El teatro se muestra: los elencos buscan un lugar en la Comedia Municipal de La Plata

ESPECTÁCULOS | DESDE HOY Y HASTA EL DOMINGO EN EL PASAJE

“Mujeres que abrigan sueños”, una de las obras que se ofrecerá gratis

Es el regreso de un clásico para los amantes del teatro de la ciudad de La Plata que año tras año tienen la oportunidad de ver obras teatrales de manera gratuita durante cuatro intensas jornadas: desde hoy, 12 obras participarán de la etapa final del Concurso de la Comedia Municipal que anualmente impulsa la Secretaría de Cultura y Educación de la Municipalidad.

El jurado, integrado por los actores y directores Zulema Ozón, Gabriel Laborde y Néstor Amarilla, determinará cuáles son las seis obras ganadoras el domingo, día final del evento que se desarrollará desde hoy hasta el sábado, en las salas A y B del Centro Cultural Pasaje Dardo Rocha, calle 50 entre 6 y 7.

Durante esos días, el “Festival de la Comedia Municipal”, un clásico de la cartelera cultural platense, ofrecerá al público la oportunidad de disfrutar, con entrada libre y gratuita, de las obras seleccionadas entre 40 aspirantes.

Los seis elencos ganadores del concurso que organiza temporada tras temporada el municipio local obtendrán la contratación por diez funciones a realizarse tanto en el Pasaje como en escuelas e instituciones barriales, y además formarán parte de la programación estable de teatro a lo largo del año, ofreciendo funciones gratuitas durante la temporada.

LAS DOCE OBRAS

Las 12 obras que se mostrarán en los próximos días son seis trabajos infantiles (“Farenheit, la otra historia”, “La valija desprolija”, “Profecías: una aventura de otro tiempo”, “El soplador de estrellas”, “Revivan los cuentos” y “Los clasificadores”) y seis trabajos adultos (“El éxodo, ficción patria”, El encuentro en Guayaquil”, “El bostezo, una grotesca historia de ciencia ficción”, “La higuera del Che”, “A contrapelo” y “Eran ellas... o yo!”.

Tras la puesta en escena de las 12 piezas durante tres jornadas, el domingo 29, a las 17 horas, se realizará el anuncio de las obras ganadoras y la entrega de premios, en una ceremonia abierta al público, en la sala A del Centro Cultural Pasaje Dardo Rocha.

Fuente: EL DIA

“La mirada...”: una fábula sobre el lenguaje en los tiempos de incomunicación

 

Con dramaturgia y dirección de Niem Nitai, la reflexión sobre los vínculos alienados en el mundo actual se ofrece en El Obrero

21 de Abril de 2018 

“La mirada o el río al que las personas se arrojan a un pozo” / Fermín Epele

Esta noche a las 22 en el Viejo Almacén El Obrero, 13 esquina 71, se ofrecerá una nueva función de “La Mirada o el río al que las personas se arrojan a un pozo”, con dramaturgia y dirección de Niem Nitai.

La obra, que participó en la Comedia Municipal 2017, y que fue seleccionada para el Festival del Fin del Mundo que se realizará este año en Ushuaia, está protagonizada por Alejandro Santucci, Karina Ruiz, Mario Parmiggiani y Sofía Boué.

La trama plantea el cruce entre dos parejas de realidades diferentes, identificadas como AyB y CyD, a través de las cuales el relato indagará por temáticas contemporáneas como los vínculos y su fragilidad, la soledad y la incomunicación diaria.

A partir del cruce entre ABCyD, “las cosas se complejizan, se entrelazan y el devenir de los acontecimientos termina configurando una estructura que los supera o los hunde como en un pozo, los devora. Pareciera ser que (siempre) el lenguaje es una bestia que se come a sus hijos”, según explicó el director.

Destacada por su dramaturgia y sus actuaciones en las recientes fiestas regional y provincial del teatro, “La mirada o el río al que las personas se arrojan a un pozo”, que cuenta con el apoyo del INT, se presenta como “una fábula sencilla a partir de la cual el espectador va a poder proyectar sentido y verse identificado a través de algunos núcleos”.

Consciente de que representar una tesis en teatro es en algún punto una actitud reaccionaria, Niem Nitai manifestó que trabajan “con la idea de generar un relato y una trama, una textura donde sobre algunos espacios en blanco, decididamente dejados en blanco, el espectador pueda proyectarse a sí mismo” porque, consideró, “la obra es con el espectador o no es”.

Según remarcó, en esta propuesta “el espectador es como una niña de quince años a la que le hicieron una fiesta sorpresa y no le consultaron por los invitados, el espacio ni el vestido. Mucho menos si quería o no tener una fiesta. Tendrá que ver ella, si le resultan simpáticas o no las elecciones de los que organizaron el evento”, destacando que “sea lo que sea que a la quinceañera le pase, lo importante es eso, que le pasen cosas y que se vaya de la fiestita (o el velorio) diferente a como llegó”.

La pieza, cuyo título ofrece una referencia poética a Raúl González Tuñón, y que también podría representar una metáfora para “nombrar lo innombrable”, enfrentó al equipo a algunos desafíos puntuales.

Por un lado, según contó Nitai, “fue el esfuerzo de reunirnos durante más o menos un año sin ningún sostén material o económico que garantice un final feliz para el proyecto, es decir nosotros, los trabajadores del teatro under, alternativo o independiente producimos en condiciones de absoluta precarización, sin más sostén que la fe y una fidelidad casi religiosa a la actividad a la que pertenecemos”.

Y por otro, todo lo derivado al cómo contar de una forma novedosa siendo “hijos de esta época y en un medio escénico disperso donde la ruptura ya no es el gesto de creación artística como sí lo era en el siglo XX”.

Este reto, consideró el director, “nos traía la pregunta de cómo configurar obra, cómo legalizar nuestro lenguaje al no tener ante quién revelarnos ni ante quién ser fiel. La dinámica de academicismo y vanguardia, la cual erigía la idea del imposible como objetivo a alcanzar, es decir hacer posible lo que para la vanguardia anterior no era posible ya no eran las condiciones que se nos presentaban a la hora de encarar el material”. Tras atravesar ese intrincado proceso, la obra fue adquiriendo “una fuerte textualidad y un uso casi poético del habla, es decir el texto como elemento concreto de la obra ocupa un lugar en el espacio, es un cuerpo más moviéndose por ahí, tiene una presencia fuerte y de alguna manera instala un código definido de interlocución con el espectador”.

Así, “el orden emocional, poético de la actuación genera el mayor de los puentes para el intercambio perceptivo con el espectador, tanto física como intelectualmente”, partiendo de una “búsqueda de sentido de verdad y acumulación en las actuaciones, sobre todo en los momentos en que los actores y actrices monologan muy cerca de la platea”. En cambio, en las escenas grupales, constituidas a mayor lejanía del espectador, “el lenguaje enloquece y se despega más del registro de actuación realista, que aunque elástico, siempre es previsible, quiero decir objetivable, propio de ser deconstruido y analizable”.

Hablar de género, en la actualidad, le deriva a Niem Nitai en el “manifiesto contrasexual de Paul B. Preciado”. Para el dramaturgo, esta coyuntura insta a su deconstrucción porque entiende que “nombrar es siempre una arbitrariedad”. De todos modos, ante el vicio periodístico por “encasillar” la obra en alguna góndola, la definió como “una comedia dramática al estilo, salvando las enormes distancias, de ‘Punch-Drunk Love’ de Paul Thomas Anderson”, una película a la que le gustaría acercarse “aunque sea un poco”.

Con escenografía de Sol Santacá, asistencia en iluminación de Negro Cogo, vestuario y maquillaje de Flou Gangoiti, diseño de María Cecilia Marcos, arte visual de Ramiro Bustamante, asistencia técnica de Moira Hidalgo y música (“Cuando un robot llora se convierte en humano”) de Saturno (Grax Seba Rulli), “La Mirada o el río al que las personas se arrojan a un pozo” tendrá nuevas presentes los sábados restantes de abril y todos los de mayo en la sala de 13 y 71.

