Entrevista a Leandro Piccolo de la Compañía Teatral Ambulantes

LEANDRO PICCOLO EN UNA ESCENA DEL UNIPERSONAL “LO DISCEPOLÍN”

Por Irene Bianchi

Charlamos con Leandro Piccolo de la Compañía Teatral Ambulantes sobre su espectáculo «Lo Discepolín».

IB: Contáme algo de la historia del grupo, y del recorrido que han hecho desde el comienzo?

LP: La Compañía Teatral Ambulantes es una cooperativa formada por actores y técnicos de la ciudad de La Plata, en el año 2010, con su primera producción “Piera (o la Asunción de la Virgencita de los Desilusionados)” de Martha Bugiolachi quien además la dirigió. Con “Piera”, participamos en los ciclos “Teatro en las Escuelas” y “Fiestas Regionales de Teatro Independiente”de la Comedia de la Provincia, “La Noche de los Teatros”, y “Concurso de la Comedia Municipal”. También realizamos funciones por nuestra cuenta en diferentes salas de la ciudad y en gira por Gral. Madariaga, ciudad de origen de nuestra directora, a la cual también llevamos “Las Menganitas: cuento sin ton pero con son”. Otra propuesta escrita por Martha Bugiolachi y dirigida por Maby Lezica que se estreno en 2013 en La Casa de Cultura de Berisso, y con la que incursionamos en el género infantil. Luego vino “El poeta y el duende”, un recorrido por el pensamiento, la obra y el universo musical de Federico García Lorca. La propuesta viene de la mano de Verónica Caballero, quien la dirige y actúa. En este espectáculo pudimos incorporar músicos en vivo que acompañan el relato del poeta. Actualmente estamos haciendo “Lo Discepolín”, un espectáculo unipersonal que pretende homenajear a Enrique Santos Discépolo, su obra, su poesía, su sentir. La obra la escribimos en conjunto con Martha Bugiolachi, en un proceso lleno de descubrimientos. Es muy rica la vida de Enrique.

¿Quiénes la integran? ¿Qué tipo de obras suelen montar? ¿Alguna preferencia en cuanto a género, autores?

Con el correr de los años, la compañía ha sido integrada por: Martha Bugiolachi, Verónica Caballero, Claudia López Osornio, Luis Segade, Silvia Chilo, Maby Lezica, Cecilia Robert, Carolina Cuello, Manu y Rodrigo Amar, Sergio Alzamendi, Adriana Matar, Zoe Asaff, Raúl Gaido, Gabriela Pellegrini, Florencia Gualchi, Micaela Carballo, Maximiliano Flores Godoy, y yo. Es un grupo muy abierto a escuchar las propuestas de sus integrantes, lo que hace que las obras no sigan una línea. Trabajamos con textos propios y cada uno de nosotros tiene algo diferente para decir…

¿Por qué Enrique Santos Discépolo como fuente de inspiración para este espectáculo? ¿Qué los conmueve de su obra, de su personalidad, de su vida?

Enrique apareció en mi vida por casualidad, en una feria de libros usados, quizá atraído por mi gusto hacia el género grotesco. Leí un par de veces esa biografía, con la firme convicción de querer interpretar a este personaje. Es muy atractivo, muy rico, lleno de matices. Con una infancia muy dura y un triste final, momentos de éxito y

desesperanza. Interpreta la angustia popular de su época y la refleja en sus letras, en sus obras de teatro, en su discurso. Es empático con el otro. Talentoso, inteligente, sensible. Entrañable.

¿Cuáles fueron las fuentes de información a las que recurrieron?

La primer biografía fue “Discépolo, una biografía argentina” de Sergio Pujol, esa que apareció de repente. Tentado por la curiosidad vinieron “Discépolo. Todavía la esperanza. Esbozo de una filosofía en zapatillas” de H. Daniel Dei, “Enrique Santos Discépolo el poeta de Cambalache” de La Nación, “Fratelanza” de Norberto Galasso – Jorge Dimov, ¿A mí me la vas a contar? Discursos de mordisquito” de ediciones Terramar, “Discepolín y yo” de Tania, “Escritos inéditos de Enrique Santos Discépolo”, por nombrar algunos. Analizamos también su filmografía, sus tangos, y los testimonios de otros personajes que lo frecuentaban. En todo el material de video que existe a disposición se puede ver a Enrique Santos interpretando un personaje, pero nunca a él. Fue un actor muy comprometido y con una máscara muy fuerte difícil de develar, pero en cambio podemos escuchar su voz en los discursos radiales, donde se mostraba transparente como en sus letras.

¿Cuánto tiempo llevó la gestación de este proyecto? ¿Con qué dificultades se encontraron?

Te diría que fueron varios años hasta sentir que era momento de estrenar. Hubo una primera etapa dedicada a la investigación bastante intensa, en la cual me sumergí en todo el material que mencioné antes. Aparecieron líneas de tiempo, y cuadros sinópticos que empapelaron mis hogares, ya que sobrevivieron una mudanza, incluso. Con esto surge nuestro guión madre, (¡eterno!), nuestro punto de partida para empezar a ensayar. El proceso de ensayos, que nos llevó un año y medio aproximadamente, fue el tamiz que dio como resultado el texto final, aunque aún hoy, con la obra en escena, sigue evolucionando. Quedaron cosas en el camino, y aparecieron otras nuevas. El aporte de Martha Bugiolachi en la co-autoría y dirección, fue fundamental para sintetizarlo. Con una vida tan intensa como la de Discepolín, fue difícil elegir aquellos momentos que lo definen. Todo es interesante de mostrar. Utilizamos metáforas como recurso para transmitir algunas cuestiones que el público incorpora a lo largo de los 60 minutos que dura el espectáculo. En el medio, aparecieron amigos ofreciendo vestuario, zapatos, utilería, el asesoramiento vocal de Florencia Gualchi para cantar tangos que nunca lo había hecho y las pistas de piano de Juan Manuel Lopetegui, la puesta de luces de Claudia López Osornio ambientando los momentos, y la asistencia de Verónica Caballero. Hasta llegamos al Panteón de SADAIC en Chacarita, para visitar al tío Enrique.

¿Por qué eligieron el formato de “unipersonal” para contar esta historia?

Creo que tiene que ver con el recurso que encontré para escribir la obra desde mi condición de actor y no de autor. Nace de la dramaturgia del cuerpo, esa que te hace

escribir una línea e inmediatamente pensar como decirla, como moverse, o por el contrario, improvisar una situación y luego escribirla, nunca fue pensado desde otro lugar que no fuera desde la actuación. Esto es algo que puedo reflexionar hoy; durante el proceso fue algo más intuitivo. El personaje viene cargado de un cúmulo de experiencias y facetas, que honestamente no me quería perder de interpretar. Era una puerta directa al juego, al teatro.

Tengo entendido que ya cosecharon varios premios con «Lo Discepolin»

Nuestra cuarta función fue en el Concurso de la Comedia Municipal. Allí “Lo Discepolín” resultó una de las obras ganadoras en la categoría “adultos” y obtuvimos una mención a “mejor unipersonal”. Esto nos permitió realizar funciones gratuitas en diferentes ámbitos de la ciudad y dar a conocer los rincones no tan populares de Enrique. También participamos en otros ciclos como Teatro por la Identidad y Encuentro de Teatro Independiente La Barraca, y realizamos funciones en C.A.B.A.

¿Dónde y cuándo presentarán la obra, Leo?

El Sábado 9 de Junio volvemos a la sala Allegro Ma Non Troppo, ubicada en La Merced Nº322 de Ensenada, donde ya realizamos funciones. La cita es a las 20hs con entrada a la gorra, para toda la familia.

 

Ficha técnica

Dramaturgia: María Martha Bugiolachi – Leandro Piccolo

Dirección: María Martha Bugiolachi Actor: Leandro Piccolo

Luces: Claudia López Osornio Sonido: María Martha Bugiolachi

Asesoramiento vocal: Florencia Gualchi

Pistas piano: Juan Manuel Lopetegui

Asistente: Verónica Caballero

Fuente: https://irenebianchi.com.ar/

Entrevista a Gustavo «Tati» Vallejos

Charlamos con Gustavo “Tati” Vallejos, a punto de presentarse este domingo 3 de junio a las 20 hs. en Espacio 44 con “Las Desventuras del Sr Mokitó”

Por Irene Bianchi

GUSTAVO VALLEJOS ES EL SR. MO-KI-TÓ

IB: Hagamos un poco de historia, Tati. ¿Cuántos años cumple ya la Compañía Devenir?

GV: Este año cumplimos 37. A diferencia de otras compañías que tienen este tiempo o más, la nuestra asume la particularidad de ser ininterrumpidos, es decir, hemos hecho no menos uno y dos trabajos por cada año de vida, más los espectáculos y eventos callejeros, que nos encanta que sean sorpresivos. También, al ser un grupo de investigación, hemos experimentado todos los lenguajes-geográficos que ofrece este arte, sala, espacios no convencionales, calle. Fuimos los primeros en hacer una obra de calle en la ciudad (“Bienvenidos a la vida” en 1984) y estoy seguro que somos, junto a un grupo porteño que ya no existe, también en el país los primeros que realizamos teatro de calle.

