Jazmín García Sathicq lleva a escena "Cerca de los cuerpos, lo sagrado"

 

La obra es un proyecto becado por el Fondo Nacional de las Artes que indaga sobre el concepto de lo sagrado. Estreno el 18 de octubre en La Grieta de la Ciudad de La Plata. 

Por Ro Tierno

Ph: Juan Araya

El título quizá tendría que haber sido esta cita de la dramaturga y directora platense Jazmín García Sathicq: “la historia del teatro platense es la historia del teatro independiente”, y en esa historia ella es, sin duda, una de las actuales exponentes. Con más de 20 años de trayectoria, una vida dedicada al teatro (empezó a los 7 años), Sathicq emprende una vez más el  arte de montar una obra: Cerca de los Cuerpos, lo sagrado, de su autoría y dirección.

El proyecto comenzó con la lectura de Poética de lo sagrado (Colihue, 2015), de Adolfo Colombres, que llevó a la autora a realizar una investigación acerca de la noción de lo sagrado en distintas culturas, y de allí “pensarlo en el hoy, en el hombre y la mujer contemporánea, para repensar la vida en relación a lo sagrado y lo profano”, aclara.

Se trata de una obra que si bien contiene lo teatral, plantea un acercamiento a la temática desde lo performático y lo visual, apelando a la creación de imágenes sonoras, corporales, visuales, que interpelen al espectador desde el imaginario y desde su propia noción de lo sagrado. “La idea es que puedan replantearse su cosmovisión, su visión de lo sagrado, su cultura, su forma de ver y pensar el mundo y las cosas. Si bien hay historia, hay personajes, no es narrada de una manera clásica ni convencional”.

Cerca de los cuerpos, lo sagrado, tiene diseño y realización sonora de los músicos performers Vladimir Zegarra, Loren Schaller Aramburú y Bernardo Bergsztein. Un despliegue de diversos instrumentos en escena logra crear una sensación de ritual, el espacio como ‘templo sagrado’.

Si bien solemos asociar lo sagrado a lo religioso, la dramaturgia pretende ir más allá y abordar el concepto desde el ser, despojado de género y condición social, ir por fuera de los sistemas religiosos y alcanzar una consciencia y exploración sobre la existencia. Sobre esto, Sathicq expresó que en la investigación previa encontró una forma de pensar lo sagrado: “Lo sagrado es una forma de ver al mundo. Cuando uno cree que la vida, la naturaleza, las personas, tienen un lugar de vínculo directo con el sentido de la existencia y del mundo empieza a significar todo de otra manera. No tiene que ver con lo religioso en sí, en cuanto a creer que existe un dios, sino empezar a conectar con la vida, la naturaleza, y los otros, de la manera que eso cobre una entidad sagrada para uno”.

Tarea complicada para estos tiempos donde, si bien existe una conexión, cada vez es menos palpable y relegamos a una pequeña pantalla la cálida y a veces incómoda tarea de mirarnos a los ojos. “Es un interés poner en juego en la obra esto que dice Adolfo Colombres sobre la época del vacío, el concepto de vaciamiento, que está relacionado con este hombre posmoderno que se basa solo en lo racional y va creando una distancia con los seres y su sentido de vida, se va aislando. Él dice que esto no es casual, es producido, con el objetivo de que cada vez las personas se vinculen menos, sueñen menos, como un debilitamiento de la esencia del vivir del hombre”, comentó Jazmín. 

¿Qué balance podés hacer de todo este tiempo haciendo teatro?

El teatro es inagotable, no basta la vida de uno para encontrar exactamente la definición de qué es. Sí el sentido, porque tiene que ver con una búsqueda existencial dentro de un lenguaje que siempre está de la mano con los temas que te interpelan, que te atraviesan, en la búsqueda de un lenguaje poético, con un resultado estético pero a la vez metafórico que hable de lo que uno quiere hablar, entonces es todo un universo que se pone a disposición de la creación para encontrar sentido a la vida, a las cosas. Creo que ese es un gran lugar de aprendizaje sobre la vida, usando el hecho teatral.

¿Cuáles siguen siendo las dificultades de encarar un proyecto teatral?