Fuente: EL DIA

A sala repleta inauguró Metro, el nuevo teatro en 4 entre 51 y 53

LA CIUDAD | CON UN SHOW DE BAGLIETTO Y LITO VITALE

EL TEATRO METRO, COLMADO, SE ESTRENÓ CON UN SHOW DE BAGLIETTO Y VITALE

Anoche quedó inaugurado el Teatro Metro, la sala que ya funciona en la antigua sede de la AMIA -4 entre 51 y 53-. En rigor, con la actuación de Juan Carlos Baglietto y Lito Vitale, se realizó una función de gala sólo para invitados especiales y recién hoy se levantará el telón para el público en general con la presentación del polémico Baby Etchecopar.

El nuevo teatro, con capacidad para 700 espectadores, se ubicará como el tercero más grande de La Plata, detrás del Argentino -2.000- y del Coliseo Podestá -1.100-.

Anoche, en el estreno, el recinto lució repleto. Los espectadores pudieron disfrutar de la sala de amplias dimensiones, con dos plantas rectas al escenario, que ofrece una visión plena desde cualquier ubicación.

Según se explicó se trata de un emprendimiento privado que será administrado por Four Event SRL, una sociedad “previamente existente” a este proyecto, que le rentará la sala a la AMIA con el compromiso de crear un “lugar cultural”, además del natural cuidado edilicio cuyo valor, más allá de lo arquitectónico, se relaciona con lo simbólico e histórico de la comunidad.

Fuente: EL DIA 

Bepo, cine y teatro con guiño local

ESTRENAN BEPO, CON LUCIANO GUGLIELMINO

Hoy a las 20.30 en El Galpón de La Caterva, calle 12 esquina 3 (471 y 14b), se presenta “Bepo” película estrenada en noviembre pasado en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, dirigida por Marcelo Gálvez y con la actuación protagónica de Luciano Guglielmino, actor de City Bell.

“Cada cual es artífice de su propia aventura”, lee Bepo al costado de las vías del tren, y ese es el lema que sobrevuela esta road movie sobre crotos que transitan el paisaje pampeano entre trenes de carga, changas, mujeres y las ganas siempre latentes de volver a casa. Basada en el libro “Bepo, vida secreta de un linyera”, de Hugo Nario y rodada en doce pueblos de la provincia de Buenos Aires, la película captura la época en que las ideas anarquistas llegaron con los inmigrantes europeos.

Es éste el segundo largometraje de la dupla Gálvez – Guglielmino luego de “Cipriano, yo hice el 17 de octubre” rodada en 2011.

En tanto, el sábado a las 18 será una cita para los más chicos. El Grupo La Caracataca, presentará la Obra infantil “Los clasificadores”, en El Galpón de La Caterva. Una propuesta artística que integra diversión y reflexión, enseñanzas y compromiso social con humor.

Con la dirección de Javier Pastorino, el bono contribución costará $100.

Fuente: EL DIA

“El bostezo”: del gallinero a la Ciudad, con los agrotóxicos en el cuerpo

ESPECTÁCULOS | DESTACADO DE LA CARTELERA

El grupo colectivo Teatro Rústico reestrena su creación colectiva, un grotesco que se mueve entre la ciencia y la ficción

ESCENA DE “EL BOSTEZO...”

Teatro Rústico, la agrupación colectiva que le ha puesto el cuerpo a obras como “Homeland Butterfly”, “Sueño de una noche de verano”, “Pirañas, el lado oscuro de la revolución” y, entre otras, “Circo No está” y “Rieles de la patria”, reestrena mañana en la Ciudad “El bostezo, una grotesca historia argentina de ciencia y ficción”, que aborda la utilización indiscriminada de agrotóxicos.

La compañía, creada en 2014, se vio nacer entre los árboles y el aire más puro que se respira en el Parque Pereyra Iraola, generoso espacio verde situado en el cinturón hortícola platense en el que enmarcaron su proceso creativo, contexto del que surgió el que ellos denominan como su primer germen: “El Gallinero”.

Aquella creación contaba la historia de una pareja de horticultores aislados y fuera del sistema -“Sasha”(Charo Farías) y “Eliseo” (Juan Pablo Thomas)- que se vio resistiendo al desalojo por la inminente construcción de una autopista; cuyo hijo -“César” (Hernán Godoy)- presenta dificultades motrices causadas por la ingesta de agrotóxicos, lo que devino en una crianza a través de un relato de ficción.

Presentada originalmente dentro de un gallinero real, en el que el elenco interactuaba con gallinas de diferentes razas, en lo que consideraban como un escenario “rebosante de naturaleza”, la obra fue adaptada luego para ser realizada en una sala teatral, algo que les demandó un trabajo de investigación más profundo sobre el glifosato y su uso en diferentes rincones del país, aunque centrándose en San salvador, Entre ríos, la denominada “ciudad del cáncer”.

“Luego de ver algunos documentales decidimos comunicamos con Fabián Tomasi, afectado directo por dichos químicos, y tras una larga investigación tomamos algunos materiales y fuimos probando, mezclando lo que teníamos con lo investigado, siempre intentando no caer en el hecho propagandístico y construyendo diferentes imágenes y metáforas”, aseguró Hernán Godoy, en diálogo con EL DÍA.

En este sentido, el actor manifestó que el objetivo del colectivo es intentar “generar en el público alguna reflexión sobre la temática”, entendiendo que “ya sin saberlo o sin quererlo también estamos siendo afectados por el uso de estos productos; no nos olvidemos que todo lo que consumimos está en mayor o menor medida contaminado”.

En relación al lenguaje escénico, Godoy explicó que se fue delineando con los ensayos, a base de instrumentos en vivo, canto y otros recursos “que consideramos interesantes para esta propuesta, así como lo lumínico -Olivia Grioni- y lo sonoro manipulado desde dentro de la escena”.

El grotesco es el género en el que mejor se encuadra “El bostezo…”, “conscientes de que hemos realizado una producción que por momentos tiene escenas potentes y se entremezcla el llanto y la risa generando desconcierto por no saber qué sentir, si lástima, bronca o desagrado”, algo que se repite a lo largo del relato, “rozando también con lo ridículo o absurdo”.

Desarrollada en una puesta apaisada, lo que hace que por función sólo la puedan ver 25 personas, la obra se plantea como un relato intimista en la que los actores interactúan mucho con el público, desde el principio hasta el final. “Sentimos que es fundamental cómo se siente el espectador, porque vemos y sentimos cómo recepciona lo que generamos, y a la vez por la cercanía nos transmite su intensidad acariciándonos en cada función”.

Para el grupo, el mayor desafío de este proyecto estuvo radicado en “trabajar desde un criterio colectivo”, tomando las decisiones creativas entre todos, algo que no siempre es fácil pero de lo que obtuvieron buenos frutos.

“El bostezo” -que incluye la colaboración de Agustín Recondo y Diego Bezzi- se ofrecerá mañana a las 21 en Vil Teatro, 11 entre 70 y 71, y repetirá sus funciones el 27 de abril y los viernes 4, 11 y 18 de mayo.

Fuente: EL DIA

“No hay nada más hermoso que acariciar algo quieto”

 

Estreno el 13 de mayo 

17 de Abril de 2018 

“No hay nada más hermoso que acariciar algo quieto”, una experiencia teatral casi personalizada, se estrenará el domingo 13 de mayo a las 21 en algún rincón de la Ciudad.

Al espectáculo, escrito y dirigido por Braian Kobla, sólo podrán asistir dieciséis espectadores por función, y los interesados deberán escribir a la página de Facebook de la obra para reservar el lugar y, recién ahí, tendrán la dirección de la función.

“Creo que esta dinámica minoritaria y particular de asistir a un evento establece un vínculo más íntimo entre los espectadores y la obra”, explicó Kobla, sobre el interés de hacer que el espectador se sienta “parte de la cosa, literalmente”.

“No hay nada más hermoso que acariciar algo quito” romperá con “ciertas lógicas de producción y exigencias” del teatro convencional, buscando que el éxito llegue por otro lado.

