domingo, 30 de septiembre de 2018

DYNAMO TEATRO: Un nuevo espacio en La Plata

 Dynamo Teatro abre sus puertas en la ciudad de La Plata este Octubre de 2018. Ubicado en la esquina de 17 y 68, se une al artístico barrio del Meridiano V.



La sala cuenta con un escenario a la italiana de 7 y ½ por 9 metros, y una altura de 10 metros. Caja negra con telonería frontal y lateral. Cómodas butacas para 80 espectadores, con posibilidad de ampliación móvil para 20 más.

El primero de Octubre inicia los cursos, con una variada oferta de profesores y talleres: Actuación para Adultos; y para adolescentes; Entrenamiento corporal para actores y actrices; Taller de Cine; Dramaturgia; Producción teatral; Dirección y Puesta en Escena; Danza contemporánea y Orquestación. Con profesores como: Blas Arrese Igor, Carolina Donnantuoni, Jazmín García Sathicq, Rosa Teichman, Jerónimo Búffalo, Leonor Martorell y Marcelo Serena.

El 19 de Octubre comienza la magia escénica con “Amlet” de Omar Sanchez, siguiendo con obras como: “Triste Campero” de Nelson Mallach; “Boceto para una coda” y “Como una fruta madura” de Carolina Donnantuoni; “Vacas Sagradas” de Paula Boero; entre otras.

El espacio se propone el intercambio artístico, abriendo los canales de comunicación entre Buenos Aires y La Plata. Estamos abiertos a nuevas propuestas tanto de cursos como de obras, para más información disponemos de redes sociales como: Instagram, Facebook y la página web: www.dynamoteatro.com

domingo, 23 de septiembre de 2018

Un «HAMLET» de jean y zapatillas en la TAE

Por Irene Bianchi

“Hamlet”, de William Shakespeare. Elenco: Fabio Prado, Gustavo Sala Espiell, Elke Aymonino, Marcelo Allegro, Valentina Pizarro Mancini, Eduardo Spínola, Cristian Palacios, Roberto Mono Aceto, Claudio Rodrigo, Nicanor Perón, Nora Oneto, Fredi Magliaro. Músicos: Martín y Camila Moore. Espacio escénico: Gonzalo Monzón. Asistencia espacio escénico: Anabela Muñoz Candia y Nadia Aguirre Martí. Diseño de iluminación: Verónica Gómez Toresani y Sebastián Scianca. Música original: Martín Moore. Visuales: Flor de Fuego. Vestuario: Constanza Gómez. Corona: Germán Stasiuk. Fotografía, diseño, trailer: Luciana Demichelis. Dirección general: Nicolás Prado. Sala Alejandro Urdapilleta, TAE, Calle 51 entre 9 y 10, La Plata. Ultima función, domingo 23 de septiembre, 17 hs. Entrada general: $100.

He tenido la fortuna de ver numerosas versiones de este clásico de Shakespeare. Incluso una protagonizada en Londres por el actorazo Alan Bates en 1970. Y creo que a esta altura lo más interesante para el espectador que ya conoce la trama, es descubrir qué tipo de puesta concibe quien se dispone a dirigirla. En ese sentido, la elegida por Nicolás Prado resulta muy acertada e interesante. Prado es un joven director que asume riesgos, sale de la zona de confort y se anima a abordar un clásico como éste, respetando el texto a pie juntillas, pero modernizando la mirada, lo cual subraya su innegable vigencia.

Cuando uno entra a la Sala Alejandro Urdapilleta (TAE, Teatro Argentino), las actrices y actores están deambulando por el espacio escénico, repasando sus textos, practicando esgrima, intercambiando miradas cómplices y sonrisas. Es una suerte de “backstage” a la vista. Están vestidos de calle: jeans, remeras, camperas, sacos sport, zapatillas: nada que los diferencie del público. Este efecto ya de por si los acerca, los hermana con los espectadores. Son gente de carne y hueso como cualquiera de nosotros, cuyo maravilloso oficio es “actuar”, interpretar personajes, contar historias, transformarse por un par de horas en “otras” y “otros”, imaginados –en este caso- por el inoxidable William Shakespeare.