Por un lado los artistas tenemos un ímpetu de hacer y vamos a seguir haciendo sea favorable o no el lugar de la política cultural que se le da al teatro y a la promoción del mismo, y por otro lado son hechos que desfavorecen o favorecen la producción. Hay una realidad política y económica que influye, estamos viviendo en crisis hace varios años ya, con toda la inflación que hay lo primero que suelen recortar las personas es el tiempo ocio, para el disfrute, el placer, y en eso entra la cultura, dejan de ir al teatro, de ver música, de escuchar poesía y se apoyan más en los dispositivos tecnológicos que son aparentemente de menor gasto pero el costo que se llevan es otro.

¿Crees que existe una forma del teatro platense?

Algo muy propio es la producción autogestiva, prácticamente no hay lugares oficiales de producción, si bien está la Comedia de la Provincia son pocos los espectáculos al año que genera, entonces la mayor producción es de teatro independiente. Eso es lo más importante, la historia del teatro platense es la historia del teatro independiente. Tiene siempre un compromiso político, un compromiso en la búsqueda del propio lenguaje, de crear nuevas formas, nuevas estéticas y que abarca un gran panorama de diversidad de propuestas, no sólo en géneros y estéticas, sino también en teatro para chicos, adultos, etc.

¿Por qué crees que el público debería ver esta obra?

Está bueno pensar para qué va uno a ver arte, en búsqueda de qué. Y creo que ahí está la propuesta, poder encontrarse con un lugar mucho más sensorial, existencialista, con un sentido de belleza que atraviesa las afectaciones humanas en cuanto a las sensibilidades, pero que busca una transcendencia para buscar el sentido. Esperaría que puedan encontrase como seres sensibles sintiéndose atravesados y que se vayan con muchas preguntas acerca de su vida. 

Forman el elenco de Cerca de los cuerpos, lo sagrado les performers, bailarinas y bailarines, actores y actrices: Laura Belmonte, Renée Zgainer, Jésica Alegría, Nahuel Ortiz, Alejandro Labaronne y Jonatan Anaquín. El vestuario y escenografía es de Pheonia Vélez y Sofía Camparo; diseño y realización sonora de los músicos performers Vladimir Zegarra, Loren Schaller Aramburú y Bernardo Bergsztein; asistente de dirección Mariano De Castro; dramaturgia y dirección de Jazmín García Sathicq.

Estará los días 18, 19 y 20 de octubre en La Grieta, y luego tendrá funciones en la Sala 420 y El Dínamo.

Fuente: El Pasajero - Septiembre-Octubre 2019 / Año 23 - Nº114

“Las esposas”: suspenso, tensión e impaciencia a lo Hitchcock en las tablas

 

Bajo la dirección de Fabián Martín, la pieza de Daniel Santos que pone a prueba al espectador ofrece sus últimas funciones

"Las esposas"

Tras una serie de exitosas presentaciones en la Ciudad, “Las esposas”, de Daniel Santos, bajo la dirección de Fabián Martín, se despide este sábado de la cartelera platense con una historia de suspenso hitchconiana que pondrá al espectador en el banquillo… del jurado.

La pieza, protagonizada por Carolina Mónico, Gastón Beltramini y Guillermina Mónico, está ambientada en los años 50 y presenta a un hombre, que, desde Bariloche, llega a Buenos Aires con la idea de cobrar la herencia de su esposa desaparecida, a quien cree muerta. Sin embargo, cuando entra a la habitación del hotel en el que se aloja se sorprende al encontrarse cara a cara con ella. La que ve, ¿es realmente su mujer o está soñando? Ella le presenta pruebas, lo quiere convencer, pero él no la reconoce.

En medio de esa confusa situación, una amiga de su esposa llega a la habitación y certifica que sí, que es su mujer, que está viva. Pero él no está seguro, duda. La realidad de este hombre empieza a derrumbarse, cayendo en la confusión. ¿Quién dice la verdad? ¿Quién miente?