Protagonizada por Federico Aimetta y Niem Nitai, con vestuario y diseño de locación de Sol Santacá y asistencia de dirección de Rafael Gigena, la dramaturgia de este trabajo llevó a Braian Kobla a formar parte del Catálogo de Joven Dramaturgia iberoamericana de la Biblioteca Nacional de España (Madrid) y también a obtener la Beca individual a la Creación del Fondo Nacional de las Artes.

Fuente: EL DIA

“Montaraz”: la obra de teatro platense que representará a la Provincia a nivel nacional

ESPECTÁCULOS | UNA EXPERIENCIA SENSORIAL QUE HABLA SIN LA PALABRA

Cinco actrices/bailarinas, con músicos en vivo, hablan desde sus cuerpos, en la pieza de Braian Kobla: una joyita de la escena local

LAS PIBAS, LOS MÚSICOS Y EL AUTOR Y DIRECTOR DEL PROYECTO “MONTARAZ”

Todavía no tuvo su estreno convencional en la Ciudad pero “Montaraz”, con dramaturgia y dirección de Braian Kobla, logró trascender la escena local, al haber sido elegida para representar a la Provincia de Buenos Aires en la Fiesta Nacional de Teatro que se llevará a cabo en Rosario, entre el 12 y el 20 de mayo.

Protagonizada por Julieta Ranno, Denisse Van der Ploeg, Natalia Maldini, Eliana Giommi y Ana Belén Recabarren, la obra -una experiencia sensorial que opera desde los cuerpos, devenidos en pulsiones, de las actrices/bailarinas-, se estrenó en diciembre pasado en marco del Festival Aúra y, desde entonces, se ha mostrado al público general apenas dos veces más, una en el Centro Universitario de Arte y otra en Espacio 44, ambas, con entradas agotadas.

Convertida en una joyita de la escena platense, “Montaraz” llegó este año a la Fiesta Regional de Teatro, de donde salió airosa con reconocimientos para su director, para su música -Francisco Raposeiras y Andrés Dillon-, y para su coreografía -Julieta Ranno, Denisse Van der Ploeg y Eliana Giommi-. Días atrás, la obra se impuso en la etapa provincial, obteniendo el pase al máximo encuentro escénico del país, en donde competirá con otras 31 producciones.

“Una de las primeras decisiones acerca de la obra fue que iba a ser una experiencia de duración acotada, pero con una intensidad alta. Generar un cimbronazo en el espectador. Un tiempo vertiginoso de acontecimientos que se suceden y superponen rítmicamente estableciendo un vínculo más del orden físico que intelectual.

Y así estamos vivenciando todo lo que nos está pasando con la obra”, manifestó Braian Kobla, en diálogo con EL DÍA, feliz con las puertas que se están abriendo de la mano de su criatura.

Autor y director de obras como “Yo fui Sofía” (2010); “Ofelia se ahoga” (2011); “The Good” (2015); y “No hay nada más hermoso que acariciar algo quieto” (ver aparte), Kobla asegura que es “un estímulo muy grande” para la compañía (creada en febrero de 2017) participar de la Fiesta Nacional porque les ofrece, como “creadores y militantes del teatro independientes”, la posibilidad de “establecer vínculos con otros creadores para ir en contra de ciertas lógicas que se establecen en relación al foco del debate teatral”.

En este sentido, reflexionó en que hoy en día la Ciudad de Buenos Aires “es el epicentro del debate teatral, y por ende, todo lo que está alrededor es periferia. Creo que esta instancia ayuda o propicia un terreno en dónde se pueda desmantelar esa lógica centralizada”.

La obra, que podría definirse como una partitura musical o rítmica en la que la textualidad devino de los cuerpos de las pibas, habla desde canciones, estados actorales, secuencias coreográficas, loops de textos y proezas físicas, evitando la palabra.

Consultada en relación al carácter femenino de una obra que habla desde el cuerpo, sobre todo teniendo en cuenta el lugar que el cuerpo femenino ha tomado en el debate actual, una de las actrices, Denisse Van der Ploeg, destacó que ser parte de un proyecto así, en un contexto como este, sirve para reflexionar y “resignificar”.

“Las mujeres debemos ocupar estos espacios y hay que darle importancia y lugar, no podemos dejarlo pasar. Y que en ‘Montaraz’ se pueda ver la potencia de cinco cuerpos femeninos es estimulante”, remarcó la joven actriz que, años atrás, se puso en la piel de “Robustina” en “Barranca abajo”, con dirección de Cristina Banegas.

“En lo personal, mirar hacia un lado y ver a cuatro compañeras sublevadas escénicamente conmigo en un espacio así es hermoso. Muchas veces nos preguntan en relación a la violencia y los vínculos y el por qué manejamos la violencia de esa manera y no de otra. Y es en ese momento cuando me digo por dentro: ‘las mujeres recibimos en la calle y en otros espacios mucha violencia, fuimos censuradas socialmente durante siglos. Exponemos esa violencia y no nos callamos más. La fuerza y potencia que utilizamos en escena NO es masculina, es un error retrógrado pensarlo de esa manera. La fuerza e intensidad que se expande de nuestros cuerpos es totalmente femenina y lo celebro junto a mis compañeras’”, cerró la también fotógrafa, en diálogo con EL DÍA.

Antes de competir en la Fiesta Nacional de Teatro, “Montaraz” -que incluye vestuario y escenografía de Sol Santacá, música en vivo de Francisco Raposeiras y Andrés Dillon y asistencia de dirección de Rafael Gigena- se ofrecerá el próximo domingo 6 de mayo en la Sala Armando Discépolo de la Comedia de la Provincia, 12 entre 62 y 63, en el marco del ciclo de obras ganadoras de las fiestas de teatro independiente.

“Es hermoso ver a cuatro compañeras sublevadas escénicamente conmigo en un espacio así ”

Denisse Van der Ploeg, Actriz

Fuente: EL DIA

“Mi hijo sólo camina un poco más lento”: una obra en la que el cómo es más importante que el qué

 

Con un “entramado absolutamente infrecuente”, llega a La Plata la obra del croata Ivor Martinic que, bajo la sensible mirada de Guillermo Cacace, causa furor en el off porteño

María Virginia Bruno

14 de Abril de 2018

Escena de “MI HIJO SÓLO CAMINA UN POCO MÁS LENTO”/Facebook

En el texto del dramaturgo croata Ivor Martinic, Branko padece una enfermedad por la que día a día va perdiendo la movilidad. Y será en la celebración de su cumpleaños número 25 en donde su familia, reflejo a menor escala de la gran sociedad, nos deje espiar cómo se establecen sus vínculos a partir de esa enfermedad.

Dice el actor, director y autor Guillermo Cacace, el mismo detrás de la dirección de “El mar de noche” de Santiago Loza con actuación de Luis Machín, que cuando se topó con este material estaba en la búsqueda de historias que “tuviesen un gesto menos exacerbado a nivel histriónico desde lo actoral y menos intelectuales en el nivel de su escritura”, una marca “tan porteña” que prefería evitar.

Y cuenta que cuando por fin tuvo el texto en sus manos lo leyó “en un estado de fuerte indefensión” que lo tomó entero. Esa sensación también se repitió en el elenco, en la primera lectura, y esa fue la señal de avance. “Lo primero que pensé no fue ‘ahora cómo monto esta obra’, lo primero que pensé fue ‘cómo hago para no desmontar estas impresiones primeras’”.

Esas impresiones, claro, estaban puestas en el abordaje que plantea la historia, que deja en un segundo plano la inmovilidad que padece Branko para ir un poco más allá.

“Hay discapacidades de diferente índole, hay discapacidades invisibilizadas, hay capacidades distintas y la obra pone todo esto de manifiesto desde cómo se dice. Hay cantidad de obras diciendo estas cosas, enunciando temas. Aquí el rasgo particular es cómo hemos logrado decirlo. La coherencia ética, estética y política”, asegura el reconocido director, quien acaba de llegar de Costa Rica hacia donde viajó para acompañar a esta criatura escénica.

El también docente del IUNA reconoce que desde que está subido al barco de “Mi hijo sólo camina un poco más lento” realiza un trabajo casi de militancia para que se sepan bien algunas cosas. Explica que “no es una obra que habla de una familia disfuncional”, que es una historia que “tiene mucho humor” y que, a pesar de que por las fibras íntimas que toca algunos puedan llorar, “nunca fue una meta ni lo sería, no hay problema con que eso pase, pero la obra es mucho más que esa posible reacción”.