En cuanto a la escenografía, no necesitan casi nada. Y nos vienen a la memoria las palabras de Peter Brook: “Puedo tomar cualquier espacio vacío y llamarlo un escenario desnudo. Un hombre camina por este espacio vacío mientras otro lo observa, y esto es todo lo que se necesita para realizar un acto teatral.” Y ese deliberado despojo hace que apreciemos más aún los textos, las intenciones, sin artificios innecesarios que distraigan.

Todos conocemos la línea argumental de “Hamlet”. El Príncipe atribulado por la repentina e inesperada muerte de su padre, el Rey, y asombrado ante el apresurado casamiento de su madre, Gertrudis, con su tío, Claudio, hermano del difunto, ahora soberano. A la natural tristeza la sigue un irrefrenable deseo de venganza, al enterarse de boca del mismísimo fantasma que se trató de un asesinato, siendo el asesino quien ahora ocupa el trono de Dinamarca. Su simulada locura, el plan para desenmascarar al homicida, los infortunios que preceden a la tragedia final, “and the rest is silence”.

En cuanto a las actuaciones, Fabio Prado ya nos había deslumbrado con su composición del pérfido Yago, en una versión de “Otelo” dirigida también por Nicolás Prado. Redobla aquí la apuesta y construye un Hamlet magistral. Su criatura transita todos los estados y el actor posee los recursos para trasmitir tristeza, desconcierto, ira, crueldad, ternura, sadismo, vulnerabilidad, firmeza: un enorme abanico de sentimientos que se traslucen en sutiles transiciones. Es una suerte de gimnasia emocional extenuante. Y se le cree todo, cada gesto, cada palabra, cada mirada, cada silencio. Un “capo lavoro” sin lugar a dudas.

Más allá de esta destacada labor protagónica, todo el elenco de esta versión de Hamlet está sencillamente  impecable. El “Polonio” de Marcelo Allegro es una delicia, y sus densas peroratas y pesados sermones distienden el clima ominoso de la pieza. Gran trabajo de Allegro, muy a su medida. Otros personajes que oxigenan son los compuestos por Nicanor Perón (“Reinaldo” y “Osrick”), frescos y pícaros. La transición de la desdichada “Ofelia” (Valentina Pizarro Mancini) es una perlita: su desquicio tras la muerte de su padre resulta particularmente conmovedor. Atractivo desdoblamiento de Roberto Mono Aceto y Claudio Rodrigo, personificando primero a los “amigos” del Príncipe, “Rosencrants” y “Guildenstern”, y luego a los simpáticos sepultureros, en el entierro de la doncella. Nora Oneto (el Cómico”), magnética como siempre, resuelve con gran economía de recursos la escena clave de la obra, en la que se desenmascara al homicida. Gustavo Sala Espiell (“Claudio”) y Elke Aymonino (“Gertrudis”), contenidos, verosímiles, presos de sentimientos encontrados: lascivia, culpa, remordimiento. Logrado el “Laertes” de Eduardo Spínola, buen hijo y mejor hermano, mas un títere en manos del inescrupuloso Rey, que lo usa como instrumento para intentar liberarse del molesto Hamlet. Fredy Magliaro es “la sombra”, el errante fantasma del Rey asesinado, cuya perturbadora imagen es otro de los aciertos de la puesta de Nicolás Prado. Cristian Palacios enternece en la piel de “Horacio”, el fiel amigo y ladero del Príncipe, encargado de contar esta triste historia, tras el trágico desenlace.

Los músicos en vivo, Martín y Camila Moore, aportan su inefable magia, subrayando los diversos climas de la obra. La bella Camila y su violín,  un regalo para vista y oídos.

El “Hamlet” de Nicolás Prado dura 2.30 hs apróximadamente, con un intervalo de 10 minutos, a pesar de lo cual, por lo ágil de la puesta,  no se hace largo ni pesado.

En suma, un trabajo de equipo aceitado, un “Dream Team” muy bien capitaneado, al servicio de un texto exquisito, que resiste los embates del tiempo.