De esto va “Las esposas”, el thriller teatral de Santos -reconocido por su amplia trayectoria como autor y director de obras de suspenso- que tendrá dos últimas funciones este sábado, a las 20 y 21.30 en Escenario 40, 40 entre 18 y 19.

En su primera lectura, Fabián Martín encontró en el texto señales que consideró que podrían cuadrar a la perfección con la estética sembrada en las películas de Alfred Hitchcock, y no dudó en incorporarla a su puesta.

Se trata, según definió en diálogo con EL DIA, de “un suspenso que si lo vemos ahora es algo light”, algo ideal para el texto que se presenta “tranquilo, con bastantes idas y vueltas”.

Admite el director que es difícil generar en el teatro el clima de tensión permanente que reina plácido en los formatos audiovisuales, por eso, “lo que hicimos fue dar tiempos, crear suspenso entre las miradas, con las luces, con la música”.

JUEGO DE REPRESIÓN

El peso, claro, también está puesto en la capacidad interpretativa del elenco, “que, como un realismo ruso, dice una cosa con la voz pero otra con el cuerpo”, siendo parte los actores de un juego de represión de sentimientos, en tanto sus personajes tienen algo que ocultar y que deben disimular.

A través de diferentes recursos cinematográficos, que hasta incluye un flashback para “enriquecer un poco más el texto”, la puesta pone al espectador como el cuarto protagonista de esta historia, en tanto debe ir siguiendo los acontecimientos con mucha concentración para dilucidar a quién le cree, a quién no, y por qué.

“El rol del espectador está buenísimo porque juega a quién creerle. Es lindo ver lo que pasa con la gente porque le damos las herramientas para que cada uno arme su propia historia”, cierra Martín, para quien el teatro, además de entretener, tiene que hacer reflexionar.

Fuente: EL DIA

“La plaza de los sueños perdidos”: a la pesca de memorias, historias y deseos

 

TEATRO PARA TODA LA FAMILIA

Canela Corno en “La plaza...”

“La plaza de los sueños perdidos”, con dramaturgia y dirección de Diego Biancotto, una historia que va al rescate de memorias, historias y deseos, volverá este fin de semana a la cartelera platense.

La obra, que se estrenó en julio en el Teatro Estudio y que realizó funciones durante las vacaciones de invierno en el Pasaje Dardo Rocha, está protagonizada por Canela Corno y Estanislao Pedernera, y se ofrecerá este domingo a las 17 en La Lechuza, 58 entre 10 y 11.

En el espectáculo, una plaza y un aljibe guardan los deseos de la gente, y una chica y un chico juran una promesa: “Nunca dejar que nuestra plaza desaparezca, porque es la memoria de nuestro corazón”. El tiempo pasa, crecen, se separan. Pero algo pone en peligro la plaza. ¿Podrán mantener su promesa?

Partiendo a partir de una premisa de Giraudoux, que asegura que “el signo es la cosa predominante en el teatro”, esta obra plantea un dispositivo que permite múltiples miradas sobre una historia sencilla.

La propuesta nace fundamentalmente con el objetivo de recuperar memorias, historias y sueños. Para repensar en aquellos espacios que, tal vez, se ven como estancos, cotidianos o intrascendentes, para desentrañar la trama de historicidad que encierran esos lugares.

En “La plaza de los sueños perdidos”, cuya dramaturgia fue seleccionada por el Consejo Provincial de Teatro Independiente (CPTI) para formar parte de un libro con otras tres obras de teatro de la Ciudad, la actriz y el actor, son encargados de ir contando la historia de la plaza, y al mismo tiempo, irán produciendo un video animado en vivo. Jugar a jugar, invitando a las miradas a seguir jugando.

Fuente: EL DIA

“Rodishera”: el clásico de Tchaikovsky bombardeado por iconografía pop

 

“El Lago de los Cisnes” es abordado desde la danza contemporánea en la nueva obra de la compañía DO2

BEDER REYES Y FLORENCIA OLIVIERI / DO2

El grupo de artes escénicas DO2 estrena en La Plata su nuevo espectáculo “Rodishera”, un abordaje diferente, desde la danza contemporánea, a una de las obras más clásicas del compositor ruso Piotr Ilich Tchaikovsky.