¿Cuáles fueron los hitos más significativos a lo largo de estos años?

Debo aclarar que somos un grupo que abarca tres décadas y eso nos sitúa en un espacio-tiempo con infinitos matices. Hemos tenido por lo menos más de un tranajo por década. En los 80’ tuvimos dos “éxitos” estruendosos, “Marcha”, de Alberto Adelach, hicimos una versión libre que duró una hora y 10´, ya que la original es de unos 20 minutos. Con esta obra reabrimos el Coliseo cuando no tenía ni butacas y el foso de la orquesta estaba sin tapar. En ese momento, de final de dictadura, nos parecía genial poder tener esa escenografía natural de la decadencia para poder ofrecernos (actores y público) una nueva etapa que ya se olfateaba como posible. Nunca dejaré de agradecer a Pipe (Hercovich) el acto de fe hacia la compañía. La otra fue en el 84’ “Misterio, dolor y muerte” obra de nuestra autoría (Creación colectiva) mostrando los atropellos de la “conquista” española sobre nuestra vida nativa. Pero en los 80 tuvimos una más que fue alucinante para el público, “Maximiliano 10 años después” de Renzo Casali. Gracias a esta obra pude hacer la relación con Renzo y conocernos personalmente, a partir de allí hicimos nuestra amistad. En los 90’ tuvimos tres “éxitos” pavorosos, cuando uso estos adjetivos, te juro que no exagero, era el furor del teatro de investigación, de hecho, era otro el público… quiero decir, que había un público de las universidades, más el habitual que “consumía” este arte. Ellas fueron “Ianua-Caeli” de mí autoría, con ella cerramos el ciclo de espacios propios. Esta fue la última obra en el “El espacio del Parque”, nuestro último teatro. A partir de allí nos hicimos nómades. “Historias” el primer trabajo de Clown para sala y la más grossa para esa década, “Diario de a bordo”, una adaptación de Strip-Tease del polaco Mrozek con textos míos y de Octavio Prenz. Con ella giramos por toda Italia y el país. Participamos y ganamos Festivales competitivos a nivel internacional y nacional.

En primera mitad de los 2000 Fueron “El Huesped”, con ella giramos por todos lados. Italia, España y llegamos al Odin Teatro. “Del otro lado del Tiempo”

Ganamos Festivales y giramos por Argentina y España, Italia y Eslovenia y “J. 9 Hundido”, con ella ganamos un provincial y obtuvimos el premio al mejor actor. Viajamos a España, Italia y Uruguay. Ya en la segunda mitad de los dos mil hasta nuestro presente “L.I.D.L.E.” última obra escrita con Renzo Casali y dirigida por él. Luego llegó “46 XX… variaciones Hamlet”, obra que estamos por reponer en agosto de este año. “La Viajera”, con la que fuimos a Europa el año pasado y Verónica ganó el premio a la mejor actriz en el Festival Internacional de Kropa, Eslovenia. Y por último “Las desventuras del Sr. Mokitó”, que viajó también el año pasado a Europa realizando funciones en España, Italia (abrió un Festival de cine en Trieste) y ahora nos aprestamos a estrenarla en La Plata. ¡Ufff… me cansé!!! Jajajajaja…

¿Sentís que han sido coherentes a lo largo de estos años, con los objetivos que se fijaron al crear este grupo de trabajo?

No me cabe dudas que lo hemos sido. Y seguimos trabajando y creando bajo la misma mirada. Llevar tantos años está bueno para no envejecer en la búsqueda. Quiero decir, sería “fácil” repetir recetas u obras que fueron exitosas, pero esa no es nuestra mirada del teatro. Nosotros somos Teatro. Por lo tanto, seguimos investigando y sugiriendo nuevas alternativas de búsqueda. Sobre todo, que no sean excéntricas, situación que es muy habitual en los tiempos que vivimos. Hoy por hoy es más power intentar impactar… esto no tiene alma y a mí gusto, muy poca imaginación. No está en nuestro ADN.

¿Qué balance hacés de la producción de Devenir?

Tengo la certeza de que hemos encarado nuestro propósito en el mundo del arte teatral. La investigación y el trabajo siempre ha estado sustentado en la nobleza de nuestra intuición, a sabiendas de que nos podíamos equivocar. La respuesta al acierto nos la dio el público. Nunca tuvimos malas críticas de ellos (¡tampoco de ustedes! Jajaja) Para nosotros nuestra profesión es sagrada. Siempre estamos al 100 x 100 para ella, esto involucra tareas de producción, horas de estudio, horas de investigación del logro de esa tarea intelectual y trasladarlo en el espacio y búsqueda de materiales que nosotros podamos utilizarlos como herramienta para alcanzar nuestra mejor performance con nuestra estética y que esté invariablemente al alcance de todo el público. Nuestras obras siempre la pueden ver en familia si quieren.

¿Qué aporta al actor la experiencia de hacer teatro callejero?

Cuando daba clases, en escuelas oficiales o clases privadas, les decía a los aspirantes a ser actores, que una hora de calle equivale a mil horas en las universidades… El actor en la calle mete las teorías en una valija y cuando termina de trabajar, llega a su espacio y las saca para analizarla con la cabeza del que sufrió y gozó la experiencia colectiva. Porque la calle es la selva habitada por todos. ¡Allí no hay posibilidad de reconocimiento al trabajo! ¡allí salís a descerebrar con ARTE y sorpresa, de lo contrario te volves a casa listo para el suicidio (artístico, digo) Es un lenguaje ¡im pre sio nan te! Hay que estar muy preparado. No es para personas que solo saben lo que las escuelitas dicen qué es el teatro. Allí sos Shakespeare en el teatro del Globo, rodeado de lo que está pasando, la vida tal y como es. Por eso los aventureros se rompen a pedazos en dos días. ¡A nosotros nos esperaban! Y los vendedores ambulantes… también… jajajajaja.

¿Cómo ha sido la experiencia afuera del país, junto a tu pareja, la actriz Verónica “Pampa” González?

Sin dudas que salir del país te da la tranquilidad que por estos pagos no tenes. No es lo mismo estar acá donde la situación de la vida de un artista le importa a muy poca gente. Aquí, todavía, la gente es Cholula y cree que los actores son los de la tele. En otras partes del mundo existe, lo que Eugenio (Barba) llamó Tercer Teatro. Por lo tanto, hay muchas más alternativas. De hecho, nuestra experiencia europea del año pasado fue excelente y abrió un montón de puertas que desde aquí hubiese sido difícil lograr. En este momento estamos en la tarea de preproducción de nuestro próximo viaje.

¿Dirías que “nadie es profeta en su tierra” en cuanto a la recepción y repercusión de la tarea de ambos en el Viejo Mundo?

No tengo la absoluta certeza de que sea así. Pero si me guío por lo que nos pasó, parecería que es de esa manera. Nuestra metodología de trabajo (Actor 0) causó sorpresa y avidez de transitarla en todos los países que visitamos y mostramos nuestras obras y realizamos nuestros seminarios. Me da la impresión que lo que ocurre acá es como dice el tango… vivimos revolcados en un merengue todos manoseados ¡Todo es igual! Allí está la diferencia. Aquí un grupo de 37 años de trabajo que ha comprobado su profesionalidad es lo mismo que cuatro chicos que recién hacen una experiencia mediocre del lenguaje y ya creen tener la opción de ser lo mismo… ¡No! No es lo mismo. Nosotros somos quienes somos por muchas horas de cada día de todos los días de esos 37 años. ¡No es casual que somos tres en este momento de nuestra historia grupal!

Para los legos en la materia, ¿qué es la antropología teatral?

Según las definiciones de los más ortodoxos La Antropología Teatral es: el estudio del ser humano-actor en condiciones de crear. Nosotros a esta especialidad le dimos una vuelta de rosca en el año 2 mil separándome de los dos maestros que tuve en mi comienzo, Renzo Casali y Eugenio Barba, ambos creadores de la especialidad y con sus visiones diferentes sobre la misma. Nos metimos a realizar un estudio comparativo con el fútbol, ya que es una tarea de equipo con reglas parecidas a nuestro arte. De allí nace el método del Actor Cero. Comparamos a un jugador de fútbol profesional con un actor profesional. ¡Fueron tantas las desigualdades! Que nos dio la posibilidad de investigarlas profundamente y nos dimos cuenta que, en argentina, por ejemplo, son muy pocos son actores y directores dispuestos a salir del prefacio histórico que comenzó con Stanislavski en el siglo 19.

¿Cómo definirías “Las desventuras del Sr Mokitó”? ¿Con qué se va a encontrar el espectador el domingo 3 en Teatro Estudio?

Para mí ha sido una experiencia maravillosa abordar a este nuevo Clown. Hice muchos años a Buster, un Payaso de calle que realicé por más de 25 años. Era muy difícil hacer otra cosa que no sea él. En otra oportunidad te diré la diferencia entre Clown y Payaso. Hace tres años que lo vengo investigando. En Europa dio sus pasos más firmes. Allí nació la posibilidad de crear el guion que hoy avala su trabajo. Acabo de hacer una gira por Chaco, Santiago del Estero y Tucuman que terminó de fortalecer al Sr. Mokitó. Por lo tanto, lo que se verá por primera vez en La Plata, será otro trabajo totalmente diferente a lo que hacía. Imagino que a los platenses les pasará algo similar que a los públicos europeos o del norte de nuestro país… para ello deberán dejarse llevar por la magia que propone Mokitó. La van a pasar lindo, con sus hijos, esposos, esposas, amigos o quien quieran estar allí. ¡Los esperamos!