Fuente: https://irenebianchi.com.ar/

jueves, 13 de septiembre de 2018

Los Premios Hugo galardonaron a dos producciones con sello local

 

Gastón Marioni se llevó dos estatuillas como director

En la noche del musical, premiaron a las creaciones integrales del Coliseo, “Cuentos de la selva” y “Cantando sobre la mesa”

13 de Septiembre de 2018
Marioni se llevó dos Hugo a la casa como director

El segundo año de los Hugo Federales, los premios al teatro musical de todo el país, volvieron a poner en lo más alto de su consideración a las obras producidas por el Coliseo Podestá.

“Cuentos de la Selva”, el musical infantil que se mostró en el histórico recinto en las últimas vacaciones de invierno, fue galardonada con el Hugo a mejor dirección, mientras que “Cantando sobre la mesa”, la primera producción integral del Coliseo, presentada en la Ciudad en 2016, ganó tres estatuillas, convirtiéndose en la segunda obra más ganadora de la noche, detrás de la gran galardonada, “Sunset Boulevard”, con 14 premios.

Fue por lo tanto una velada redonda para Gastón Marioni, en su doble rol de director de ambas piezas y de director del Podestá, teatro que bajo la órbita de la Secretaría de Cultura a cargo de Gustavo Silva, se lanzó hace dos años a producir sus propias obras.

Marioni pasó la noche de los Hugo subiendo al escenario, tras ganar como director en musical infantil por “Cantando sobre la mesa”, subir a recibir el premio a mejor libro de musical infantil para el texto escrito por Hugo Midón, y ser galardonado también como director de obra musical por “Cuentos de la Selva”, repitiendo el premio que ganó el año pasado por “Canciones para mirar”, otra producción del Coliseo, que en aquella ocasión homenajeó la obra de la recordada y maravillosa María Elena Walsh.

“Cantando sobre la mesa”, además, fue reconocida con el premio a mejor interpretación masculina en musical infantil, galardón que recibió Martín Ruiz y que totalizó los tres premios para la obra que muestra su tercera temporada en Buenos Aires, en el Centro Cultural 25 de Mayo.

“Estábamos cantando sobre la mesa, literalmente”, se ríe Marioni, y cuenta que “fue muy emocionante subir a recibir un premio del que lleva el nombre del premio”: Hugo Midón es el hombre que da nombre a los galardones, “un referente de mi infancia, de mi dramaturgia, de la poética que me gusta para pibes”.

TRASCENDER

Los premios para “producciones de las que forman parte un montón de platenses, una orquesta de músicos locales, muchos actores de La Plata”, agrega el director, demuestran que esas obras han “trascendido”; y “que hayan trascendido y nos representen producciones creadas acá, con un texto elegido acá, el vestuario confeccionado acá, las coreografías ensayadas acá, la escenografía martillada acá, muestra que en La Plata tenemos espectáculos de mucha calidad y artistas muy talentosos, y demuestran que valió la pena el proyecto de las producciones originales del Coliseo”.

Para Marioni, el reconocimiento a las producciones integrales del emblemático teatro platense, que se dio no solo en los Hugo, que premiaron en la velada de los Hugo dos obras del Coliseo, sino también en los pasados Estrella de Mar, que reconocieron la temporada marplatense de “Cantando sobre la mesa”, se basa en lo planteado inicialmente: el plan era “prestigiar el teatro para chicos, no desprestigiarlo”, construyendo espectáculos “a conciencia” y “con profesionalismo”.

“Me dedico hace muchos años al teatro para chicos, y a veces hay una falta de conciencia y profesionalismo muy grande sobre el trabajo para chicos y chicas, y eso va en detrimento del teatro infantil: siempre me llama la atención que en vacaciones de invierno aparezcan cien producciones para chicos, pero el resto del año, ¿qué pasa con la investigación, la profundización, la difusión? La falta de periodicidad en el laburo hace que no se profesionalice”, analiza Marioni.