Con dirección y puesta de Jerónimo Buffalo, la obra está protagonizada por los performers Florencia Olivieri y Beder Reyes, quienes, en escena, interpretan una versión moderna de “El Lago de los Cines”, buscando deslumbrar a los espectadores mediante un bombardeo de iconografía pop.

“Rodishera”, que fue estrenada en agosto pasado en el marco del festival internacional DANZAR en Santa Fe, fue descrita por Florencia Olivieri en diálogo con EL DIA como “un gran absurdo”, una reflexión, desde la danza, sobre este presente poco original.

“Tomar un clásico y abordarlo desde la contemporaneidad parte de esta idea de reciclaje que solemos ver, por ejemplo, en series de la famosa plataforma o las remakes”, advierte la bailarina y docente platense y remarca que “hay una mercado donde ‘ya está todo hecho’ y ‘Rodishera’ lleva al extremo esa postura”.

En la pieza, el espectador podrá encontrar “guiños a clásicos del cine popular, a técnicas relacionadas a la danza y el teatro, a la música, a diferentes formas de representación contemporáneas”, anticipa Olivieri sobre el espectáculo que, en el fondo, aunque no tanto, esconde una crítica social.

Según la artista, la obra nace “en medio del contexto socioeconómico que atraviesa el país”, y que no excede, lógico, al universo de la cultural y el arte. En este sentido, la compañía fue aprendiendo, en estos últimos años, a producir en la adversidad y, esta crisis, sin embargo, les abrió algunas puertas creativas.

“En ese ajuste uno va buscando fórmulas para atraer al público, para acceder a festivales y/o para adquirir un apoyo económico. En esa búsqueda nos dimos cuenta que a veces se ingresaba en una línea entre el ‘esto es lo que se vende hoy’ y lo que nosotros considerábamos como un arte genuino de la compañía. Notamos que es algo que también nos trascendía a nosotros como artistas alternativos”, confiesa.

Así se volcaron a la fuente motora de estos días, las redes sociales, que, según Olivieri, “recrean muchas veces una atmósfera de supuesto reconocimiento o de novedad y el mercado del arte alternativo y sus actores no son ajenos a ella”.

“Rodishera” se propone así como una burla a todo este copy paste en el que se fue convirtieron la supuesta originalidad. “Con la obra nos reímos de eso, nos burlamos y nos pusimos en ridículo para poder sobrellevar de alguna forma esta supuesta ‘alegría’ que nos quisieron vender o esta atmósfera del creernos Ricky Martin o Lady Gaga pero con tarjetas SUBE -si nos esmeramos-”.

La compañía DO2, integrada por Jerónimo Buffalo y Florencia Olivieri, viene realizando desde hace años un interesante recorrido en las artes escénicas, entre el teatro, la danza, la música y otras disciplinas que, en este espacio, se presentan mestizas.

La obra se estrenará esta noche, a las 21, en 17 y 68.

Fuente: EL DIA

Telón cerrado en el Teatro Argentino de La Plata

Los trabajadores reclaman por el abandono

A pesar de los anuncios y promesas del Gobierno de la provincia de Buenos Aires, las refacciones de la sala no avanzan, y casi nada funciona; los escasos espectáculos de la programación giran por otras salas. Hoy habrá una protesta callejera.

Por Santiago Giordano

El Teatro acumula un sinfín de problemas edilicios y artísticos.

El Teatro Argentino de La Plata, uno de los más importantes de Argentina y Latinoamérica, atraviesa una profunda crisis estructural. A los problemas edilicios propios de la falta de manutención en un edificio mastodóntico, se suman problemas de gestión y de índole artística que limitan drásticamente sus funciones y su sentido. Su sala principal, la Ginastera, está cerrada desde 2017, y a pesar de los anuncios, no hay fecha cierta de reapertura. Filtraciones de agua, baños rotos, matafuegos vencidos, red de incendios caduca, falta de calefacción, de insumos y material de trabajo en general, son algunos de los detalles que se leen en un informe realizado por los trabajadores de la institución. También se menciona la constante tercerización de servicios que antes producía el teatro, en espacios como el Tacec (el Centro de Experimentación y Creación del Argentino). Los cuerpos artísticos incompletos, los magros presupuestos y la ausencia de una programación acorde a un teatro de producción propia son síntomas que agudizan un estado de cosas en el que muchos avisoran, nuevamente, el fantasma del vaciamiento.