Considera que la puesta “no es nada complaciente en términos de montaje”, una decisión que no fue tomada para sumarse a una tendencia que describe como “contra/racionalista de apoyo en lo meramente naif”, cuestionando la explosión de propuestas forzadas a vestir “esa calidad ingenua que parece decir ‘qué importa el dolor si te miro con amor y desde mi casita que queda allí lejos’, que arma una nueva pose tan ‘entretenida’ como aquella que se autoexcita al convocar grandes temas o usar la escena como púlpito para ese lucimiento puramente intelectual con estética de sitcom desde hace tiempo gana muchos espacios”.

Concebida desde lo más puro del off, la obra, que desde su estreno en 2014 ha realizado más de 400 funciones siempre agotadas, comenzó su historial de presentaciones los domingos a las once de la mañana en la sala estudio Apacheta, un horario para nada convencional desde el que, sin embargo, se hizo fuerte y creció gracias al boca en boca.

“El horario no nació como una especulación con una franja donde no hay competencia”, aclara Cacace, despejando dudas de los que “quisieron pensar eso”. Y continúa: “Es un reflejo de la realidad de muchos grupos de teatro: reunirse cómo pueden y cuando pueden en función de un deseo que no admite límites temporoespaciales. Así que las nueve de la mañana de los domingos era el único horario en que podía juntarse todo el elenco a ensayar. Un buen día nos dimos cuenta que la obra había sido parida en esas condiciones y nos dieron ganas de compartirla en idénticas condiciones”. Después advirtieron que los cuerpos de público y actores a esa hora “tienen una porosidad perceptiva distinta al resto del día y que para este trabajo era casi ideal”.

Además de su gran elenco (Juan Tupac Soler, Paula Fernández Mbarak, Antonio Bax, Romina Padoan, Elsa Bloise, Luis Blanco, Clarisa Korovsky, Aldo Alessandrini, Pilar Boyle, Gonzalo San Millán, Juan Andrés Romanazzi, María Emilia Ladogana), la pieza tiene la particularidad de resignficarse de función a función, a través de un procedimiento de inclusión de cualquier tipo de accidente en lo que está pasando en la obra, desde sonidos que irrumpen y son ajenos a lo ensayado hasta particularidades de la vida de cada actor, además de las reacciones del público.

“Se trataría de una permanente obra en construcción. No podemos descansar sobre el reconocimiento y salir a repetir una fórmula. Aquí se trabaja y se hace trabajar a quien viene a verla. Trabajar cada vez como la primera vez. De tal forma, se diluye la noción de público y consideramos que esos que están del otro lado componen con nosotros una afirmación del valor de encontrarse. Un valor diluido en la gran escena contemporánea”, analiza Cacace, que por este trabajo recibió el ACE a la mejor dirección.

Reniega del término “fenómeno” a la hora de hablar de este proyecto al que, sostiene, avalan “una entrega atípica y muchos años de trabajo”, aunque reconoce su “entramado absolutamente infrecuente” que, en resumidas cuentas, “es lo que la hace crecer y que la gente se sume hasta sin saber muy bien por qué. Hay verdades incapturables en términos racionales”.

A Guillermo Cacace, esta obra le ha dado la posibilidad de afirmarse en “un tipo de teatro que no veía”, que le permite ser parte de una “realidad paralela” -en la que “no se miente en escena y no obstante se trata de una construcción artística”- en la que está bueno permanecer aunque sea de a ratos.

“Mi hijo sólo camina un poco más lento”, que mañana a las 20 se ofrecerá en el Coliseo Podestá en el marco del Ciclo OFF Buenos Aires, con entradas populares a $100, continuará con sus funciones en el porteño Picadero los domingos a las 11.30 hasta mitad de año, cuando la compañía cruce el gran charco para llevar a Europa la historia de la familia de Branko.

Fuente: EL DIA

Humor picante y picarón: los shows de transformismo copan la Ciudad

 

En diferentes rincones platenses, las propuestas de este tipo de espectáculos se multiplican, con una fórmula exitosa que atrapa espectadores deseosos de reírse sin pensar

13 de Abril de 2018 

En un análisis rápido de las propuestas para este fin de semana en la Ciudad, llama la atención la cantidad de espectáculos de transformismo que se ofertan.

Con una fórmula exitosa, el género que saltó del under a los lugares más visibles germina en las diagonales platenses, en donde se cosechó hace más de dos décadas.

Para los que no lo conocen, se trata de una expresión artística caracterizada por un actor/actriz que se transforma en otro arriba del escenario, exacerbando esa condición a través de diferentes recursos con los que, fundamentalmente, se busca divertir a la platea con cuadros netamente humorísticos.

Desenfadados, y con ribetes bizarros, los shows no discriminan en escenarios, y se los puede ver en bares y boliches, teatros y clubes, sin contar las animaciones privadas que, con los años, se han vuelto de las más pedidas para festejar cumpleaños de quince, casamientos y despedidas de solteros.

Foto: Laureano Raffin

En La Plata los pioneros fueron “Las Abbas”. El dúo integrado por los actores Javier Cardini y Julio Piteck nació a mediados de la década del noventa pero su explosión llegó recién con la llegada del nuevo milenio, algo que, según consideraron, “no fue una casualidad”.

Las ganas de entretenerse sin pensar en lo caro que es vivir en un país en crisis fue un gran empuje para hacerse conocidos y, desde entonces, a base de esfuerzo y dedicación (porque no es sólo cuestión de calzarse una peluca y subirse a un escenario) el género fue creciendo hasta instalarse dentro de la agenda cultural como una propuesta más.

Aseguran los referentes del género que la explosión del transformismo llegó junto con los avances en cuestiones de género, como la ley de matrimonio igualitario, y el lugar que figuras transexuales fueron tomando en los medios de comunicación, desde Cris Miró hasta la más reciente y desopilante Lizzy Tagliani.

Imitaciones, parodias, música, juegos y muchos cambios de vestuario son parte de la exitosa fórmula, a la que otros le agregan otras disciplinas de la mano de artistas invitados, como bailarines y cantantes. La improvisación, dicen, es fundamental en sus rutinas en la que el humor, a veces ácido, a veces corrosivo, no puede faltar, variando de verde a blanco o negro según la ocasión.

Si bien se trata de propuestas destinadas para el público adulto, no siempre los chistes, gags o comentarios son subidos de tono. Algunos espectáculos no abordan temas “ni religiosos ni políticos” para evitar herir susceptibilidades en tiempos agrietados.

Algunos shows incluyen al cierre de la presentación un momento “emotivo”, mostrándoles en vivo cómo se desmaquillan, desnudando al personaje para darle la bienvenida a los actores que hay detrás.

En este sentido, algunos artistas del género, entienden que a pesar de la legitimidad que tiene el formato todavía se presta a confusión, y los que no saben de qué se trata lo relacionan con la transexualidad. Pero ellos explican que “el transformismo es únicamente teatral, es una composición de un personaje, es una disciplina que no tiene nada que ver con la sexualidad de la persona”.

¿QUÉ HAY PARA VER?

Esta noche, desde las 22, “Las Abbas” presentará su show de transformismo y humor en La Queimada, 26 y 60. Monólogos, cuadros musicales, imitaciones y mucho chichoneo con el público, de la mano de Javier Cardini y Julio Piteck.

Mañana, a las 21.30, llegará al Club San Martín de Los Hornos, 59 entre 144 y 144 bis, el espectáculo “La Noche de Adrián”, que además de transformismo -a cargo de Adrián Pucheta- incluirá baile (con Yess, odalisca; y Sebastián y Romina, salsa y bachata) y canto (con Luis Cassano).

Por otro lado, la Compañía Transfrappe, referente a nivel nacional, creada y dirigida por Marcelo Mariani, se presentará mañana en La Nonna, 3 esquina 47, con una nueva propuesta cómico musical, con gran cantidad de artistas en escena, que traerán a reconocidos de la tevé. El espectáculo contará con la presencia de Maricarmen Blescia y Abraham Oyarce, como artistas locales invitados.