Pero, agrega el director, “en estas tres producciones del Coliseo se le dio un enfoque sumamente profesional”, reflejado, por ejemplo, en la decisión de tener músicos en vivo sobre el escenario: “Queríamos permitirles a los chicos y chicas el placer de disfrutar la experiencia visual y plástica de ver un musical con los músicos tocando en vivo, que no tiene nada que ver con una pista que corre con la gente cantando arriba. Esto me parece que hace que el producto sea de la mayor calidad que podemos lograr”.

Fuente: EL DIA

Con entrada gratuita y en varias sedes, comienza una nueva edición de Teatro x la identidad

 

13 de septiembre de 2018
 “La Extravagancia”

La cuarta edición de Teatro x la identidad La Plata, ciclo de teatro gratuito por la memoria, la verdad y la justicia, dará comienzo esta noche a una jornada de tres días en la que se presentarán en diferentes salas de La Plata, City Bell, Villa Elisa y Ensenada, más de cuarenta obras teatrales que incluyen varias piezas clásicas y celebradas de la cartelera local.

Según manifiestan en su web, el colectivo de Teatro x la identidad La Plata “apela, a través del teatro, a la toma de conciencia y la acción transformadora de cada uno de nosotros, como ciudadanos de un país que aún no ha zanjado sus deudas históricas en materia de derechos humanos, a pesar de los logros obtenidos en los últimos años”.

LA APERTURA

Con ese espíritu, el evento, surgido en 2015 a partir de la decisión de un conjunto de artistas locales de aportar a la búsqueda de las Abuelas de Plaza de Mayo, tendra su apertura hoy desde las 19, en el Teatro Coliseo Podestá, con la presentación de Los Hermanos Cardozo (Uruguay), quienes compusieron el tema original para el Ciclo, “Soy”, donado a Abuelas de Plaza de Mayo. De la velada también participará la actriz María José Gabin.

Las entradas, gratuitas, se retiran un hora antes en el teatro hasta completar la capacidad de la sala: así se abrirá el evento que continuará hasta el domingo. El viernes y el sábado se realizarán funciones de teatro en diferentes salas locales, y además habrá actividades en la Biblioteca Del otro lado del árbol, en el Pasaje Dardo Rocha y en la sala de la Comedia de la Provincia.

LA PROGRAMACIÓN

Entre las piezas que se podrán ver este fin de semana, se cuentan trabajos como “Una Margarita para Gardel”, “Vollwaise, bitácora de un acto de fe”, “Troyanas”, “Apnea, no se puede respirar”, “La Extravagancia”, “Cautivos”, “Infiel, a costa de la cordura”, “Templo, estancia, batallón”, “Tetris”, “Informe para la academia”, “Bety Godt” y “La irredenta”, entre otras propuestas, siempre gratis. La programación completa puede encontrarse en la página social del evento, así como en las redes sociales de la agrupación.

El cierre será el domingo, desde las 15:30 en el Centro Cultural Estación Provincial, donde se presentarán el espectáculo infantil “Ni locos” y La Joven Guarrior, al aire libre.

Fuente: EL DIA

domingo, 9 de septiembre de 2018

Una joya platense abandonada a su suerte: ¿por qué no se reactiva el Teatro del Lago?

 

Su imponente estructura se alza en medio de una isla en el Paseo del Bosque. Abandonado desde 2012, exhibe una larga y prolífica historia artística, que se vio marcada por una trágica muerte.

Por Mariana Sidoti Gigli
9 de septiembre de 2018

Un frente tapiado con chapas y dos precarios accesos envueltos en alambre de púas. Así recibe el Teatro Martín Fierro -mejor conocido como Teatro del Lago- a los platenses que caminan ese tramo escondido del Paseo del Bosque. Una estatua de Carlos Gardel apostada en la entrada completa la escena: la sonrisa del tanguero recuerda que alguna vez, en esa imponente estructura neoclásica, hubo arte y artistas y un público dispuesto a escucha.