Se percibe claramente un sustrato filosófico en tus trabajos, una búsqueda profunda que va más allá del entretenimiento. ¿Podrías explayarte al respecto?

Siempre hemos buscado complicidad inherente con el público. Ha sido nuestra manera de ver y realizar el hecho teatral. Ya lo dije, no me interesa el efecto que asombre, me importa mucho que las personas se involucren. ¡Esta es mi manera de concebir el Arte del Teatro! No hacer para que nos miren y nada más… siempre nuestras obras han sido a una distancia espacial muy cotidiana, eso genera compromiso. En este tiempo que el compromiso deja mucho que desear, nosotros seguimos convencidos que es un lazo de energía y verdadera vida creativa entre todos. No me interesa un público cómodo apoltronado en las butacas de felpa roja esperando que termine para salir a comer… podría decir que es tan burgués, como viejo, ese teatro. Mí necesidad es que las personas lleguen a habitar la ceremonia que comenzó en el exacto momento que decidió venir a convivirla. Llega con la expectativa lógica que le ofrece su curiosidad, su ilusión. Como los niños. ¡Y no me gustaría defraudarlo! Ese es mi trabajo, que se vaya contento, conforme con la elección que hizo y sin arrepentirse de haber venido. Por eso con un Clown, también existe la posibilidad de que nos pensemos. El trabajo con Mokitó, deja desnudo al público ante las cosas simples… la felicidad con pocas cosas, la ternura en una mirada, la complicidad con los iguales, en la necesidad que tenemos los seres humanos de jugar, como buen mamífero que somos, y que lo hemos dejado de lado por el sólo hecho de ser “adultos”.

El Teatro para mí es esto… un momento único e irrepetible.

Fuente: https://irenebianchi.com.ar/

“El secreto de Clarice”: un “infantil freaky”, inspirado en el mundo poético de Lispector

ESPECTÁCULOS | DESTACADO DE LA CARTELERA

Danza, teatro e ilustración en vivo es la propuesta de este espectáculo que “no subestima a la niñez”. El domingo, en La Grieta

María Virginia Bruno

JULIETA RANNO, EN UNA ESCENA DE “EL SECRETO DE CLARICE”

Este fin de semana volverá a la cartelera local “El secreto de Clarice”, un espectáculo para toda la familia basado en la obra infantil de la referente literaria brasileña Clarice Lispector, en la que danza, teatro e ilustración digital en vivo se dan la mano para crear un “paraíso precario” que, sin embargo, invita a desconectar mentes y corazones, en una época en la que las criaturas 2.0 bombardean con mensajes superfluos.

Con dirección general e interpretación de Julieta Ranno (danza y teatro), dirección de arte y actuación de Chechu Ascaso -también operadora de sonido, gráfica y fotografía-, e ilustración digital en vivo de Tati Catelani, “El secreto de Clarice” nació en 2015 a partir de un trabajo de investigación colectiva sobre la literatura infantil de Clarice Lispector, de la que intentaron “tomar climas, metáforas, poética y transformarlo en fiscalidad e imágenes”.

Durante un año, las chicas trabajaron a partir de improvisaciones creando desde allí la dramaturgia, las coreografías y el relato visual. Según contaron, la dinámica del grupo siempre fue interdisciplinaria y colectiva en todo momento porque “nos interesa la fusión de lenguajes y la mirada de cada integrante para el crecimiento de la obra”.

La obra, que se estrenó en septiembre de 2016, contó con el apoyo de Consejo Provincial de Teatro Independiente y fue seleccionada para participar en el Festival Regional de Teatro Independiente realizado en febrero del año pasado en nuestra ciudad. Durante el 2017 hizo funciones regularmente en la cartelera local, y participó en septiembre de Teatro por la Identidad La Plata.

Con diseño y operación de luces de Manu Schoijet, este domingo, a las 18.30, se ofrecerá en El Galpón de la Grieta, 18 y 71, y no volverá a tener funciones en al menos un tiempo, por las “colapsadas agendas” de sus creadoras, militantes fervorosas de este tipo de arte, alejado de los brillos, estridencias y muñecotes que la globalización nos regaló.

“Creemos que una obra de arte de cualquier índole debe conmover en algún sentido. Si está dirigido a chicos o a grandes es indistinto. La niñez ha sido cooptada como objeto de consumo, como todos nosotros y el teatro infantil se tornó mero entretenimiento. Por eso al encarar este proyecto supe que iba a escaparme del formato habitual, de los colores estridentes y los gritos”, aseguró Julieta Ranno, en diálogo con EL DÍA, sobre esta pieza que delineó y a la que no dudó en definir como un “infantil freaky”, que las ha hecho trabajar estos dos años a sala llena, “a pesar de lo outsider” y que les ha permitido, fundamentalmente, ser fieles a sus deseos e intereses creativos, entendiendo que “tenemos la convicción de que somos artísticamente honestas”.

En la historia, inundada de metáforas y en la que el relato queda en segundo plano víctima de la fusión de lenguajes que toma la escena, “Clarice” mata accidentalmente a dos pececitos. Se siente avergonzada y decide confesar lo sucedido. Para ser perdonada por el público relata una serie de acontecimientos de su vida que evidencian el profundo amor que desde siempre tuvo por los animales. Su antagonista es “Señorita Wiki”, sabelotodo y eficiente, que intentará aleccionar a Clarice en sus intentos por reivindicarse.

“Lispector nos convoca a un mundo cotidiano pero a la vez profundo, con una poética alocada, donde lo lúdico y lo filosófico se entreveran. Sus cuentos infantiles proponen personajes complejos, lejos de ‘el bueno’; y ‘el malo’. Clarice Lispector no subestima a la niñez, le propone una puerta para hacerse innumerables preguntas”, explicó esta “bailarina que actúa” sobre el universo literario que las inspiró y que intentaron llevar al teatro, “inventando una Clarice repleta de contradicciones, en un mundo inquietante e inaprensible”.

En la obra, esas contradicciones quedan de manifiesto en el hecho de que “Clarice” y “Señorita Wiki “ son interpretadas por la misma persona, Julieta, quien para construir a estas mujeres, opuestas y complementarias, encaró un “trabajo tan arduo como divertido”.

“Siendo fiel a la bailarina de origen que soy, construyo mis personajes a partir de la corporalidad. Un modo de sentarse, un tono muscular, una velocidad en los brazos. Luego, gracias a la aguda mirada de Chechu Ascaso fueron apareciendo las otras características: voz, gestualidad, mirada. También aparecen en mi cuerpo un gato y una gallina”, contó Ranno, sobre cómo fue el proceso de creación de estas dos entrañables criaturas.

Dispersa, franca, inquieta y expresiva, “Clarice”, confesó Julieta, “es la actriz y mujer que soy hoy”, a pesar de su formación de diez años de danza clásica. Y “Señorita Wiki”, intachable, rotunda y firme, “aparece en mi vida de vez en cuando y organiza el descuajeringue”.

Protagonista de “Montaraz”, de y por Braian Kobla que mañana a las 21.30 volverá gratis al Centro Universitario de Arte (48 entre 6 y 7), Julieta está ensayando “Niebla”, de Nelson Mallach, que se estrenará en octubre en el Tacec del Teatro Argentino. Además, este fin de semana filmará un videoclip de la banda Martes de agua.

“El secreto de Clarice”, cuyas entradas se pueden reservar por mensaje desde la página oficial de Facebook, tendrá entradas generales de $150, y gratis para los menores de 4 años.

“Lispector no subestima a la niñez, propone una puerta a innumerables preguntas”

Fuente: EL DIA

Se estrena “Sopaipillas”, un unipersonal con recuerdos de San Juan

ESPECTÁCULOS | CON ACTUACIÓN Y DIRECCIÓN DE MARÍA INÉS PORTILLO

MARÍA INÉS PORTILLO

Actriz, directora y dramaturga sanjuanina radicada desde hace años en La Plata, María Inés Portillo estrenará el sábado a las 18 en el Museo Dardo Rocha, 50 entre 13 y 14, “Sopaipillas”, un unipersonal con aroma a San Juan.

Dirigido e interpretado por ella misma, se trata de una propuesta basada en materiales que le recuerdan a su provincia natal, con textos propios y de otros autores como María Elena Walsh, Atahualpa Yupanqui, Lidia Blake y Ángel Espinoza, entre otros. “El unipersonal nació de la necesidad de decir lo que siento y pienso. En el aquí y ahora”, explicó la artista.

“Representarlos me permite revivir los propios fantasmas, obsesiones y deseos. Volver a la infancia mientras juego personajes, situaciones propias y ficticias. Expresar espacios, tiempos y vivencias a partir del cuerpo, la voz y los silencios. Hacer hincapié en la actuación y en la comunicación con el público”, manifestó.