Este viernes los cuerpos artísticos, talleres de producción, empleados administrativos y servicios generales del Teatro Argentino saldrán a la calle, en las puertas de esta institución (51 entre 9 y 10) en una “segunda función artística de protesta por un teatro de producción propia, abierto a la comunidad”. Los diferentes ámbitos del teatro, reunidos en este reclamo en común, organizaron distintas actividades: A las 11, una visita guiada; a partir de las 12, una radio abierta, y a las 13 la función artística con la participación del Ballet, el Coro y la Orquesta Estable.

Con problemas que se arrastran desde hace varios años, el presente del Argentino de la Plata se ha agravado con una situación edilicia insostenible. El detonante fue el cierre por trabajos en el escenario y de cambio de butacas de la Sala Ginastera, la principal. Fue en 2017, como parte de un plan de refacciones que incluía también la fachada. A partir de ahí la, actividad artística del Teatro Argentino se transformó en una programación escasa y errática, distribuida con escaso criterio en otros escenarios de la ciudad de La Plata y de Buenos Aires.

Poco se sabe de la marcha de las obras en la sala y del efectivo cumplimiento de los plazos, ya estirados respecto a lo estimado en un principio. En abril pasado, en la presentación oficial de la temporada, Martín Bauer, director artístico del teatro, anunció que la Sala Ginastera sería reinaugurada en octubre, con la reposición de Candide, de Leonard Bernstein. Sin embargo, por estos días, en los pasillos de la mole platense se habla en cambio de una puesta de la infalible dupla Cavalleria Rusticana-Pagliacci, clásico sensible de la ópera italiana. Apenas un detalle en un panorama de incertidumbres.

Consultado sobre este tema, Bauer se negó a hablar con Página/12. Los que sí conversaron con este diario fueron integrantes de la Comisión Intercuerpos que se formó hace poco más de un mes. Allí confluyeron y tomaron fuerza las distintas iniciativas aisladas que desde hace varios meses se manifiestan para visibilizar los problemas del teatro. En esta comisión está representado cada sector: orquesta, ballet, coro, personal administrativo, talleres de producción escenográfica, auxiliares artísticos, ballet, boletería, informes, maquillaje, peluquería, ropería, sastrería y servicios generales. De la conversación con varios de los representantes se refleja un panorama complejo y decadente.

“La fachada del teatro arreglada y el interior en un grado avanzado de deterioro es una gran metáfora de esta gestión”, asegura la representante de escenografía, que al no tener fueros sindicales, prefirió, como el resto de sus compañeras entrevistadas, mantener reservada su identidad. “Yo trabajo en el cuarto subsuelo, donde están los talleres de producción escenográfica y también Mantenimiento y Termomecánica. Estamos veinte metros bajo tierra, sin calefacción adecuada. Los problemas de frío y humedad son realmente graves”, cuenta. “Por otro lado fuimos los primeros que paramos de producir. Hace un año y medio que no hacemos nada, ni siquiera para la sala del Tacec (el Centro de Experimentación y Creación del Argentino), que ahora trabaja casi exclusivamente con servicios privados. Normalmente hacíamos diez producciones por año; ahora que no hay programación no producimos ni ópera ni ballet, estamos parados por completo. Y lo que todos queremos es trabajar, porque amamos lo que hacemos”, asegura.

Sin calefacción, la actividad del ballet también se ve directamente afectada. “La nuestra es una actividad física, en la que se transpira y se trabaja con poca ropa”, explica la representante del Ballet Estable en la Comisión Intercuerpos. La situación del cuerpo de danza llegó al punto de la suspensión de funciones, literalmente, sobre la marcha. Fue en agosto, en la que iba a ser su primera producción del año, después de diez meses sin actuar, en la Sala Piazzolla del teatro. “Ya estábamos maquillados y vestidos para ir a escena, a pesar del frío. Y de pronto nos avisan que la dirección del teatro decidió suspender la función. No lo podíamos creer. Salimos a hablar con el público, que como nosotros ya estaba en la sala, esperando la función. Unos y otros fuimos perjudicados”, recuerda la bailarina con tristeza.