Laureano Raffin, de los más jóvenes del género en la Ciudad, debutará en la agenda cultural local este año tras una exitosa temporada en Villa Gesell. Así, esta noche, en 10 entre 49 y 50, presentará su nuevo show “Guapa”, con nuevos personajes, humor y café concert, acompañado por Jorge Mykytow.

Además, también esta noche, a las 22.30 en El Expreso de 12 y 72, la compañía Humorísimas, con Jonatan Sapag y Fran Laplagne, estrenará su nueva propuesta “Brillante”, con la promesa de mucho glamour, diversión y un sketck sobre “La Casa de Papel”.

Fuente: EL DIA

Una lengua que saborea los fantasmas de fieles y traidores, en la Comedia

 

En el marco del ciclo “el teatro y la historia”

12 de Abril de 2018 

“LA LENGUA ARGENTINA”, SÁBADO Y DOMINGO EN LA SALA DISCÉPOLO / ARCHIVO

La obra “La lengua argentina”, con dramaturgia y dirección de Laura Valencia, se presenta dentro del ciclo “El teatro y la historia”, en la sala Armando Discépolo del Teatro de la Comedia, 12 entre 62 y 63, el sábado a las 21 y el domingo a las 20.

Con música de Nahuel Aquino e iluminación de Emilia Quintela, la obra se ofrece con entrada gratuita, aunque se acepta la donación de juguetes y juegos de mesa para ser entregados a hogares que alojan niños con derechos vulnerados.

Protagonizada por Delfina Zarauza y Nahual Aquino, la obra narra la historia de un hipnotizador y una médium que recorren el país con su número de ilusionismo y no consiguen muchos adeptos, aunque siguen cantando su letanía pueblo por pueblo.

Cuando ella entra en éxtasis su lengua saborea los fantasmas de traidores y fieles que imaginaron e inventaron la Argentina.

Marchan, sin pausa, rumiando recuerdos que se desvanecen en el silencio del porvenir. Viven de lo que recaudan con el acto de espiritismo y de otros rebusques en su vida non sancta. Un día ella se rebela y desencadena la tragedia. En su cuerpo, el lugar donde todo ocurre, dejará su trazo la historia.

Fuente: EL DIA

Las salas abren gratis: una noche de viernes a puro teatro en la Ciudad

 

Séptima edición, catorce obras

6 de Abril de 2018 

LA DUDA, TODOS SOMOS RESPONSABLES / EL ALTILLO DEL SUR

Esta noche, en la Ciudad, se llevará a cabo la séptima edición de la Noche de los Teatros que, organizada por la Asociación de Teatristas Platenses, ofrecerá una programación integrada por 14 obras que, con entrada gratuita, se ofrecerán en 13 salas. A continuación, la programación:

Altazores en La Lechuza, 58 entre 10 y 11, a las 21.30. Dirección de Diego Biancotto.

Instante 9 en Sala 420, 42 entre 6 y 7, a las 21. De y por Florencia Olivieri y Jerónimo Búffalo.

La vagina enlutada, en el Teatro Estudio, 3 entre 39 y 40, a las 21.30. Con Judith Gabbani, Jéssica Schultz, Mónica Salvador, Ana Padilla y Cecilia Tognola. Dirección: Gastón Marioni.

La Escuela se muestra, en La Nonna, 3 esquina 47, a las 20. De y por Leo Ringer.

Troyanas, el crimen trae cuenta, en Teatro Práctico, 65 Nº 437, a las 21. Dirección: Alejandro Orduna.

Stand up + Monólogos de humor, en Espacio Arte Vivo, 58 Nº 461, a las 22. Dirección: Alicia Diciacio.

Toma todo, en El Bombín Teatro, 59 entre 12 y 13, a las 21. Música.

Mal dormir / Tocayos, en Espacio 44, 44 entre 4 y 5, a las 20. Con Nadia Calvo, Valeria Redondi /Carolina Cremonte Bressan, Juan Cristóbal. Dirección: Rafael Garzaniti / Sara Mon.

El rumbo. Comedia de un naufragio, en Espacio 44, 44 entre 4 y 5, a las 22. De Roxana Aramburú. Actuación: Gabriela Ocampo, Lisa Solomín, Julio Salerno. Dirección general y puesta en escena: Daniel Gismondi.

La duda, todos somos responsables, en El Altillo del Sur Casa Teatro, 1 casi esquina 67, a las 21. De y por César Palumbo.

Zinco zenzacionales actrizez humoriztaz, en el Medio Aljibe, 11 Nº1674 entre 66 y 67, a las 22. Monólogos y dúos de humor. Con Magalí Ventimiglia, Ana Alba, Manuzza Quiroga, Mica Cortese, Noche Nacha.

El Bostezo, en Vil Teatro, 11 entre 69 y 70, a las 21. Creación colectiva de Teatro Rústico.

Informe para una Academia, en la Asociación Amigos del Taller de Teatro UNLP, 10 entre 54 y 55, a las 21. De Franz Kafka. Versión Teatral de Maricel Beltrán. Con Gustavo Portela y dirección de Norberto Barruti.

Bety Godt, en Viejo almacén el obrero, 13 esquina 71, a las 22. Marta Craft preparará a Bety Godt para el verdadero éxito existencial o más que eso... De Daniel Sasovsky. Con Mónica Calcagno, Jorgelina Pérez. Puesta en escena y dirección: Cynthia Pierce.

Fuente: EL DIA

Delirio y reflexión: gaucho y villero se cruzan en una Argentina distópica

 

La Joda Teatro vuelve a la cartelera con “La Martín Fierro”, una aproximación al clásico nacional desde los márgenes

María Virginia Bruno

6 de Abril de 2018

“LA MARTÍN FIERRO” / REIG FOTOGRAFÍA

Una muestra de apenas cuatro funciones, el año pasado, les dio la certeza de que el material que tenían en sus manos, a juzgar por sus experiencias y las reacciones de los espectadores, merecía volver a ver la luz. Por eso, desde este fin de semana, La Joda Teatro vuelve a salir a la cancha con “La Martín Fierro”, un abordaje a la obra de José Hernández desde la marginalidad.

Con dramaturgia de Emmanuel Burgueño y dirección de Emilia Benítez y Dieguito Leandro, la obra está situada en 2022, en un contexto de desalojo de una villa con una empresa que puja para quedarse con un espacio estratégicamente ubicado, y con un grupo de teatro que, de la mano de un plan delirante, participará de un concurso en el marco de los 150 años del “Martín Fierro” para secuestrar al “hijo del empresario” y así poder lograr el menospreciado triunfo de los pobres.

La obra nació tras un proceso de investigación creativa de más de dos años. El punto de partida fue el abordaje del texto de José Hernández pero sin el peso de su historia. “Nos interesaba sacarlo de su canonización, de su lugar de obra maestra nacional, y traerlo a algo más cercano a su intención original de protesta, de dar voz a los marginados”, explicó Keko Le Moal, uno de los protagonistas.

Cuestionándose sobre el lugar que en este contexto tendría la figura del gaucho, empezaron a aparecer disparadores y así se llegó a la villa: a los villeros. “Buscamos cruzar el gaucho y el villero, pensar cómo nos interpela a nosotros, actores de clase media, y cómo hacemos para crear un espacio marginal, sin caer en la representación de la villa”, agregó el intérprete que en la obra le da vida a “Muyinga”. Y en esa búsqueda, de un código actoral, dramatúrgico y de dirección que les cerrara para contar su relato, se aventuraron largo y tendido.

“Nos llevó varios ensayos decidirlo: desde que los actores estén los ocho siempre en escena, en el cuidado de no caer en el estereotipo del villero, de crear nuestro propio espacio marginal, nuestro lenguaje desde los cuerpos. Y también desde lo textual. Muchos momentos de la obra están escritos en verso, libre, roto, pero que intenta escapar del hablar cotidiano. Digamos que es también una excusa para poder dialogar sobre el hacer teatral, y lo hacemos desde el hacer mismo”, profundizó la directora Emilia Benítez, sobre cómo se llevó a la teatralidad el hecho “social, concreto y duro”.