El hecho de bautizar el espectáculo con un término tan sanjuanino como “sopaipillas” (lo que por estos lados se conoce como torta frita) está ligado al deseo de la artista de regresar a ese lugar de pertenencia.

“El sabor dulce y la textura crujiente de las sopaipillas (compartidas con abuelos, padres y hermanos mientras escuchábamos cuentos, canciones y poesías), me traen recuerdos de aquellos momentos placenteros a la hora de la creación artística. Con este espectáculo he querido revivir ese tiempo”, remarcó María Inés.

Siguiendo la línea de sus creaciones anteriores, como “Cerrojos”, “De Sobremesa”, “La lengua Cosida” y “DiagonAndo Cuentos”, “Sopaipillas” -que tendrá nuevas funciones el sábado 9 de junio en el Museo Dardo Rocha y otra el domingo 17 en el Almafuerte (66 entre 5 y 6)- propone, también, un abordaje a “la identidad femenina y la problemática socio-cultural de nuestro presente”.

Formada junto a María T. Gallac de Sarmiento en el Instituto Superior de Arte Escénico de San Juan y en la Escuela Superior de Teatro de la Universidad Nacional de Cuyo, en 1974 completó la carrera de Formación del Actor y de Juegos dramáticos en la Escuela de Teatro de La Plata, en donde ejerció la docencia entre 1981 y 2009. Desempeñó el cargo de Inspectora de Teatro en la Rama de Educación Artística, dependiente de la Dirección General de Cultura y Educación de la Provincia de Buenos Aires. En 1994 se graduó como Directora Nacional de Teatro en la Escuela Nacional de Arte Dramático. En 1998 egresó del IUNA con el título de Dramaturga Nacional. Como actriz se perfeccionó, entre otros maestros, con: Galina Tolmacheva; Juan C. Gené; Escobar y Lerchundi; Alejandra Boero; Verónica Oddó; Mauricio Kartum; Lorenzo Quinteros; Inda Ledesma; Laura Yusem y Rubén Szuchmacher. Integró el elenco de la Comedia de la Provincia de Buenos Aires en varias temporadas y compartió los escenarios con destacados grupos independientes.

Fuente: EL DIA

Entrevista a María Inés Portillo

MARÍA INÉS PORTILLO

Por Irene Bianchi

Charlamos con María Inés Portillo acerca de su nuevo espectáculo poético y de narración Oral «Sopaipillas», que estará los Sábados 2 y 9 de junio a las 18 hs. en el Museo Dardo Rocha (calle 50 e/ 13 y 14 N° 933, La Plata) y el Domingo 17 de junio a las 18 hs. en el Museo Almafuerte (calle 66 e/ 5 y 6 N° 530, La Plata)

IB: ¿Qué son las sopaipillas, María Inés? ¿Qué te evoca ese vocablo?

MIP: Se parecen a pastelitos dulces que por esta región se llaman tortas fritas. No son una sopa. Así se las conoce en la zona Cuyana y en Chile, también. Los días de lluvia, en las mateadas y sobremesas no faltan las sopaipillas. Con pocos ingredientes (harina, huevo, polvo de hornear, manteca, sal, grasa y leche o agua), se los amasa y se fríen en grasa o en aceite caliente. Luego se espolvorean con azúcar. Las sopaipillas me traen recuerdos de la niñez y la adolescencia en San Juan, cuando las saboreábamos junto al brasero. Es un sabor dulce y crocante compartido con abuelos, padres y hermanos mientras escuchábamos cuentos, canciones y poesías.

¿Cuál es el contenido de este espectáculo?

En este espectáculo he querido revivir aquellos momentos con algunos textos propios y de otros autores como María Elena Walsh, Atahualpa Yupanqui, Lidia Blake, Ángel Espinoza, entre otros. Son textos que interpretaron y compartieron mi vida en la Provincia de San Juan y cuando salí de ella. Mis espectáculos surgen inspirados en esas vivencias. De esa necesidad de decir lo que siento y pienso, en el aquí y ahora. “Sopaipillas” es mi sexto unipersonal.

¿Cuáles fueron tus anteriores unipersonales? 

Los anteriores fueron: Cerrojos, La Violación, De Sobremesa, La Lengua Cosida, DiagonAndo Cuentos. Los temas que más me atraen en la conformación de estas creaciones son los referidos a la identidad femenina, la violencia de género y la problemática social y cultural. Mis referentes actorales son, en primer término, mis padres y abuelos. En el plano profesional, los docentes y  maestros que me formaron en el arte teatral y dramatúrgico.

Solés elegir el formato de “unipersonal”. ¿Por qué?

Hacer un unipersonal es jugar con los propios fantasmas, obsesiones y deseos. Es volver a la infancia mientras juego personales, situaciones propias y ficticias. Expresar espacios, tiempos y personajes a partir del cuerpo, la voz y los silencios. Hacer hincapié en la actuación y en la comunicación con el público.

Fuente: https://irenebianchi.com.ar/

“Orfeo en los infiernos”: una alocada y moderna aproximación al mito griego

 

La Compañía Itinerante, destacada agrupación lírica local integrada por artistas menores de 35 años, estrena hoy su décima producción: la ópera francesa de Jacques Offenbach de la que salió el “Can Can”

María Virginia Bruno

25 de Mayo de 2018

Orfeo y Eurídice son los protagonistas de esta ópera de Jacques Offenbach / C.I.

Destacada agrupación lírica platense formada en 2012, integrada por jóvenes artistas provenientes de diferentes disciplina artísticas, la Compañía Itinerante estrena hoy a las 21 en El Bombín, 59 entre 12 y 13, “Orfeo en los Infiernos”, ópera en dos actos compuesta por Jacques Offenbach en 1858, cantada en francés con subtítulos en castellano.

Bajo la dirección musical de Gastón Aparicio Galeano, y con puesta en escena de Nora Oyola, se trata de la décima producción de la Compañía Itinerante, y la primera de las tres que realizarán en el año.

Parodia del mito fundante del género lírico, y basada en la obra de Gluck, la historia está ambientada en los suburbios de la ciudad de Tebas, en donde la inquieta Eurídice y su esposo Orfeo, un apasionado violinista, muestran los escombros de un desgastado y conflictivo matrimonio. Eurídice confiesa estar enamorada de un joven fabricante de miel llamado Aristeo y planea fugarse con él. Pero Aristeo esconde un oscuro secreto que envía a Eurídice al inframundo. Orfeo, aliviado y feliz por la fatal noticia que involucra a su esposa, recibe la visita de un personaje tirano que, en pos de conservar el status quo y las buenas apariencias, lo obliga a sumirse en un viaje intermundos para recuperar a Eurídice. Su primer desafío es conseguir la ayuda de los dioses, pero... ¿estará el Olimpo libre de problemas?

Con una duración de dos horas y con un intermedio de quince minutos, se trata de una versión aggiornada a los tiempos que corren y “graciosa de cabo a rabo”, según definió el director musical, en diálogo con EL DÍA.

Con referencias a “Star Wars” y “Harry Potter”, la alocada puesta incluye la presencia de un particular Cupido y un Júpiter disfrazado de mosca, realizando el célebre dueto, y una delirante fiesta en el spa devenido en boliche celestial en donde todos terminan cantando y bailando el reconocido “Can Can”, quizás la música más emblemática de esta ópera que, según estimaciones de la agrupación, hace más de treinta años que no se realiza en la Ciudad.

El concepto moderno que inunda la puesta en escena también se trasladó al subtitulado, que no se presenta tan solemne como en los teatros tradicionales, sino con “tecnolectos actuales”, aunque con un cierto cuidado del lenguaje, conscientes de que “algo tan simple como el subtítulo puede llevarse puesta la obra”.

De la puesta participan diez solistas (en total son veinte, que rotan de función a función), un coro de veinticinco cantantes, un ensamble instrumental de diez músicos -viento, percusión y cuerdas-, y un equipo de maquillaje que engrosa a 70 la cantidad de personas que forman parte de esta producción autogestiva.

“El proyecto ha crecido mucho, si bien es complicado llevarlo adelante, y más este año. No sabemos qué repercusiones va a tener con el público”, aseguró Gastón Aparicio, invadido por la incertidumbre reinante en este momento del país.

Austeros y con la capacidad de reinvención que les da la imaginación creativa cuando los billetes no alcanzan, armaron esta producción con un presupuesto de veinte mil pesos, que surgió de una rifa, que planean recuperar y con alguna mínima ganancia que después se reparte entre los artistas que, en general, donan a la Compañía para garantizar próximas producciones.

“Por amor al arte”, podría decirse, sin que suene a cliché, lo que estos chicos -que en su mayoría no superan los 35 años- hacen con este proyecto que no escatima en calidad, porque está amparado por un proyecto más grande de formación, que los tiene perfeccionándose todo el año “para no hacer agua”.

“Siempre apuntamos a que en algún momento, no sabemos cuándo, esto sea al menos un sostén de algún medio de vida”, remarcó Aparicio, quien confesó que “el fantasma de cerrar la compañía está” pero las ganas de seguir adelante son mayores.