De 2012 a la fecha, no hubo bailarinas ni actores que gasten el escenario del Teatro del Lago. La estructura que depende del ministerio de Cultura –ahora llamado de Gestión Cultural- está desvencijada y vacía desde entonces: uno de sus últimos espectáculos fue “Sanos y Salvos”, un show que mezcló acrobacias, teatro, danza y música en vivo y cuya entrada valía apenas 30 pesos. El Teatro supo tener protagonismo en el Festival Internacional de Folclore de la Provincia de Buenos Aires (FIFBA), organizado por el exgobernador Daniel Scioli. Pero en la edición de 2013, el viejo anfiteatro ya estaba excluido del  programa y sus instalaciones, inhabitables.

Su historia se remonta a 1902, cuando el italiano Nicolás Cúccolo le pidió al gobierno de la provincia la concesión de la isla del Paseo del Bosque. Su objetivo era ofrecer espectáculos al aire libre y para eso montó una galería y butacas en una estructura apta para no más de 100 espectadores. En 1911 y 1914, la administración bonaerense le inyectó 150 mil pesos primero y 98 mil después, para terminar lo que denominan oficialmente como "Teatro del Lago de la ciudad de La Plata".

Cúccolo supervisó ambas obras; en 1914 inauguró un anexo -una sala cinematográfica con capacidad para 500 personas donde se proyectó, entre otras, Nobleza Gaucha, la primera producción nacional- y cuatro años más tarde vendió su concesión a la sociedad Santiago Dezza. Sería el fin de un ciclo que lejos estaba de cerrarse, sino de florecer en su máximo esplendor.

En la década de 1940, con un peronismo en auge y el primer gobierno de Domingo Alfredo Mercante en la Provincia, el teatro se demolió totalmente para dar paso a uno nuevo. Su diseño neoclásico, las gradas conteniendo al público y la simetría entre la entrada y el escenario constituyen una muestra del estilo arquitectónico de la época. La reinauguración fue el 18 de noviembre de 1949, a 67 años de la fundación de La Plata, y contó con la presencia del entonces presidente, Juan Domingo Perón, y su mujer, Eva Duarte. Muchos de los obreros que trabajaron en el Teatro fueron también protagonistas de otra importante obra platense: la República de los Niños, que se inauguró en 1951.

Una vez terminado, el Teatro del Lago pasó a tener capacidad para 2.600 espectadores. La reconstrucción incluyó camerinos individuales para más de 200 artistas, baños con duchas y una casa para el encargado del teatro. Hoy, la entrada a esos mundos está protegida con rejas de hierro y sellada con ladrillos de adobe. Y en el foso de orquesta, decenas de grafittis que ilustran como nunca la dejadez del lugar.

HISTORIA DEL ABANDONO

Carlos Gardel en dúo con José Razzano, León Gieco y la murga Falta y Resto, son algunos de los artistas que pasaron por el escenario del teatro. Pero hoy la realidad es muy distinta. El escenario exhibe rejas metálicas y las puertas y ventanas están tapiadas de forma rudimentaria y no tanto: rejas, alambres de púa y ladrillos de adobe apilados muestran la intención de los gobiernos de “invertir” ciertos recursos en la prevención del vandalismo, que igual está a la vista con pintadas del estilo “Muerte a la Gorra” o “Lucho y Quimey”. De vez en cuando, algún que otro adolescente consigue colarse y grafitear algo más.

0221.com.ar ingresa al predio en pleno ensayo de la orquesta sinfónica de la Policía Bonaerense. Es extraño, pero se trata de la única actividad permitida en el lugar. En un recorrido breve, la cronista de este medio puede identificar dos cosas: la primera es que no hay nadie que vigile el lugar. La segunda, son las imponentes vistas que se pierden los platenses al tener no solo el Teatro sino la isla en general vedada.

“Es sospechosa la inacción de la Municipalidad. Pareciera que lo que les interesa es asfaltar para poder entrar y salir rápido del country, pero el Teatro del Lago está último en las prioridades”, aduce Eduardo Karakachoff, titular de la ONG conservacionista Defendamos La Plata. Él es uno de los tantos vecinos que desde hace años pide por la reconstrucción, una promesa inconclusa que comenzó en el gobierno de Scioli y se trasladó al de María Eugenia Vidal.

