrimonio sin sobresaltos, una mujer descubre que su marido es un mafioso que, con dos particulares compañeros de acción, mata gente por encargo. Una situación que dispara un sinfín de acontecimientos que, entre el disparate, la violencia teñida de humor y los malos entendidos, termina demostrando quién es quién en el living de esa casa que huele a naftalina. De esto va “Gangster”, la comedia policial feminista de Daniel Dalmaroni que, bajo la dirección de Raúl Bongiorno, avanza en su segunda temporada con gran repercusión.

Con funciones los domingos a las 20 en Espacio 44, la obra protagonizada por Eleonora Gottlieb, Ernesto Kiare, Omar Musa y Estanislao Pedernera acaba de recibir tres menciones en el Festival Regional de Teatro Independiente.

La pieza no sólo fue seleccionada como primera suplente de las ganadoras (“¿Cómo las cosas llegaron aquí?” y “A nadie le importa una señora que barre”) sino que además fue destacada por la actuación de uno de los actores (Kiare, el marido gangster) y por la puesta en escena de Bongiorno.

Estos reconocimientos son un impulso más para seguir girando la rueda de esta producción del grupo La Barraca que si bien se había apalabrado antes de la pandemia, quedó atravesada por ella al punto que, como tantas otras, comenzó a gestarse para la virtualidad.

De hecho, algunos miembros del equipo no se conocieron personalmente hasta casi seis meses después cuando, por las nuevas posibilidades sanitarias, “Gangster” dejaría de ser pensada como una obra para el streaming para estrenarse en la presencialidad.

Y aunque el trabajo de trasladarla al escenario la convirtió casi en una nueva obra, Raúl Bongiorno decidió dejarle algunos de los elementos que habían ensayado como el hecho de estar los cuatro personajes siempre en la escena, algo que no estaba en el texto original. De algún modo sentían, aclara el director, que “la pandemia se había metido en la obra” aún sin ser parte de la acción.

Fuente: EL DIA

“Migrar es un lugar extraño”: seres de aquí, de allá y de ningún lugar

 

Sin ser actores, personas atravesadas por procesos migratorios poetizan sus historias en la nueva obra de Jazmín García Sathicq

María Virginia Bruno

"Migrar es un lugar extraño"

La realidad y la ficción se entretejen más que nunca en “Migrar es un lugar extraño”, una propuesta escrita y dirigida por Jazmín García Sathicq (42) que se estrena hoy en el teatro Dynamo, 17 y 68, donde un grupo de personas marcadas por la migración se animan, sin ser actores, a poetizar sus historias de vida a través de un marco ficcional.

La idea de esta obra surge a partir del interés de la dramaturga, directora y actriz platense en abordar el teatro documental, una perspectiva en la que ya había incursionado.

Desde “Mucha mujer” (que estrenó en Barcelona y en la que exploró la identidad de ser mujer y estar en riesgo de destrucción y vulneración social) hasta “Transportate” (estrenada en el Teatro Argentino sobre construcciones identitarias trans), Jazmín ha abordado este género “como un modo de acceder a investigar sobre determinados temas puntuales”, según asegura en diálogo con EL DIA.

Y el tema que la convocó a investigar ahora fue la migración contemporánea, un tópico del que “no se habla tanto y, sin embargo, es algo que no deja de entrar en tensión en nuestra sociedad”.

La artista platense cree que “dar testimonios que sean reales en primera persona y que uno sepa como audiencia que eso que se está contando no es solo una invención imaginaria de una autora sino que sucede en verdad” es algo que “sensibiliza mucho más” y, por eso, decidió poner en el escenario a los verdaderos protagonistas de esas historias, es decir, a un grupo de personas atravesadas por la migración.

-¿Siempre fue una decisión buscar a personas que no fueran actores para contar estas historias?