“Están apareciendo generaciones de chicos que recién entran a la facultad o en la mitad de la carrera, como estaba yo cuando formé la compañía hace seis años. Entonces, digo, bueno, tal vez podemos tirar un poco más, seguir regando el árbol, para que estos chicos que vienen con tantas ganas nos releven.Estamos en ese momento de quiebre, de decir por qué lo hacemos, porque plata no da. Sin embargo, vemos que funciona. El coro suena bien, es un semillero de cantantes líricos. Es un espacio gratuito: no les damos bordereau a los chicos, pero no les cobramos, tienen asesoría vocal, tienen ensayo de refuerzos, pianistas a disposición, vestuario y maquillaje cuando hay función, y todo gratis”, destacó.

En medio del análisis de las opciones para que la Compañía siga manteniéndose en pie, sin subsidios ni otros ingresos más que las entradas cuando hacen presentaciones, la agrupación lanzará su proyecto “Grandes Mecenas”, proponiendo a la gente un sistema de suscripción mensual de $100 para colaborar con el financiamiento de las próximas producciones de este año (“Las bodas de Fígaro” y “La flauta mágica”, ambas de Mozart), a cambio de un pase al ensayo general de la obra, un reconocimiento en los curriculums y en las redes de la compañía, y una invitación de una copa de vino el día de la función. Los interesados podrán inscribirse en este programa vía redes sociales o los días de función.

En medio de este panorama, la Compañía debatió fuertemente sobre qué valor adjudicarle a las entradas, sabiendo que el real, quizás, “nuestro público no lo podía afrontar”. En este sentido, decidieron generar un sistema de descuento para las reservas -vía Facebook, WhatsApp, o en la puerta del teatro- con un precio de $180, y de $150 para estudiantes, menores y jubilados. El día de la función, las entradas generales, sin numerar y por orden de llegada, se conseguirán por $250.

Tras el debut de esta noche, habrá nuevas funciones el domingo a las 20, , el viernes 1 de junio a las 20, y el domingo 3, a las 20.

Fuente: EL DIA

Fernanda Metilli: “Me va a costar despedirme de ‘Any’, mi monstruito audaz”

 

A punto de estrenar su nuevo unipersonal de stand up, la carismática actriz consolida su paso por la comedia y se luce en “Como el culo”, como una técnica torpe que quiere actuar

Por María Virginia Bruno

20 de mayo de 2018

Fernanda Metilli (Tandil, 33 años), a quien conocimos como una recepcionista distraída y chillona en “La Pelu” (2012) y con la que nos reencontramos dos veranos atrás en ese video viral que protagonizó con su novio Radagast en el que imitaba los “soniditos de la playa”, es una de las grandes referentes del stand up del país aunque, en paralelo, consolida su carrera como comediante, una faceta en la que esta noche la volveremos a ver como parte del elenco de “Como el culo”, en el Coliseo Podestá.

En este espectáculo, una adaptación de “The play that goes wrong”, escrita por los ingleses Henry Lewis, Jonathan Sayer y Henry Shields, que narra las desventuras de un grupo de teatro amateur en el estreno de su obra “Asesinato en la mansión Haversham”, Fernanda se pone en la piel de “Any”, una criatura desopilante que, aunque bienintencionada, hará todo lo posible para entorpecer el desarrollo de la función.

El hecho de ser parte de este espectáculo al que sumó con el fenómeno en marcha, bien recomendada por su amigo incondicional Nicolás Scarpino y con los consejos de la platense Julieta Vallina quien interpretó a su personaje anteriormente, lo vive como “un gran privilegio y honor”, no sólo por “el talento” de sus compañeros (Marcelo De Bellis, Diego Reinhold, Walter Quiroz, Nancy Anka, Gonzalo Suárez y Ariel Basaldúa, además de Scarpino) sino por “la exquisitez de la obra”, con la que se ganó el Estrella de Mar a la mejor actriz de reparto, una distinción que tomó como “reconocimiento a los 10 años que hace que vivo en Capital y a cada una de las obras que hice” .

Según aseguró en diálogo con EL DÍA, el desafío desde lo actoral que asumió con este personaje “fue medir sumamente lo gestual, acostumbrada a utilizar mis expresiones al máximo en stand up o en otras comedias”. Vale aclarar que, en la historia, su personaje no es una actriz en la ficción, como el resto del equipo, aunque tiene muchas ganas contenidas. Por eso, aseguró Metilli, “el desafío es doble y súper divertido”.

En “Any” confluyen matices de varias de sus interpretaciones anteriores -“La inocencia y doble cara de ‘Sarita’, personaje que hacía en ‘Rojo pasión- Rojo sangre’. Y es atrevida y ruda como ‘Erica’, personaje que hacía en ‘Mujeres que (m) aman demasiado’”-, motivo de cariño extra para su criturita, con quien en lo personal tiene varios puntos de contacto.

“Me va a costar despedirme de ‘Any’ porque en ella llevo mucho de mí . Una mezcla de timidez y valentía. Un monstruito audaz”, manifestó.

En relación a cómo la completan las las dos ramas de la actuación en las que incursiona, contó que siempre le gustó hacer las dos cosas a la vez. “Amo hacer stand up pero no haría solamente una carrera de stand up porque me ‘falta ese ritual grupal’. Si bien en mi unipersonal trabajo con amigos detrás del escenario, arriba estás sola . Y no cambio por nada del mundo trabajar en el escenario con colegas . Es maravilloso, nos mantiene vivos. Por eso desde el comienzo siempre hice al unísono dos obras. Siempre con mujeres, amigas: “‘Rojo pasión - Rojo Sangre’” , “‘Mujeres que (m) aman demasiado’”.

Al término de la gira de “Como el culo”, Fernanda comenzará a ensayar con el mismo elenco “Chorros: el banco roba la comedia”, un proyecto que la tiene feliz y entusiasmada. Pero también tendrá novedades standaperas porque en junio Metilli llevará al Maipo Kabaret, los sábados del mes a las 23.45, su nueva propuesta de stand up.

“Croqueta es el nombre de un caballo imaginario que cada tanto aparece para hacerme reír”, dijo Fernanda, sobre el animalito que será parte también de su espectáculo. “Me pareció oportuno ponerle ese nombre porque justamente la croqueta que se come es una mezcla de varios ingredientes. Y este unipersonal es una transición entre lo viejo y lo nuevo, porque tiene material del año pasado con material totalmente nuevo, con mis condimentos de siempre”, anticipó.

Formada con referentes del stand up como Fernando Sanjiao, Martín Pugliese, Martín Rocco y Juan Barraza, y compañera de espectáculos de Nora Schiavoni, Vero Lorca y Dalia Gutmann, Fernanda decidió ser parte de este género tras ver un show de Natalia Carulias del que se fue enamorada. Desde entonces, no ha dejado de crecer, siempre con bajo perfil, entre medio de otros proyectos más populares, como sus participaciones en éxitos televisivos como “Los Únicos”, “Camino al amor” y “Loco por vos”.

Consultada en relación a cómo ve la escena del stand up, elogió su crecimiento “al punto de que hoy hay espectáculos de lunes a lunes”, y destacó que, junto a las redes sociales, este género acercó al teatro a público no habitué. “Que adolescentes y jóvenes vengan a ‘hacer la previa’ a nuestros show, es maravilloso”, remarcó la también integrante de los especiales de Comedy Central y de “La Culpa es de Colón” (versión mujeres), junto a Carulias, Malena Guinzburg, Connie Ballarini y Gutman, que se puede ver los sábados, después de medianoche, por Telefé.

En materia personal, Fernanda está en pareja con Agustín Aristarán, más conocido como Radagast, quien, al igual que ella, vive un presente de gran éxito laboral en medio de una gira que lo llevará el próximo mes a Uruguay y México, entre otros destinos nacionales.

Multifacéticos y multi ocupados, la actriz se sinceró: “Con Agus nos extrañamos mucho (risas), estamos los dos con mil cosas y viajes y nos vemos muy poco. Cada uno vive en su casa así que más nos extrañamos. Pero es parte de nuestra elección y es lindo extrañarse, sobre todo por los reencuentros. Además cada uno debe dedicarle atención a sus hijos; el tiene a Bianki (#Biancaeslomás) y yo tengo a Vicente Garibaldi y Patrañas”, concluyó Fernanda, divertida, en referencia a su perro y a su gato, quienes protagonizan sus intervenciones en las redes sociales.

Fuente: EL DIA

El teatro argentino y la crisis social - Rosario Santa Fé 2018

Cerró en Rosario la 33º Fiesta Nacional del Teatro con buenas obras y pocos discursos

La Fiesta demostró que la calidad del teatro nacional sigue vigente a pesar de la crisis. El INT destacó el plan de remodelación de 55 salas, pero hubo ausencias de discursos.

Por Julio Cejas

"Todo tendría sentido si no existiera la muerte" por CABA

Finalizó anoche la 33º Fiesta Nacional del Teatro organizada por el Instituto Nacional del Teatro en cogestión con el Ministerio de Innovación y Cultura de la Provincia de Santa Fe y la Secretaría de Cultura y Educación de la Municipalidad de Rosario. La movida que incluyó 32 obras provenientes de las diferentes provincias argentinas, tuvo este año un fuerte contenido político y reivindicativo de los temas recurrentes: Diversidad y violencia de género, la lucha por la despenalización del aborto y las reivindicaciones de la mujer enmarcadas en un fuerte apoyo al feminismo. Por otra parte el Instituto Nacional del Teatro que celebró sus 20 años con esta Fiesta, no pudo quedar al margen de los grandes tensiones que siempre intervienen la vida de las instituciones en tiempos de grandes divergencias a la hora de concebir las políticas culturales.