Más allá de la “historia simple” que presenta la trama, lo interesante, según Benítez, “son las relaciones o las resonancias que se generan, porque no se trata sólo de un fenómeno local -el gaucho antes, el villero ahora-: la pieza habla sobre cómo “el sistema necesita al marginal para poder existir como poder”.

En relación a su ubicación temporal en un futuro cercano, Benítez manifestó que la decisión estuvo ligada “a la intención de corrernos un poco de la coyuntura planteando una Argentina muy parecida pero distópica, en donde situaciones que hoy son sólo potenciales o improbables, en la obra ya se las da por realizadas”. Y remarcó que, de esta forma, eso les permitió “poner distancia y analizar y ver a la temática desde otro lugar. Porque siempre es más difícil analizar o poder contar algo si lo estamos viviendo”.

Con actuaciones de Julieta Priegue, Damián Le Moal, Johanna Chiefo, Gisela Nomdedeu, Flavio Bosco, Mauro Iommi, Emanuel Salomone y Rolando Canelo, “La Martín Fierro”, en abril, tendrá funciones los viernes 6, 13 y 27 a las 22 en El Escudo, 10 entre 60 y 61, y el sábado 28 se ofrecerá a las 21 en La Escuela de Teatro. En mayo, la pieza se presentará durante todos los viernes a las 22 en La Grieta, 18 y 71.

DE JODA POR EUROPA

La Joda Teatro es un grupo independiente y autogestivo nacido en 2007, en el seno de una marcha por la aparición de Julio López en la que realizaron una intervención urbana. Desde entonces, ese tipo de manifestaciones artísticas y callejeras forjaron el núcleo de su identidad, luego enriquecida con la producción de obras y la realización de talleres y seminarios.

Según delineó Keko Le Moal, el perfil de la compañía es siempre contar historias ancladas en la “agenda social”, buscando una interpelación desde lo cotidiano. Creyendo en el “arte como dinamizador social”, se permiten “entrar al proceso creativo sin predeterminaciones en lo estético”. Así, en cada producción, “el desafío es descubrir cómo queremos contar y qué queremos contar, transitándolo. Construir un código singular de ese grupo que encare la creación, ver qué surge de los cuerpos en movimiento”.

Del trabajo del grupo se destaca su producción anterior “Brasita, Perro, Chagualo”, una de las obra ganadoras del festival de la comedia municipal en 2017 y con la cual el grupo tendrá su primera gira internacional en junio-julio por España, Francia y Alemania.

Para poder enfrentarla, los integrantes presentarán el proyecto en la plataforma de economía colaborativa Idea.me, donde se recibirán colaboraciones a cambio de “recompensas especiales”. Además, mañana, desde las 21, en En Eso Estamos, 8 entre 41 y 42, el grupo lanzará oficialmente la campaña Gira Europea con diferentes números artísticos, sorteos y proyecciones.

Fuente: EL DIA

El ciclo artístico "Acciones Discontinuas" llega al Pasaje Dardo Rocha

 

Danzas, artes plásticas y performances son parte del show

5 de Abril de 2018 

Organizado por la Municipalidad de La Plata, comienza mañana a las 21, en el Centro Cultural Pasaje Dardo Rocha, el ciclo artístico "Acciones Discontinuas", que combina danzas, artes plásticas y performances en un solo show.

La propuesta se desarrollará el primer viernes de cada mes en la sala A del emblemático edificio de 7 y 50, y presentará distintos estilos de danzas y expresiones artísticas como la música, la oratoria, el cine y las artes plásticas.

En ese sentido, informaron que las entradas tienen un valor de $80 y pueden adquirirse en las boleterías del Pasaje (50 entre 6 y 7) de lunes a viernes de 17 a 22, o sábados y domingos de 15 a 22 horas.

El espectáculo estará bajo la coordinación general de la bailarina y coreógrafa, Laura Cucchetti, mientras que el segmento de artes plásticas estará supervisado por el intérprete, Emanuel Reyes.

De esta manera, el ciclo comenzará con la presentación de la estudiante en Licenciatura en Artes Plásticas de la U.N.L.P., Samantha Pasten, y luego subirán a escena las bailarinas Amparo López, Emiliana Echave, Laura Cucchetti, Antonella y Julieta Tizzano de la Asociación Sarmiento.

Además, se realizará un show de ballet contemporáneo a cargo de la Escuela de Danzas Clásicas de La Plata y la Compañía de Danza Contemporánea.

Cabe destacar que "Acciones Discontinuas" es el quinto ciclo de danzas que se lleva a cabo en el Centro Cultural Pasaje Dardo Rocha. Anteriormente, se realizaron los proyectos "Los Árboles de mi ciudad"; "Letras que bailan"; "Cine en movimiento" y "Ritmo a la danza".

Al respecto, la coordinadora del espacio, Laura Cucchetti, destacó que "con este evento de carácter cultural, abrimos las puertas a todos los artistas platenses para que se conozcan, compartan escenario y sean vistos por otros públicos". 

"La experiencia de realizar los cuatro ciclos anteriores nos dio frutos maravillosos porque se generó un espacio en la ciudad que el público ya conoce y esperar para sorprenderse a través de la danza y el arte", concluyó la bailarina.

Fuente: EL DIA

Retroalimentación teatral: la obra (de la obra) que respira

 

“El fracaso”, de Blas Arrese Igor, se escribió en 2001 pero se estrenó en 2011, cruzada por otros lenguajes. Ahora vuelve, resignificada

María Virginia Bruno

5 de Abril de 2018

Escena de la parte ficcional de “El fracaso” / prensa

"El fracaso”, de y por Blas Arrese Igor, es una obra de teatro que se escribió en 2001 pero que recién tuvo su estreno en 2011, como una producción del TACEC, intervenida y cruzada por otros lenguajes, como el documental. Tras haber sido elegida el año pasado entre 700 proyectos para mostrarse como parte de la programación oficial del FIBA, volverá este fin de semana a la cartelera platense aunque tamizada por esta realidad.

Retroalimentada por una sucesión de fracasos -entre la crisis del 2001, el suicidio de un amigo, las vicisitudes del teatro independiente en general, etc-, la obra (de la obra) se ofrecerá este sábado a las 22 y el domingo a las 20 en el Galpón de La Grieta, 18 y 71, con la promesa de que el público, más que de una pieza teatral, será parte de una experiencia que celebrará el fracaso a pura fiesta, entre chizitos y sidra.

El texto original, que fue publicado por EDULP como parte de su colección de Ficción y que participó de la Feria Internacional del libro de Frankfurt y de Guadalajara, con distribución nacional e internacional, cuenta la historia de dos hermanos que trabajan en una peletería despellejando ardillas. Una noche de tormenta llega una extraña mujer que proviene del sur y cambia la relación de ambos. El amor, el fracaso y la soledad inundan la escena.

Piqueteando al convencionalismo artístico desde los últimos años, moviéndose como pez en el agua fuera de su zona de confort, el director, dramaturgo, actor y docente Blas Arrese Igor aseguró en diálogo con EL DÍA que se trata de material que tiene la capacidad de reinventarse con el paso del tiempo.

“Cuando en 2011 me convocan desde el TACEC para hacer una producción, pienso en retomar ese proyecto pero desde otro punto de vista: la idea fue generar un documental a partir del proceso de esa obra que nunca se estrenó”, contó el director que llevó el texto de Manuel Puig, “Triste Golondrina Macho”, al escenario del Complejo Teatral de la Ciudad de Buenos Aires años atrás.

Así, la obra, además de la ficción original, “está intervenida por entrevistas a técnicos que estuvieron durante el proceso, a actores que participaron y se fueron, y también hay toda una parte que es como un diario íntimo mío, en el que voy relatando todos los problemas que fuimos atravesando a lo largo de los años”.

En este sentido, Blas, que viene de ser parte de la ópera marciana “Las Chanchas” en el Argentino, manifestó que retomar el proyecto el año pasado, cuando de alguna forma fueron “parte de la cara de la programación argentina” del Festival Internacional de Teatro, “fue como hacerla otra vez”. El contexto, como en el 2011, ya no era el mismo. Y, ahora, como aquella vez, tampoco lo será.