-Sí. Me interesaba el proceso en el cual ellos buscan y descubren una forma poética de contar esas historias que, a su vez, son como procesos ‘sociológicos’ muy interesantes para las mismas personas: siempre siento que hay algo de reparación en este tipo de proyectos porque los temas que se eligen están relacionados con las minorías o vulneraciones de derechos. El darles el lugar de que sean ellos mismos quienes cuentan sus necesidades, historias y problemáticas, de algún modo, reivindica algo relacionado con sus propias vidas.

A través de una convocatoria por redes sociales, Jazmín hizo audiciones que grabó “no sólo para estudiar cuestiones que tienen que ver con la personalidad y los modos expresivos, sino para registrar sus historias y las formas en la que las cuentan”. A partir de esos registros, después, le dio forma a la dramaturgia.

De esa selección quedó el elenco integrado por personas de 30 a 70 años: Carmen Lezcano, Lola Burgos, Griselda Spath, Ed Fabián Herrera Fajardo, Marx Einsteing Morales Tello, Josué Enmauel Quintero Narvaez.

Provenientes de Bolivia, Perú, Paraguay, Colombia, Venezuela y Argentina, los relatos que en el escenario se cuentan buscan “poner sobre la mesa cuestiones que nos hagan entrar en tensión sobre determinados temas como sociedad”.

Desarraigo, dolor, hambre, carencias y discriminación son algunos de los ejes que atraviesan una obra que busca “sensibilizar pero no desde un lugar violento sino por el contrario”, destaca la directora.

En este sentido, “Migrar es un lugar extraño” no se presenta como un drama sino como una propuesta que, apelando a la ironía, “busca el humor en todas las situaciones”, un recurso posible, en gran parte, por la personalidad de sus protagonistas, personas que, a pesar de todos sus padecimientos, “son luchadoras, alegres y positivas que no dejan de rescatar lo bueno; son personas esperanzadoras, agradecidas de dónde están, de lo que lograron y del país que las recibió”.

Para hilvanar estas historias, la directora trabajó con un marco ficticio: una fiesta de migrantes donde, en medio de sus experiencias de vida, circulan elementos de cada cultura, desde músicas y comidas típicas, hasta costumbres y modos de vida de cada país.

El escenario, que termina de completar su poética con recursos audiovisuales, se convierte así en una especie de puente donde convergen historias “sobre ir y venir, sobre ser de aquí y ser de allá, sobre el no ser de aquí ni ser de allá, sobre trascender ser un lugar, sobre ser extraño, sobre habitar, sobre estrechar lazos de hermandad y fraternidad, sobre luchar la vida hasta poder disfrutarla porque eso sí es un derecho”, reflexiona la también docente.

Durante la cuarentena, García Saticq sobrevivió escribiendo. Prueba de ello fue la publicación de su libro de dramaturgias que, con prólogo de Jorge Dubatti, está integrado por dos obras: “Los cielos encima”, que estrenó el año pasado, y “La arrogancia de la piedra”, que mostrará a partir de mayo cuando su proyecto de teatro documental baje del escenario. Para octubre, en tanto, la artista platense (que a los 20 escribió y dirigió su primera obra teatral) viajará a Manaos, Brasil, tras haber ganado un concurso del programa Iberescena por el cual quedó seleccionada para hacer la dramaturgia y dirección de “Cabaré Chinelo”, sobre una idea de la Compañía de artes escénicas brasileña “Atelie 23”.

Coproducida entre Teatro Dynamo y la Cía. García Sathicq, “Migrar es un lugar extraño” incluye asistencia de dirección de Maxi Saad, creación sonora y música de Vladimir Zegarra Toledo, documental sobre testimonios migrantes de Dante Gismondi, fotografía de Diego Chapay y vestuario, diseño de iluminación y audiovisual de escena de Jazmín García Sathicq.

Ganadora de Iber-maletas, un programa de Iberutas destinado a la protección de los derechos de los migrantes desde una perspectiva intercultural, la obra continuará en cartel en La Plata durante todos los viernes de abril y mayo siempre a las 21. Las entradas se pueden adquirir a través de Alternativa Teatral.

Fuente: EL DIA