A muchos de los periodistas que venimos participado en ediciones anteriores de esta fiesta grande que organiza el INT, nos sorprendió en la noche de la inauguración la ausencia en el escenario de los principales responsables de esta movida que abarca todas las expresiones de las artes escénicas del país.

Una vez más la mirada poética de la Ministra de Innovación y Cultura de la Provincia de Santa Fe, através de un comunicado que leyó su discípula Mónica Discépola, puso la otra mirada política sobre este acontecimiento nacional.

"La profesión ha crecido y el Instituto regó de Salas el país con enorme esfuerzo de Teatreros y sistemas de fomento nacieron en la provincia más apoyos, más técnica, más escena santafesina", manifestó María de los Angeles "Chiqui" González. En los pasillos del Príncipe Asturias nos cruzamos con Federico Irazábal, ex representante del Ministerio de Cultura de la Nación en el INT, que había sido reemplazado por Florencia Pérez Riba, según el programa de mano de la Fiesta.

Otra figura destacada y reconocida que pasó raudamente por Rosario y cuya presencia resultó tan fugaz como la de Irazábal, fue la de el mismísimo director ejecutivo del INT, Marcelo Allasino que según el diario La Gaceta Tucumana, "partió de viaje oficial por el exterior".

"La ausencia de discursos oficiales de la conducción del Instituto Nacional de Teatro y del Ministerio de Cultura nacional en la inauguración de la Fiesta obligó a buscar los posicionamientos institucionales en las páginas de la carpeta que contiene la programación del encuentro", publicó el colega Fabio Ladetto en la edición del 15 de mayo publicada en el diario tucumano.

El colega recoge precisamente un fragmento de ese texto, donde Allasino comenta que "el INT llega al mayor evento escénico del país en plena consolidación de una serie de procesos iniciados en 2016, que llevamos a cabo a través de cuatro valores: Diálogo, transparencia, eficiencia e innovación", destacando que el Plan Nacional de Infraestructura alcanzó a 55 salas en todo el país.

Por su parte, Miguel Palma que tampoco subió al escenario el día de la inauguración, planteó a este diario que con la experiencia de 1998 -año en que la fiesta se hizo acá-, "yo dije con mucho coraje, si hay que hacerla la hacemos en Rosario. Es un orgullo que voy a compartir con mucha gente, vienen directores, vienen a compartir con nosotros, la gente se acuerda muy bien de esa fiesta. La historia me pone en un lugar reconfortante y yo lo agradezco", dijo el Representante local del INT.

A la hora de evaluar las propuestas de mayor repercusión entre el público local y la crítica especializada, se llevó todos los laureles la notable Todo tendría sentido si no existiera la muerte del talentoso dramaturgo porteño Mariano Tenconi Blanco, responsable también de la dirección.

Por muchas razones la obra conmovió y divirtió al público a lo largo de tres horas con intervalo incluido, y con una temática que se respiraba ya desde el título mismo, donde el amor y la muerte luchaban en un mismo espacio integrado por una familia muy particular.

También proveniente de CABA, se pudo ver Millones de segundos escrita y dirigida por Diego Casado Rubio, impactante historia con un elenco donde sorprende la actriz Raquel Ameri, en la piel de Alan, adolescente transexual con síndrome de Asperter. Un acontecimiento dramático inspirado en hechos reales, donde también la muerte juega una carta fundamental.

Y para completar esta trilogía que mostró lo mejor del teatro porteño de los últimos tiempos subió a escena la potente actriz Lorena Vega en ese maravilloso texto de Cristina Escofet: Yo, Encarnación Ezcurra, basada en las cartas de la mujer de Rosas a su marido.

Santa Fe, ya lo habíamos destacado, mostró dos productos bien diferenciados y de una riqueza poética que contó con la solvencia de dos elencos de dúctiles actores‑creadores: La Biunda un clásico de Carlos Carlino y esa rica experimentación dirigida por el destacado Edgardo Dib: (Esto no es) Calígula.

Otra plaza fuerte como lo es Córdoba tuvo el sello inconfundible del dramaturgo y director Gonzalo Marul con La Clase y Sergio Osses con su versión de Agamenón, volví del supermercado y le di una paliza a mi hijo de Rodrigo García.

Vairoleto, Pechito Libertario proveniente de Neuquén, puso una nota de alto vuelo poético para recordar a este luchador popular con títeres y música en vivo y Érase una vez... el lobizón de Formosa, reivindicó lo mejor del teatro popular basado en la historia de "Nazareno Cruz y el lobo".

Fuente: Página 12

“Revancha spray”: se despide la obra que le da pelea a la tragedia absurda desde un ring de boxeo

 

El Dínamo Teatral presenta este domingo en La Mercería su creación colectiva, bajo la dirección de Claudio Rodrigo

18 de Mayo de 2018 

Escena de “revancha spray”, que se ofrecerá el domingo / el dínamo

“Una peluquería y un ring de box son el ámbito donde se mezclan historias de cuatro seres desesperados, graciosos y llenos de ternura que resisten como pueden y a los golpes, y se desvanecen en el aire como el spray”. Esta es la sinopsis de “Revancha Spray”, la creación colectiva de El Dínamo que, este domingo, bajo la dirección de Claudio Rodrigo, tendrá su última función en La Mercería, 1 entre 36 y 37, desde las 20.

Protagonizada por Gabriela Lage, Víctor Díaz, Matías Gago y Luis Constant, la pieza aborda temáticas como la frustración, la miseria, el abandono, el desamor y la marginalidad desde el humor negro.

Definida por Luis Constant como “un grotesco discepoleano que cruza temas típicos del género”, la obra “fundamentalmente hace pie en una familia que no ha sabido comunicarse, por miedo, por egoísmo, por incapacidad. Ahora todo es un malentendido que estos personajes se abocan a resolver. Buscan una revancha en sus vidas, intentan reparar esos desencuentros familiares, tal vez demasiado tarde”, sumó Claudio Rodrigo.

Sobre la forma de llevar todo este material a escena, el director contó que “el lenguaje y la forma de abordar la obra ha sido desde el primer momento, el humor. Las palabras en esta pieza intentan transmitir lo absurdo de esta relación familiar, las escenas se organizan como en una tragedia, los personajes avanzan hacia su destrucción a pesar de sus intentos por evitar el destino. Podríamos decir entonces y resumiendo, que, ‘Revancha Spray’ es una tragedia absurda”.

En relación a los mensajes directos e indirectos que presenta la obra, Rodrigo aseguró que “dispara muchas metáforas en el espectador, comenzando por esos dos mundos que se cruzan, una peluquería y un ring de box”.

Según indicó, “la vida familiar, sus actividades, sus mundos personales mezclados en un pequeño espacio escénico, donde se pelea y se embellece, un espacio donde se esta completamente solo en el match boxístico y se ventilan los mas ocultos secretos. Un espacio donde conviven el secador de pelo con la bolsa de boxeo, los bigudíes con el protector bucal. En este contexto los personajes resisten como pueden y se desvanecen en el aire como el spray”.

Consultado en relación al aporte que, a su entender, genera “Revancha Spray” a la cartelera local, Rodrigo se enfocó en su forma de narrar, lo que consideró como “una forma de relato escénico que va de la mano, a mi entender, de la búsqueda actual de el teatro de nuestra región”.

Esta obra se ofrecerá en la flamante sala La Mercería, un nuevo espacio teatral creado a pulmón y en conjunto por las compañías El Dínamo y El Esférico. Este fin de semana, además de “Revancha Spray”, la sala ubicada en 1 entre 36 y 37, presentará “Sherlock Holmes. El sabueso de los Baskerville”, la genial obra protagonizada por Martín Mendivil y Emilio Berasain, con dirección de Ana Clara González, hoy a las 21.30. Mañana, en tanto, también se ofrecerá “Rieles de la Patria”, creación colectiva con dirección de María Guillermina Andrade, con las actuaciones de María Eugenia Molinuevo, María José Bonilla Mayer, Rosario Farías, Amelia Pugliese, Mauro Panuncio, Flavio Bosco y Diego Bezzi.

Fuente: EL DIA

EnTi: otra cita con el teatro independiente

ESPECTÁCULOS | DESDE HOY Y HASTA EL DOMINGO EN 17 Y 71

18 de Mayo de 2018 | Edición impresa

RANCHO CARANCHO

Desde hoy y hasta el domingo se realizará el 2º Encuentro de Teatro Independiente – La Barraca, EnTI, organizado por los integrantes del grupo de teatro independiente “La Barraca” junto al “Centro Cultural Estación Provincial”. Las entradas, de carácter libre y gratuito para todas las obras, podrán retirarse una hora antes de cada función en la Estación Provincial, 17 y 71.

Del encuentro, que se llevó a cabo por primera vez en 2017, participarán 10 elencos de teatro independiente de distintas localidades.