En el medio hubo un trágico episodio que se remonta al 2014, cuando el obrero Julio César Carballo se hallaba realizando arreglos en el Teatro subido a un andamio y murió al caérsele en la cabeza un pedazo de mampostería. El hombre era policía jubilado y cooperativista de la Municipalidad; la causa recayó en una fiscalía de delitos culposos y fue caratulada como muerte en accidente. Por si no alcanzaba con los dos años de abandono, la muerte de Carballo fue un hecho que despojó totalmente al Estado, en todos sus estratos, del lugar.

En marzo de 2016 con un Cambiemos recién asumido, el ministro de Gestión Cultural Alejandro “Conejo” Gómez reconoció que el anfiteatro “está cerrado hace cinco años y muy poco usado desde hace diez”. En una conferencia conjunta con la gobernadora y el intendente Julio Garro, anunció que entre 2016 y 2017 habría “100 millones para ponerlo en funcionamiento” en un plazo de 17 meses.

La promesa quedó trunca: la Provincia llamó a licitación por una obra de 168 millones pero, según pudo saber 0221.com.ar, las ofertas que hicieron las empresas no conformaron, por onerosas, a la administración provincial. Este medio intentó en tres ocasiones comunicarse con el ministerio de Cultura para acceder a alguna declaración, pero no hubo respuesta.

Desde la Municipalidad, en tanto, aducen que tienen “poco para hacer”, aunque advierten que la gestión de Garro “tiene un gran interés en el tema”. Según pudo saber este medio, en el Palacio de calle 12 reflotó la idea de municipalizar el Teatro, aunque para eso debería aprobarse una ley en la Legislatura bonaerense.

“Los procesos administrativos alargaron los plazos para encarar una restauración del lugar. Queremos tratar de generar convenios de trabajo en conjunto para ponerlo en valor y después pasarlo a la ciudad, pero por ahora nosotros solos no tenemos el dinero para encarar la obra de refacción”, alude el secretario de Cultura y Educación local, Gustavo “Colo” Silva.

Según el funcionario, la última “gran restauración” del Teatro se hizo durante el gobierno de Julio Alak, entre el 2000 y el 2004. “Después de eso entró en un derrotero porque nadie ha entendido cómo tiene que funcionar, y su uso fue poco, raro, malo. Hay que replantearlo. El Teatro tiene muchísimas funcionalidades y podría convertirse en un centro cultural”, deslizó.

Desde Defendamos La Plata, Karakachoff insiste en la necesidad de “levantar” el teatro de la desidia con políticas públicas: “Daría trabajo, un movimiento cuidado en el Bosque y también turismo”, asegura. Pero no son más que deseos: en plena crisis económica y política, restaurar un teatro no parece ser prioridad. Tampoco lo fue en años anteriores, a pesar de las marchas vecinales, los pedidos de informe en el Concejo Deliberante y las intervenciones artísticas. Pareciera que el destino del viejo Teatro es envejecer en soledad, lejos del brillo y la gloria que lo vieron nacer.

Fuente: https://www.0221.com.ar/

miércoles, 5 de septiembre de 2018

Entrevista a la actriz y directora Alicia Durán

Entrevistan Carolina Donnantuoni y Gustavo Radice

Plataforma de Teatro Performático

ALICIA A. DURAN se ha formado institucionalmente como Profesora en Artes orientación Danza-Expresión Corporal en la Escuela de Danzas Clásicas y como Profesora de Teatro, Maestra en Educación teatral y Actriz en la ETLP. Ha realizado entrenamientos con diversos referentes del teatro y de la danza mereciendo especial mención Paco Giménez. Trabaja en la ETLP como Profesora de Actuación y Jefa de Área de la Tecnicatura en Actuación y en la U.N.A como Profesora de Actuación I de la Licenciatura en actuación. Asimismo ha desarrollado su trabajo docente en la Escuela de Danzas Clásicas como Profesora de técnicas de improvisación y composición coreográfica en el Profesorado de Danza Expresión corporal, en las Escuelas de Estética de La Plata, en la Dirección Provincial de Desarrollo Profesional Docente (Ministerio de Educación de La Nación – Pcia. de Tierra del Fuego, Antártida e Islas del Atlántico Sur) y como Capacitadora en Danza Expresión en el Encuentro Dramatiza. Es autora del Diseño Curricular para teatro Ed. Primaria Básica (Pcia. de Bs. As. Dirección Gral. de Cultura y Educación 2007). 