“Es una obra que, como tiene este carácter documental, vive, respira. Yo, como autor y director, me ocupo mucho de pensar de esa manera el material: que vaya recogiendo las modificaciones que le aportan, naturalmente, los diferentes contextos en los que es abordada”, explicó.

El autor y director de “Casa niña jabalí”, la obra que tuvo un gran paso por la cartelera porteña, consideró también que su proyecto está impregnado “de confesiones de éxitos y fracasos personales de todos nosotros que, de alguna manera, dialogan con el fracaso general de la obra”.

Hablar del éxito y del fracaso tiene siempre, reflexionó el artista, algo de paradoja. A su entender, “hay algo del fracaso que si uno se toma el trabajo de resignificarlo se transforma en una experiencia que te permite ver la realidad de otra manera”. Decantando, así, en la funcionalidad y la finalidad del arte. ¿Qué es el arte sino una herramienta que te permite ver diferentes realidades?

Para el artista, éxito y fracaso, a las que define como “la fantasía” y “el fantasma”, son “categorías capciosas que no existen” pero que, sin embargo, “generan consecuencias y movimientos” que es necesario abordar desde el teatro “porque son cosas que circulan todo el tiempo”. En su caso, de hecho, la reflexión acerca de esta dupla devino en dos producciones teatrales.

Derivada de “El fracaso”, Blas también escribió “El éxito”, un proyecto que también cruza lenguajes y explora el terreno documental y que, en noviembre, estrenará en Barcelona, España. Esa obra, escrita en dos actos, demanda dos espacios diferentes: el primero es una versión de “La casa de Bernarda Alba”, que se hace en un teatro/sala; y el segundo, que “se muda” con público y todo a otro teatro/sala, es el casting para esa obra, en el que las aspirantes no sólo audicionan desde los actoral, sino que son sometidas a entrevistas en las que reflexionan, también, sobre estas categorías que se mueven en círculos y de la mano.

Entusiasmado por ser parte, ya sea desde la creación, la actuación o la dirección, de procesos “cruzados” como define a este tipo de puestas, Blas, un poco “aburrido del teatro establecido”, reconoció que seguirá surcando la ola de la experimentación, un terreno que no quiere dejar de explorar. “No resisto el teatro en sus parámetros convencionales. Por eso el arte me va llevando de acá para allá”, concluyó.

El nuevo abordaje a “El fracaso”, que este finde se mostrará en la Ciudad, contará con las actuaciones de Norma Camiña, Gustavo Parola y Agustín Recondo; e incluirá música en vivo de la platense Natalia Lucía -que ya había sido parte de la versión de 2011-; escenografía de Hernán Arrese Igor; diseño de iluminación y sonido de Juan Zurueta y Juan Pedro Luzuriaga; realización de videos y subtítulos de Marianela Constantino; vestuario de Blas; y asistencia de dirección de Mario Lombard.

Para agendar

Qué: “El fracaso”

De y por: Blas Arrese Igor

Cuándo: sábado, a las 22; domingo a las 20

Dónde: Galpón de La Grieta, 18 y 71

Fuente: EL DIA

Entrevista a Bettina Giorno

“CAUTIVOS”- Charlamos con Bettina Giorno, autora y co-protagonista de «Cautivos» que sigue en cartel los sábados de Abril en Teatro Estudio, calle 3 entre 39 y 40

IB: Vos te formaste como actriz. ¿Cuándo te surgió el deseo de escribir una obra de teatro?

BG: En realidad, nunca me imaginé escribiendo una obra. Siempre admiré mucho a los dramaturgos, pero no me creía capacitada para hacerlo. En este caso en particular, fue el deseo de darle vida a esta idea lo que me impulsó a intentar ponerme a prueba. Durante un año pensé recurrentemente en hablar de lo que al fin terminé hablando en «Cautivos», pero ni yo sabía cómo empezar.

¿Qué significa el tango en tu vida? ¿Se escuchaba tango en tu casa?  ¿Por qué la protagonista es una cantante de tango?

Mi papá era productor de espectáculos de tango, una persona muy apasionada y muy considerada en el ambiente tanguero platense. Cuando yo todavía hablaba en media lengua, él ya me enseñaba fragmentos chiquitos de algunos tangos y valsecitos. Nosotras somos tres hermanas y recuerdo las sobremesas después de cenar donde papá traía una pila de libritos con letras de tangos de Discépolo, Manzi, Expósito, etc. y empezábamos a cantar. Ya de mayor yo iba mucho a presenciar sus espectáculos. Cuando él murió (este año va a hacer 20 años) nunca más pude volver a escuchar un tango. Hasta que hace más o menos 2 años iba con mi familia a la costa en auto y en la radio escuché uno de mis preferidos y lo empecé a cantar. Entonces le dije a mi marido que había que hacer algo con esa historia.

La verdad es que ni recuerdo cómo fue que surgió que la protagonista fuese cantante de tangos. Cuando comenzó a tomar un poco de vuelo la trama, apareció la necesidad de que un personaje sintetizara con tangos el conflicto que estaba viviendo el protagonista, cómo ese amor que había aparecido tan puramente se iba intoxicando y empezaba a invadirlo la inseguridad, la obsesión, la locura. Ahí fue cuando pensé en cuál sería el lugar del cantante en la obra y creo que fue entonces que se me ocurrió que fuese el amigo de la mujer. Y así cre

o que apareció la idea de que ella fuese también cantante de tangos.

¿Sentís que tu obra se resignifica hoy en día, por lo sensible que está la sociedad con respecto a la violencia de género?

Sí, claro. No la escribí con esa intención. Pero claramente habla de eso. La génesis de «Cautivos» era hablar de un amor tóxico, porque en la historia del tango que la inspiró el protagonista se sentía víctima, sentía que él había puesto todo en una relación mientras que la otra parte no. Y creo, sin haber vivido yo en particular situaciones parecidas, que así es como deben empezar las relaciones tóxicas: cuando una parte se siente víctima y termina convirtiéndose en victimario, hasta que el vínculo se transforma en un círculo vicioso en el que el “amor” de ambos termina tornándose enfermizo y los enceguece, al punto de no poder abrirse a tiempo.

¿Te encargaste de convocar al elenco y al Director?

Sí. Primero tuve la intención de dirigirla yo, porque no creí que alguien me diera bolilla. Por eso la convoqué a mi hermana para que fuese mi asistente y me ayudara en las escenas en las que yo participaba, dándome algunas indicaciones. Después empecé a convocar a los actores. Al que tenía más definido era a Diego Negri (el cantante) al cual había conocido circunstancialmente y me había contado que era cantante de tangos y había estudiado teatro con Gastón Marioni y Febe Chaves. Bingo! Tenía al más difícil de encontrar: no hay muchos cantantes de tangos que actúen; y por suerte fue el primero que me dijo que sí. Cuando tuve el sí de Siro Colli, la condición fue buscar alguien que nos dirigiera y apareció la idea del Marcelo «el Colo» Demarchi,  (puestista de años y bailarín y coreógrafo de tango) al cual conocía mucho por haber sido profesor mío en la Escuela de Teatro y haber estado muy relacionada cuando el grupo La Gotera y el Grupo Stacatto (al que pertenecí muchos años) ensayábamos todos juntos el Viejo Almacén el Obrero. Por suerte al Colo le encantó y ahí empezamos a buscar entre todos al personaje de la tía, interpretado por Mariela Marconi. Después fue idea del Colo convocar a la bailarina y de Lucho Guglielmino (director musical) llamar al contrabajista, Santiago Epele.

¿Cómo fue el trabajo de mesa, los ensayos, la gestación del proyecto?

Absolutamente relajado, el Colo es una persona que da mucho lugar a los actores para proponer, ofrece una libertad absoluta. Se conversa mucho sobre la problemática de cada personaje y se improvisa sobre cada escena y así se va creando. Cuando está recorrida toda la obra, recién comienza a realizar la puesta. Todo surge naturalmente y no se vivió nunca la instancia de crisis creativa.

¿Estás conforme con el resultado? ¿Supera tus expectativas?