Los problemas del ballet no se agotan en cuestiones térmicas. “La sala Ginastera tiene un escenario móvil, es algo único en Latinoamérica, tiene una serie de estructuras que suben y bajan, que permiten hacer los cambios de escenografía más rápidos. Ese sistema nunca funcionó, las tres estructuras que dividen el escenario se desnivelaron con el paso del tiempo, y ahora forman desniveles en el escenario. En un momento se niveló con un fenólico, que es completamente duro. Eso produjo lesiones en varios bailarines. Por eso presentamos un amparo legal y pedimos un piso de rebote, pensado para ballet, como hay en el Colón. Nos dieron la razón, y cuando se cerró la sala para refacciones, uno de los trabajos pendientes era ese. Pero ahora que ese presupuesto se cayó, no sabemos si cuando reabran la sala eso estará cumplido. El amparo no nos impide actuar, como anda diciendo por ahí Bauer, sino que obliga al teatro a solucionar el tema del piso”, explica la bailarina.

La Sala Piazzolla dentro del mismo teatro, el Coliseo Podestá en La Plata, la Usina del Arte, el Centro Cultural Kirchner y el Teatro Coliseo en Buenos Aires, son algunos de los escenarios alternativos en los que el Teatro Argentino despliega una actividad intermitente. Dentro de este panorama, la Orquesta Estable aparece como el cuerpo más activo. “Nosotros pedimos tocar, insistimos. El año pasado hicimos ensayos en la Plaza Seca, que es un patio con piso de baldosas, vidriado, con techo bajo de hormigón. No era la óptimo pero tenía calefacción, porque es el lugar que en épocas de elecciones ocupa la Junta Electoral de la Provincia. Así sostuvimos los conciertos. Este año empezamos la temporada recién a fines de abril, como para que no haga ni calor ni frío. Y cuando empezó a hacer frío, nos pusieron estufas”, narra la representante de la Orquesta Estable.

Los entrevistados cuentan que en 2017 se rompió el sistema de aire acondicionado, y en 2018, la calefacción. Mientras las opiniones iban desde que había que cambiar los sistemas a arreglarlos, en los que estaban la situación empeoraba. “Recién este año, porque se había organizado un acto de la gobernadora para el 9 de julio, se contrató a una empresa para hacer el mantenimiento de la calefacción. Cuando al final se canceló ese acto, la empresa se fue y el problema quedó”, interviene la representante del Coro Estable, que como el resto de sus compañeras destaca que quieren trabajar. “Nosotros ensayamos regularmente, pero muchas veces no llegamos a actuar, porque ante los problemas se levantan las funciones. En este sentido, la oferta de la dirección fue siempre a la baja. Por otro lado el magro presupuesto con que cuenta el teatro se va por intereses personales de la dirección en la puesta de obras muy caras en derechos, como son las contemporáneas, y eso limita la producción de ese repertorio con el que el público identifica al Teatro Argentino, al público de La Plata que no escucha al coro desde hace dos años”, dice la coreuta.

La indignación crece a medida que las charlas se prolongan, porque cada palabra trae un tema, que es reflejo de un problema. Otro más: apenas nueve personas, con escasos elementos, se ocupan de la limpieza de los nueve pisos distribuidos en una manzana que ocupa el teatro. Esas paradojas plantea la actualidad de un teatro-ciudad, un espacio pensado como autosuficiente, concebido para abastecer con su producción las necesidades de una ciudad del siglo XIX. Una ciudad que tal vez no exista más. ¿Cuál sería la función de los teatros de producción en el tejido sociocultural de una ciudad, en épocas como las que nos toca vivir? Un debate que sería oportuno dar, pero que de ninguna manera puede comenzar con un teatro diezmado en cuerpo y espíritu. 