Ha realizado obras como Actriz Directora y Dramaturga. Como actriz: El arte de la fuga, los nombres con dramaturgia y dirección de Nelson Mallach; The good con dramaturgia y dirección de Brian Kobla; Yerro Capital con dramaturgia y dirección de Alejandro Zigman y asistencia artística de Paco Gimenez; El éxito con dramaturgia y dirección de Blas Arrese Igor; Marta Riquelme de Nelson Mallach con dirección de Daniel Gismondi; Charada, con dirección de Paco Gimenez; Maluco, con dirección de Quico García. 

Como directora: Una cajita dentro de un cuaderno, versión teatral del texto de Humberto Constantini en adaptación y dirección; Ubu encadenado, versión libre de la obra de Alfred Jarry; Triste Golondrina Macho de Manuel Puig en la Comedia de la Pcia. de Bs. As.; El Cautivito de Nelson Mallach (Ciclo El teatro y la historia); El niño perdido de Nelson Mallach e Icarovoló como directora y dramaturga. Además ha sido premiada como directora y actriz, y seleccionada para producir sus proyectos, por la Comedia de la Pcia. de Bs. As., el Fondo Nacional del Teatro y El Instituto Nacional del Teatro.

sábado, 1 de septiembre de 2018

“Mandinga en el paraíso”: el hombre y el diablo cara a cara en irónica clave de varieté

 

Claudio Gallardou dirige y actúa en esta sátira nominada a tres premios Hugo, que inicia esta noche un ciclo de presentaciones en La Plata durante los sábados de septiembre

1 de Septiembre de 2018 
Claudio Gallardou, izquierda, dirige y actúa en la compañía Cosa e’ Mandinga

El grupo Cosa e’ Mandinga inicia en nuestra ciudad una serie de presentaciones de su exitoso espectáculo “Mandinga en el paraíso”, un análisis, en irónica clave de comedia, sobre la extraña relación que el hombre y el diablo han mantenido a lo largo de la historia.

Claudio Gallardou, actor, director y dramaturgo con más de treinta años de trayectoria, dirige esta propuesta que acaba de ser nominada a tres premios Hugo -mejor varieté, arreglos musicales e interpretación- y forma parte también del elenco que completan Juan Concilio, Andrés Pérez Alarcón y Alejandro Sanz.

Con la mayoría de ellos, Gallardou, que en abril ofreció un seminario de “Entrenamiento para la comedia física” en el Coliseo Podestá, se conocía tras su recordada versión de “Moreira” con la que se despidió de su rol de director en el Teatro Nacional Cervantes, en el que estuvo durante casi una década.

De su interés por hacer algo juntos, se creó la compañía, antes llamada Las Barbas de Mandinga y luego, colectivamente, materializaron en los ensayos este espectáculo que presenta una mirada filosa sobre la actualidad, con alusiones al Fausto, a los siete pecados capitales y a la luz mala, entre otros cuentos populares que tienen al “Misto” como protagonista.

Con manifiestos, referencias y números diversos, y recorriendo diferentes climas, sobre el escenario los artistas buscan ahondar en la “la hipocresía del hombre de hoy”.

En diálogo con EL DIA, Gallardou aseguró que, a lo largo de la historia, “el que nos adiestró lo hizo con la idea de que el diablo es una entidad externa al hombre, que lo tienta para que realice las maldades. Pero con el tiempo el diablo se ha ido acercando tanto que hoy estamos casi seguros de que el diablo está adentro del hombre, que ya no está afuera: el hombre es el diablo mismo”.