Sí. Muy conforme y orgullosa del equipo que formamos. Confirmó, más que superar mis expectativas, cuando empecé a escuchar las devoluciones del público. Cuando sentí que lo que queríamos contar era lo que a ellos les llegaba, por supuesto considerando que cada espectador hace igual su propia interpretación de lo que ve. Me tranquilizó saber que se entendía y conmovía el cuentito.

¿Qué tipo de devoluciones recibiste de amigos, colegas y público en general?

Muy buenas. En general todas las devoluciones han sido muy positivas y conmovedoras.

¿Te dan ganas de seguir incursionando en la escritura teatral?

No sé si voy a poder volver a hacerlo. En este caso en particular fueron muy fuertes las ganas de hablar de eso y no tenía a quién recurrir para que lo hiciera por mí. Tendría que volver a aparecer nuevamente otra idea que me movilice tanto como la de esta historia para volver a intentarlo. Pero no sé si eso va a pasar. Lo que saco en claro es que el deseo todo lo puede.

¿Sos muy puntillosa con tu texto o permitiste que los actores se adueñaran de él y cambiaran algunas frases, palabras, etc?

Me descubrí absolutamente permisiva y cero puntillosa y celosa de mi texto. Hasta yo misma lo desestimaba y lo cambiaba y todos los cambios que fuimos haciendo en el proceso sumaban. Incluso readapté algunas escenas en función de las necesidades de la puesta.

Fuente: https://irenebianchi.com.ar/

Las salas se muestran: la Ciudad, lista para la séptima edición de La Noche de los Teatros

ESPECTÁCULOS | DESTACADO DE LA CARTELERA

Será el viernes, con entrada libre y gratuita. Se ofrecerán 14 obras, casi en simultáneo, con propuestas para todos los públicos

BETY GODT, LA INCONQUISTABLE

La propuesta de La Noche de los Teatros es conocida y atractiva. Las salas locales abren, gratuitamente, para mostrar alguna producción teatral platense que, por un lado, anime a los espectadores nuevos a volver a repetir la experiencia más adelante, y que, por otro lado, “premie” a los habitués con una jornada de acceso libre para ver alguna de las piezas que se incluyan en la programación.

Este viernes, en su séptima edición, La Noche de los Teatros buscará repetir las exitosas experiencias de los seis años anteriores, en los que la convocatoria de público siempre fue en aumento.

Esta vez serán 14 las obras que formarán parte del evento organizado por la Asociación de Teatristas del Plata, y que se llevarán a cabo en trece salas de teatro independiente de nuestra ciudad: La Lechuza, Sala 420, Teatro Estudio, La Nonna, Teatro Práctico, Arte Vivo, El Bombín, Espacio 44, El Altillo del Sur, El Medio Aljibe, Vil Teatro, Sala de Teatro de la UNLP y El Obrero.

Como en todas las ediciones, las entradas se entregarán gratuitamente una hora antes de la función, en cada una de las salas.

A continuación, un repaso por cada una de las 14 propuestas que se podrán ver este viernes:

Altazores

La Lechuza, 58 entre 10 y 11, a las 21.30. Aborda la temática adolescente a partir de trabajos previos de investigación de campo en las escuelas de nivel medio, con la participación de profesionales del teatro para niños y jóvenes. De Sergio Aguirre, con actuación de Nahuel García, Milagros Larroza, Carlos Aprea. Adaptación y Dirección General: Diego Biancotto.

Instante 9

Sala 420, 42 entre 6 y 7, a las 21. De y por Florencia Olivieri y Jerónimo Búffalo. Una obra del teatro alternativo platense, que no se sostiene desde el texto sino desde el trabajo corporal. Danza, teatro.

La vagina enlutada

Teatro Estudio, 3 entre 39 y 40, a las 21.30. Un espectáculo sobre la mujer, su sexualidad, y la relación con los hombres, vista desde la aguda mirada del dr. Walter Ghedin, reconocido sexólogo y autor de teatro, basado en el su libro homónimo. Con Judith Gabbani, Jéssica Schultz, Mónica Salvador, Ana Padilla y Cecilia Tognola. Dirección: Gastón Marioni.

La escuela se muestra

La Nonna, 3 esquina 47, a las 20. De y por Leo Ringer. Producción: Asoc. Amigos del Teatro La Nonna. Con Gonzalo Gómez Safar, Rocío Grimaldi, Naty Oliden , Mauricio Piñeyro. Coreografía: Nico Alonso. Danzas: Marta Radresa, Mariana Olhasso. Canto: Jero Quinteros, Fiona Gianandrea, Paula Barbalarea, Lucas Giaimo. Elenco: prácticas profesionales de la Escuela de teatro y comedia musical del teatro La Nonna. Escenografía: Lisandro Ringer. Sonido e iluminación: Lucas Giaimo. Vestuario: Rosa Mancuso. Coordinación producción: Lara Ringer.

Troyanas, el crimen trae cuenta

Teatro Práctico, 65 Nº 437, a las 21. La puesta en escena de esta obra está animada por el deseo de revivir esta historia recuperando la memoria de estas mujeres, sustrayéndolas de la invisibilidad y del silencio. Es una obra que pretende acercarse al pasado con preguntas del presente, para volver hacia el presente enriquecido con lo que se ha comprendido del pasado. Dirección: Alejandro Orduna.

Stand Up + Monólogos de Humor

Espacio Arte Vivo, 58 Nº 461, a las 22. Monologuistas: Barr Dumrauf, Marcos Lorenzo, Mati Rabinovich, Eugenia Sánchez, Mica Scapuzzi, Lautaro Segura, Santiago Verón, Norberto Yagúe, Carlos Yoshineaga. Dirección: Alicia Diciacio.

Toma Todo

El Bombín Teatro, 59 entre 12 y 13, a las 21. Música. Guitarra y voz: Diego Cancellier. Teclado y voz: Javier Manrique. Batería y voz: Belisario Román. Bajo y voz: Jobel Torres. Una banda con poco rock, pero mucho humo…

Mal dormir / Tocayos

Espacio 44, 44 entre 4 y 5, a las 20. Con Nadia Calvo, Valeria Redondi /Carolina Cremonte Bressan, Juan Cristóbal. Dirección: Rafael Garzaniti / Sara Mon.

EL RUMBO. Comedia de un naufragio

Espacio 44, 44 entre 4 y 5, a las 22. Comedia basada en el naufragio del buque turístico alemán, Monte Cervantes, que navegaba entre Buenos Aires y Punta Arenas, en enero de 1930, cuando chocó contra unas rocas cerca del puerto de Ushuaia. De Roxana Aramburú. Actuación: Gabriela Ocampo, Lisa Solomín, Julio Salerno. Dirección general y puesta en escena: Daniel Gismondi.

La duda, todos somos responsables

El Altillo del Sur Casa Teatro, 1 casi esquina 67, a las 21. De y por César Palumbo. Con Verónica Asla, Milagros Díaz, Lucia Nowell, Rocío Solano, Marcos Taxer y Hugo López. Escenografía y luces: Facundo Quintana.

Zinco zenzacionales actrizez humoriztaz

El Medio Aljibe, 11 Nº1674 entre 66 y 67, a las 22. Monólogos y dúos de humor. Con Magalí Ventimiglia, Ana Alba, Manuzza Quiroga, Mica Cortese, Noche Nacha.

El Bostezo

Vil Teatro, 11 entre 69 y 70, a las 21. Creación colectiva de Teatro Rústico. Con Juan Pablo Thomas, Hernán Godoy, Charo Farías. Diseño lumínico: Olivia Grioni. Dirección y dramaturgia: Construcción colectiva. Coordinación General: Agustín Recondo y Diego Bezzi.

Informe para una academia

Asociación Amigos del Taller de Teatro UNLP, 10 entre 54 y 55, a las 21. De Franz Kafka. Versión Teatral de Maricel Beltrán. Con Gustavo Portela y dirección de Norberto Barruti.

Bety Godt

Viejo almacén el obrero, 13 esquina 71, a las 22. Marta Craft preparará a Bety Godt para el verdadero éxito existencial o más que eso... De Daniel Sasovsky. Con Mónica Calcagno, Jorgelina Pérez. Puesta en escena y dirección: Cynthia Pierce.

 Fuente: EL DIA