Fuente: https://www.pagina12.com.ar/

“Sinfonicario del amor” y La Franela abren el ciclo Teatro por la Identidad

ESPECTÁCULOS | DESDE HOY Y HASTA EL DOMINGO CON ENTRADA GRATUITA

ESCENA DE “SINFONICARIO DE AMOR”

La quinta edición del ciclo de Teatro x la Identidad La Plata comenzará hoy y se extenderá, con entrada libre y gratuita, hasta el domingo, ofreciendo una variada programación integrada por más de cuarenta espectáculos.

“Sinfonicario de amor”, dirigida por Víctor Fernández, y la presentación de la banda de rock La Franela serán las propuestas con las que abrirá oficialmente este evento que se llevará a cabo en diferentes espacios de la Ciudad, siempre, con entrada gratis.

“Mientras nos sigan faltando nietos y nietas que aún desconocen su identidad, hasta ese entonces, año a año, nos reencontraremos en nuestros escenarios, dramaturgos, técnicos, actrices, actores y público como un acto de homenaje, lucha y celebración”, manifestaron los organizadores de este ya tradicional evento.

Tras la apertura, que será hoy desde las 19 en el Coliseo Podestá -las entradas se pueden retirar gratis desde dos horas antes-, las funciones se llevarán a cabo desde mañana entre espacios oficiales y otras salas. La programación completa se puede buscar en www.txilaplata.org

El cierre será el domingo desde las 15 en Centro Cultural Estación Provincial, 17 y 71, y estará a cargo de las bandas “Los Raviolis”, “La Sonora” y “Tangor”. Habrá una intervención de Los Okupas del Andén. No se suspende por lluvia.

Fuente: EL DIA

Llega “Noches Chinas”, el nuevo show de Cabaré de Medianoche

 

UN CRUCE ENTRE LA MÚSICA Y EL TEATRO

“Noches chinas”

Llega a la cartelera local “Noches Chinas”, nueva propuesta de Cabaré de Medianoche, espectáculo híbrido entre la música y el teatro bajo la dirección de Patricia Ríos.

Se trata de la tercera entrega de esta propuesta, que tuvo su primera experiencia en 2017. En esta oportunidad, un elenco numeroso estará a cargo de este nuevo montaje en el que los cuerpos y las voces de actrices y actores se ponen en función de las canciones, en el intento de que la música vuelva a surgir.

En “Noches Chinas” habrá, a través de imágenes y sonidos, diferentes evocaciones al pasado, en tanto, este proyecto, viene gestándose desde hace un tiempo, atravesando un permanente proceso de transformación.

“Una canción hecha pedazos, un entramado de ensoñación y deseo, algo de lo que fuimos y ya no somos, a cargo del elenco inestable de Cabaré de Medianoche. En esta oportunidad, una versión en volumen bajo”, reza el texto con el que se promociona el espectáculo en las redes sociales.

Según explicaron, la nueva propuesta de Cabaré de Medianoche “busca encontrar la intensidad en la pequeñez, sin temor al vacío como motor de la escena”.

En escena, “hay una propuesta visual que convive con los estados de actrices y actores, quienes de ese juego provocan un sonido propio: delicado y precario, en volumen bajo. Una versión mínima que como en un juego de cajas chinas contiene las dos propuestas cabareteras anteriores, distanciándose incluso hasta la distorsión”.

Con las performances de Cococho Abbatangelo, Delia Aguinaga, Elke Aymonino, Federico Barrios, Malena Di Bastiano, Cecilia Fallesen, Yerman Ghersi, Aurelia Osorio, Laura Verón, Ariel Plum Salinas, Roberto Tetamantti y Patricia Ríos, “Noches Chinas” se el viernes y sábado en 18 y 71.

Fuente: EL DIA

"ORQUESTA DE SEÑORITAS”: Una tragicomedia para alquilar balcones

Por Irene Bianchi 

“Orquesta de Señoritas”, bajo la batuta de Gastón Marioni, es un espectáculo decididamente imperdible para los amantes del buen teatro.  Jean Anouilh (1910-1987), su autor, es un dramaturgo descomunal .  Sus piezas pueden clasificarse en  “negras”, “rosas” y  “grinçantes”  (en alusión a la sensación que produce el rechinar de la tiza en el pizarrón). Toda su obra está impregnada de un agudo pesimismo y una visión trágica de la vida.