Según el creador del emblemático grupo La Banda de la Risa, con ese pensamiento, bien arraigado con el paso del tiempo, “podemos entender la cantidad de atrocidades que el hombre está haciendo consigo mismo, con la humanidad, con el planeta, con los otros, de manera descarnada. Decimos ‘es obra de Mandinga’ para justificarlo”.

Por ejemplo, ahora, sostiene Gallardou, “no se puede entender cómo hay tanta falta de solidaridad, tanta deshumanización. Entonces, nos lleva a decir ‘esto es cosa del diablo’, no puede ser cosa del hombre, y si es del hombre es porque, precisamente, tiene el diablo adentro”.

El mensaje de la obra, fuerte, se diluye con el abordaje propuesto por esta compañía que recurre a la ironía y a la caricatura para matizar sus críticas.

“Hay humor, poesía y un monólogo de dios con el diablo imperdible”, anticipa Gallardou, sobre el espectáculo al que define como un “juego irónico planteado desde lo musical e intercalado con algunos sketches”.

Para el intérprete, el humor “es un género ideal para reflexionar siempre que esté bien hecho”. A su criterio, “la comedia te ayuda porque debajo de un mensaje muy dramático, al ironizarlo hace que sea más digerible. Lo cual algunas personas pueden no sentir rechazo a la hora de tener que reflexionar sobre el tema”.

Sobre la doble función que lleva adelante en el espectáculo, manifestó que es justamente cuando dirige y actúa a la vez, algo en lo que viene incursionando desde hace mucho tiempo, cuando mejor está como intérprete. “Yo tengo la sensación de conocer cuáles son algunos de mis botones, entonces como director me abro esos permisos”, sostuvo el artista, quien, de todos modos, ha sido también feliz bajo la dirección de grandes maestros, como Agustín Alezzo, por ejemplo, dejándose “explotar” en el buen sentido de la palabra. “Siempre digo que un actor es como un violín, si el que te ejecuta lo hace bien, sonás bien. Y sino, no”, agregó.

Con nuevos proyectos teatrales en carpeta, Gallardou también tiene intensiones de poder volver a la televisión, un formato del que se alejó cuando asumió su cargo en el Cervantes. “Eso me impidió dedicarme a muchas otras cosas, no sólo a la tele, sino también a dirigir”, contó el actor, en relación a la decisión que mantuvo hasta casi el final de su gestión de sólo dedicarse a la gestión cultural. “Recién en los últimos meses del último año (2016) me dije ‘no me puedo ir del Cervantes sin darme un gusto”. Y ahí fue cuando decidió programar “Juan Moreira”, con protagónico de Alberto Ajaka, “un rol que le quedaba perfecto”. Fue, para Gallardou, “un premio que me di a mí mismo”.

De todos modos, la tele, esta tele, no lo vuelve loco. “Cambió mucho, antes había cuatro telenovelas por día, ahora es más barato producir cuatro periodistas sentados en un panel hablando, que producir un decorado, pagar un director, hacer exteriores, pagar un libretista. Ha bajado muchísimo la producción del programa nacional. Y siempre hay como un núcleo de actores, un clan, que trabaja de manera consecutiva. A veces uno entra en esos clanes, y a veces no”, analizó, quien ha sido parte de recordados programas como “Poliladron”, “Archivo Negro”, “Desesperadas”, “Señoras sin señores”, “Tiempo final”, entre otras.

Feliz con este ciclo de funciones teatrales que iniciarán con “Mandiga en el paraíso” esta noche, y que se llevarán a cabo durante los sábados de septiembre desde las 21 en Teatro Estudio, 3 entre 39 y 40, Gallardou manifestó su entusiasmo por regresar a esta ciudad a la que lo une un lazo especial.

“Mi mamá durante muchísimos años trabajó en los segundos violines de la Orquesta del Argentino. Fue antes de que se incendiaria. Creo que perdió su violín en aquel incendio. Y se jubiló en ahí. Por eso cada vez que voy a La Plata siento que hay un pedacito de ella esperándome”, concluyó.

Fuente: EL DIA

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