“Creemos importante que en una ciudad con tanta producción teatral como la nuestra, se realice un encuentro de estas características, para fortalecer el vínculo con otras regiones, generar un intercambio que produzca un crecimiento artístico y personal, y promover la actividad teatral en el barrio buscando crear nuevos públicos” apuntaron desde la organización.

El EnTI contará con espectáculos teatrales para público infantil y adulto: obras de títeres, teatro, monólogos y música, que se realizarán en los distintos espacios del Centro Cultural Estación Provincial.

Para ver hoy: 18:30: Apertura Hall de la Estación; 19: “Bety Godt, La inconquistable”, del Grupo Carozo de durazno- Sala A; 20:30: “Moliere, el envenenado”, Teatro Poquelín, Santa Clara del Mar- Sala Lidia Sampallo; 22: “Potestad”, La Granada Mar del Plata.

Para ver mañana: 17: “La Bruja de los Ojos”, Grupo Conjugar al Monstruo - CABA; 18:30: “Jueves de comadres”.

Grupo LAM Teatro, Saladillo; 20: “Partida…la espero alegre”, La Colmena, CABA; 22: “A la gran masa Argentina”, Grupo Esse Est Percipi, Rosario (Santa Fe).

Para ver el domingo: 18: “Rancho Carancho”, Grupo Fantoche Violeta, Quilmes; 19: “Lo Discepolín”, Compañía Teatral Ambulantes LP, La Plata; 20: “Lobería”, Grupo Teatral Lado B, CABA.

Fuente: Diario El Dia de La Plata

CTV - AGENDA - 3 OBRAS EN ESPACIO 44

 

 Fuente: UNLP TV

“Apnea -no se puede respirar-”: un relato “esperpéntico” sobre el devenir histórico de nuestro país

 

En mayo continúa mostrándose la pieza escrita y dirigida por Susana Tale en la que seres fantásticos matizan la realidad

María Virginia Bruno

12 de Mayo de 2018

Susana Tale escribió y dirige “Apnea -no se puede respirar-”, un texto dramático que, indagando en el humor y la desmesura, ofrece un relato “esperpéntico” de nuestro destino histórico, con seres fantásticos que ayudan a que la realidad sea un poco más digerible.

La obra, que acaba de estrenarse en Espacio 44 -44 entre 4 y 5-, sala con calor de hogar para el grupo teatral que los recibirá hoy y los siguientes sábados de mayo siempre a las 20, está protagonizada por Cecilia Coleff, Constanza Mosetti, Hugo César Martínez, Natalia Risso y Ayelen Dias Correia.

Ambientada en la costa patagónica entre fines del siglo XX y este 2018, la pieza nos habla “de desencuentros, de dualidades, de exilios. De nuestras asfixias, de lo que nos impide respirar aquí mismo”, según contó la dramaturga y directora en diálogo con EL DÍA. Para evitar el lugar común y la asfixia misma por la oscuridad de la temática, la narración se presenta diferente, en una dinámica de “capas” que busca que sea el espectador el que elija con qué quedarse.

“Hay humor negro, momentos kitsch, otros dramáticos. Yo lo defino como un modo esperpéntico de contar. Hay capas tristes debajo de la bizarría”, explicó Susana Tale sobre la historia que incluye, además, “algunos seres fantásticos como protagonistas”, como para que el drama, de alguna forma, se filtre y se muestre diluido.

“A mí como autora me interesa mucho cuidar la sonoridad, la poética de la palabra teatral. Me hago cargo del decir de los personajes. Y creo que esta vez, a pesar de que llegamos al texto de un modo distinto y de que la trama no es verosímil, se mantiene esa estilización”, manifestó la directora, quien, “a mayor irrealidad del texto”, se enfoca “principalmente en la verosimilitud de las actuaciones”.

“Apnea -no se puede respirar”, que los domingos de junio tendrá la desafiante tarea de conquistar al público porteño desde la sala del Teatro Payró, significó un quiebre para Tale, acostumbrada a escribir la obra y llevarle la propuesta a los actores, “a veces después de años de visitarla en mi cabeza, una y otra vez”. Pero este proyecto nació diferente. “En este proceso, observé sus movimientos, sus palabras y sus deseos para dibujar los personajes. En cada ensayo avanzaba un poquito en la escritura. Era un intercambio imprevisible. Por la mitad, sinceramente, me preguntaba si la trama aparecería. Pero apareció. Tuve, tuvimos, que escucharnos mucho, confiar mucho y domar la ansiedad”, contó.

La pieza surgió en el seno de un grupo de artistas –Cecilia Coleff, Natalia Risso, Coni Mosetti, Hugo César Martínez y Susana- que viene desarrollándose en colectivo desde 2010, el mismo equipo detrás de “Tiempo atrás ellas también habían tropezado” y “Una Mujercita vestida de Negro. Melodrama anarquista”, que Tale escribió y dirigió.

“Ya nos conocemos en profundidad y coincidimos en muchos de nuestros proyectos y búsquedas. Coincidimos bastante en nuestra mirada del mundo. A fines del 2016 surgió la necesidad de generar un nuevo trabajo y también una forma distinta de llegada al texto dramático. Y cambiar los colores de nuestra paleta, tensar la voz de nuestra ‘máquina’, indagar en el humor y la desmesura”, remarcó la autora.

La inclusión de Ayelen Dias Correia terminó de consolidar el equipo y “Apnea” comenzó a ensayarse (se trabajó durante todo el año pasado) a partir de algunas consignas de Susana, de las que surgieron asociaciones caóticas como el capitán Cousteau, Gabriela Sabatini, Cher, los mellizos Reggiardo Tolosa, el pop, José Hernández, todas juntas y mezcladas. “Recogí las ideas que iban surgiendo de estas improvisaciones y les di forma en el texto. A medida que avanzábamos aportaron también el músico, la escenógrafa, las chicas de cine – hay filmaciones como parte de la puesta -”, reveló sobre cómo la propuesta fue tomando forma hasta delinearse. El resultado, admitió la autora, la tiene muy entusiasmada.

La pieza, que a mediados de año volverá a la cartelera platense, es parte de una de las cuatro obras teatrales del libro “Insumisas” que reúne parte de la dramaturgia de Susana Tale, que acaba de publicar la Editorial de la Universidad de La Plata, libro –con prólogo de Claudia Fino e ilustraciones de Manuela Coll Cárdenas- que seguramente en junio se presentará en la Ciudad.

Ficha técnica

Obra: “Apnea – no se puede respirar -”. Dramaturgia y dirección: Susana Tale. Elenco: Cecilia Coleff, Constanza Mosetti, Hugo César Martínez, Natalia Risso y Ayelen Dias Correia. Escenografía: Margarita Dillon. Iluminación: Daniel Gismondi. Diseño sonoro: Agustín Araneda. Gráfica: Manuela Coll Cárdenas. Vestuario : Victoria Lamoureux. Audiovisuales: Aylén Herradón y Ariadna Aylés. Asistencia técnica: Jazmín García Sathicq.

Fuente: EL DIA

Mañana comienza la 33° Fiesta Nacional del Teatro - Rosario 2018

Mañana comienza la Fiesta Nacional del Teatro en Rosario, que contará con un total de 32 espectáculos nacionales

Por Redacción Diario Vivo viernes 11 de mayo de 2018

Un total de treinta y dos espectáculos de todo el país están invitados a la edición número 33 de la Fiesta Nacional del Teatro, que se desarrollará en la ciudad de Rosario entre mañana y el sábado y 19 de mayo, resultantes de las distintas Fiestas Provinciales que organizó el Instituto Nacional del Teatro junto a sus filiales.

La Fiesta comenzará mañana a las 18 en el Teatro Príncipe de Asturias, del Centro Cultural Parque de España (Sarmiento y Río Paraná), con “Ubú”, dirigida por Elena Cerrada con idea y realización general del elenco cordobés Cirulaxia Teatro -Carlos Possentin, Gastón Mori, José Luis de la Fuente, Adriana García y Víctor Acosta-, una obra escrita por el francés Alfred Jarry, estrenada en 1896 y productora en ese momento de un gran escándalo.

En el mismo lugar y también con entrada libre y gratuita, se ofrecerá a continuación “100% locos”, de la ciudad de Santa Fe, historia de cuatro artistas de circo que se reencuentran luego de muchos años para dar la función de sus vidas; actúan Rodrigo Moller, Caterina Stefanoff, Iván Boasso y Damián Foray.

De la Ciudad Autónoma de Buenos Aires concurrirán obras destacadas por la crítica y el público como “Millones de segundos”, escrita y dirigida por Diego Casado Rubio, un drama sobre la identidad de género con una explosiva actuación de Raquel Ameri, la excesiva y ocurrente “Todo tendría sentido si no existiera la muerte”, con dramaturgia y dirección de Mariano Tenconi Blanco, premiada en varios ámbitos, lo mismo que el aparente unipersonal “Yo, Encarnación Ezcurra”, de Cristina Escofet, dirigida por Andrés Bazzalo, con la deliciosa Lorena Vega y un grupo musical que colabora en el encanto.

La Fiesta Nacional del Teatro es una iniciativa del INT en cogestión con el Ministerio de Innovación y Cultura de Santa Fe y la Secretaría de Cultura y Educación de la Municipalidad de Rosario, una oportunidad de conocer la infinita calidad de la escena argentina actual, cuyos elencos provinciales desmienten el aserto de que el teatro de calidad y sus maestros sólo son porteños.

 Prueba de eso son directores como el cordobés Gonzalo Marull, que llevará su obra “Clase”, de Guillermo Calderón, o el santafesino Edgardo Dib, que aportará “(esto no es) Calígula”, una de sus particulares versiones de clásicos que en este caso refiere a Albert Camus, aunque antes se atrevió con Chéjov, Sánchez, García Lorca y otros intocables.

Otros que aspiran al aplauso en una Fiesta que no reparte premios, es el emigrado Iván Moschner que con un elenco de su provincia, Misiones, presentará “De madres y de niños. Ríos de teatro”, que escribió y dirige, y el cordobés Sergio Osses, que llevará “Agamenón. Volví del supermercado y le di una paliza a mi hijo”, de Rodrigo García, que ya participó de la Fiesta en otra edición y con dirección de Emilio García Wehbi.

Otras reversiones son la salteña “La moribunda”, de Alejandro Urdapilleta y Humberto Tortonese, esta vez por el Grupo Las Mortadela RIP, la bonaerense “Como la espuma de un mar enorme”, sobre textos de Urdapilleta, con dirección de Mauro Oteiza y Vicky Pezzutti; “La edad de la ciruela”, de Arístides Vargas, dirigida por Luis Molina, de la provincia de Chubut, un título que habrá que ver por las cantidad de enfoques que ha tenido esa prestigiosa obra, más “Mujeres soñaron caballos”, de Daniel Veronese, dirigida por Julio Gre, de La Pampa.

Otros espectáculos que se verán son “La teoría del olvido”, con dramaturgia y dirección de Nicolás Blandi, “Montaraz” (La Plata), con dramaturgia y dirección de Braian Kobla, y “La Biunda”, de Carlos Carlino, con dirección de Marina Vázquez y María Flavia Del Rosso, ambas de la provincia de Buenos Aires, “Guía semanal de ideas”, con autoría y dirección de Gastón Díaz, de Entre Ríos.

 

La lista sigue con “El experimento calva”, escrita y dirigida por Ulises Camargo (Chaco), “Los Reídos”, escrita y dirigida por Luigi Serradori (Corrientes), “Érase una vez… el lobizón”, de Darío Basualdo, dirigida por Lucas Ezequiel Ramírez (Formosa), “El carozo del invierno se llama Primavera”, de Luis Franco, Maria Teresa Pompei y Carlos Gaibiso, con dirección de Pompei (Catamarca), “La voz del viento”, de Roberto Vázquez y Olimpa Zarraga, dirigida por Germán Romano (Jujuy).

Esa es apenas una muestra de lo que será la Fiesta rosarina, que se desarrollará en más de una decena de ámbitos, y que tendrá espectáculos invitados, obras de elencos locales, seminarios, talleres, presentaciones de libros, “devoluciones” de las obras vistas la jornada anterior, premios a la trayectoria teatral nacional y de colectivos escénicos.

(Con información de Télam)

Fuente: https://www.diariovivo.com/manana-comienza-la-33-fiesta-nacional-del-teatro/

“El templo del rock”: oda a un bar desde donde la movida mutante platense resiste

 

Mañana y el sábado se realizará el estreno del documental de Osvaldo Sudak sobre el epicentro de la música local

10 de Mayo de 2018 

“El templo del rock” / Osvaldo Sudak

El estreno iba a ser el viernes pasado, pero la Ciudad se quedó sin luz y Osvaldo Sudak, realizador de “El templo del rock”, rockumental por los 10 años de Pura Vida, tuvo que esperar: el domingo se realizó una especie de preestreno chico en el bar que ha oficiado de usina del rock platense en la última década, pero finalmente el estreno “oficial” será mañana, en el Cine Select del Pasaje Dardo Rocha, en un evento que incluirá un show en vivo previo a la proyección a cargo de Embajada Boliviana.

El evento, que volverá a repetirse el sábado con show previo de Leo Road y Horrorwhite, proyectará en la pantalla del Select una cinta de dos horas que además de retratar las ya míticas fiestas del “Pura”, la diversa movida rockera local y la lucha que se vive hace años para evitar la clausura del bar, homenajeará a Caio Armut, referente del lugar fallecido recientemente.

“Una sobredosis de rock and roll”, define Sudak el filme, porque ese recorrido se hace a través de los shows en vivo y entrevistas a 60 bandas, que relatan la lucha del Pura: entre los combos que suenan en el rockumental se cuentan Pérez, Miró y su fabulosa orquesta de juguete, Embajada Boliviana, Billordo, Yaitans, Mostruo!, Hojas Secas, Los Bluyines, Guacho, Malayunta y Santiago Motorizado.

“Encontré un universo cinematográfico hecho: solamente tenía que caer en las fechas correctas, decidir qué filmar”, cuenta Sudak, que comenzó con el proyecto de “El templo del rock” tras filmar “Alto bardo”, documental sobre “una fiesta que hice en mi casa, se descontroló, y vino la policía”: Sudak entrevistó y filmó a las bandas que tocaron en su casa aquella noche en Pura Vida, donde conoció a Diego Cabanas, dueño del lugar.

En medio de aquel rodaje, comenzó el último enfrentamiento de Pura Vida con las autoridades para evitar la clausura, y nació así la nueva película de Sudak, que le dijo a Cabanas: “Con esto hay que hacer una película, porque la realidad supera la ficción”. Cabanas abrazó la idea, sumando además que el décimo aniversario del bar estaba por cumplirse: todo redondo.

Sudak se lanzó así a retratar a través de los músicos que se presentan en el establecimiento la energía de la movida local y la lucha de Pura Vida como un espacio simbólico de la resistencia artística, que se concentra en espacios culturales que “le joden” al Estado porque “son justo los lugares donde no se puede controlar lo que se piensa”.

“NO LO PUEDEN CONTROLAR”

El cineasta realizó esta búsqueda desde otro espacio en lucha como el cine: para Sudak “todos los gobiernos” intentan “tomar el control del cine, el control de los medios, para ser único difusor de la cultura, cerrar todo y reducirlo a las opiniones oficialistas”.

“Pero estos lugares no los pueden controlar”, dice sobre el cine, el arte y, puntualmente, sobre Pura Vida: “No pudieron cerrarlo porque cortaron la calle, fueron mil personas a manifestarse, recibieron apoyo de gente muy grosa que desfiló por el bar. Todos se pusieron esa camiseta porque representa un lugar de libertad donde se hace arte”.

Y eso, a pesar de que el Pura es un espacio comercial. Sin embargo, ha construido su mística a partir de un espíritu más ligado a lo cooperativo, permitiéndole a bandas sin antecedentes debutar en su escenario “y a todo lo que no es mainstream existir”, brindando un escenario, luces y equipos a las bandas y también la puerta, lo que le permite a los grupos ganar incluso un poco de dinero.

Ubicado casi simbólicamente frente a la Facultad de Bellas Artes, Pura Vida se transformó a partir de esas premisas en una usina de rock y expresión que “se hace eco de lo que pasa en su época: si la gente tiene hambre, si no puede expresarse, si retrocedemos en materia de derechos humanos, si se pierden lugares que se habían ganado, el rock se hace eco”.

Y Sudak también se hace eco de los tiempos: evitó mostrar bandas con denuncias por acoso y dio particular voz a eventos que tienen como eje la lucha feminista y por la diversidad de género, como las fiestas drag, “que me aportaron el glamour”, y las Wachas Riot, donde tocan bandas de chicas.

Con todos estos condimentos, su película se inscribe como una más dentro de su filmografía políticamente incorrecta. “Desde lugares así no puedo pedir subsidios de nada”, cuenta risueño sobre el financiamiento del filme el cineasta, que confiesa que la película fue realizada con cero pesos: Sudak filmó, tomó el sonido de Pura Vida y la posproducción fue realizada ad honorem por gente del bar.

El espacio de Pura Vida, un lugar chiquito donde la cercanía con la banda es total, permitió “mostrar el rock de una forma que otro cineasta no puede hacerlo”, cuenta Sudak, que buscó “no hacer un documental periodístico, sino darle a la película un marco mítico: quería hacer una película de rock donde si tenía que elegir entre la verdad y la leyenda, me quedo con la leyenda”.

Allí emerge la idea de Pura Vida como un “templo pagano” donde los creadores de la alquimia que fusiona arte, lucha y amistad son los músicos: “La película se cuenta a través de los músicos y su entrevista: no hay una voz en off, son ellos mismos los que van contando la historia y fui tratando de encontrar entre ellos mismos disidencias”, explica Sudak, porque, como dice el cineasta que decía Pepe Fenton, “el rock es la imposibilidad de la síntesis”: no hay una intención didáctica, entonces, sino el retrato de un movimiento colectivo vivo, contradictorio, mutante, que tiene su epicentro en ese templo platense.

Para agendar

•Qué: “El templo del rock”, proyección del documental con show de Embajada Boliviana (mañana) y Leo Road y Horrorwhite (sábado)

•Cuándo: Desde las 22. Los shows comenzarán antes de la proyección.

•Dónde: Cine Select, 50 entre 6 y 7

Fuente: EL DIA