“Orquesta de Señoritas” se estrenó en 1961. Estaba ambientada en la Francia de pos guerra (1947), y era originariamente interpretada por 6 actrices y 2 actores.  En 1972 el vanguardista actor y director argentino  Jorge Petraglia, en un verdadero salto al vacío, decidió reemplazar a todas las actrices por actores, conformando así un elenco totalmente masculino. De ahí en más, éste es el formato adoptado toda vez que este clásico sube a escena.

De lo que se habla aquí es de la naturaleza humana, de los conflictos de la persona, más allá de su género. Sin embargo, indudablemente le suma patetismo esta suerte de travestismo elegido, este tono grotesco que magnifica los rasgos. Tras el impacto inicial, el espectador se olvida si lo que está viendo son mujeres u hombres. Poco importa. Lo que sí importa son sus historias de vida, sus miserias, sus frustraciones, su insondable soledad. Es éste un puñado de anti-héroes o anti-heroínas, de perdedores, de “losers”. El autor se vale de este microcosmos para hacer una radiografía lacerante de la sociedad de ayer, hoy y mañana.

Otro de los enormes aciertos de la puesta de Marioni es el elenco elegido. Un “Dream Team” conformado por algunos de los mejores actores platenses, a quienes hemos visto a lo largo de los años en innumerables y sólidos trabajos.  Ellos son Marcelo Allegro, Diego Aroza, Siro Colli, Pablo De La Fuente, Luciano Guglielmino, Nazareno Iñíguez y Gustavo Portela.  No hay fisuras en este talentosísimo “grupo de los siete”, que construyen criaturas adorables y memorables. El lenguaje corporal, la gestualidad, el manejo de la voz, los desplazamientos, todo cuidado al más mínimo detalle. Sutiles, medidos, todos ellos transitan una delgada línea, sin caer jamás en la exageración ni en la burda caricatura. Se les cree y se los quiere. Sería injusto destacar a algunos ya que la interpretación de todos y cada uno de ellos resulta sencillamente magistral. “Capo lavoro” colectivo.

Además, cantan en vivo y tocan instrumentos,  al son de la música original compuesta por Guglielmino, bajo la atenta mirada de un “patrón” déspota, no menos autoritario que la Directora de orquesta, su incondicional cómplice.

Un valiosísimo aliado de la caracterización de estos personajes es el bellísimo y sofisticado vestuario de Mariano Toffi. Un aporte fundamental, junto al maquillaje de Daniel Villanueva y la posticería de Raúl Gómez. El diseño del espacio  (Marioni),  y la realización escenográfica de Sabrina Fernández, recrean ese teatrito de mala muerte, al que asisten señoras y señores estreñidos, con la promesa de que las aguas termales del pueblo alivien sus cargados intestinos. Muy sugestiva la puesta de luces.

Y Gastón Marioni, al frente de esta desvencijada orquesta, logra –creo yo- uno de sus mejores trabajos como director. Lejos. El ritmo de su puesta, los claroscuros, los matices, mantienen en vilo al espectador, que ríe y se estremece sin solución de continuidad. Porque “Orquesta de Señoritas” es una tragicomedia que divierte y conmueve, desata carcajadas y silencios preñados de emoción. Un enorme desafío que llega a buen puerto y descontamos tendrá una larga y fructífera travesía por delante.

No se la pierdan los sábados de septiembre y octubre a las 21 hs en Teatro Estudio, calle 3 entre 39 y 40, La Plata. Reservas por Alternativa Teatral. Sigamos apoyando al teatro independiente.

Fuente: https://irenebianchi.com.ar/

“Orquesta de señoritas”: una mirada inclusiva de la condición humana

ESPECTÁCULOS | DESTACADO DE LA CARTELERA

El bigénero masculino/femenino queda fuera de la puesta de este clásico contemporáneo de Jean Anouilh que se estrena en la Ciudad

María Virginia Bruno

SIETE ACTORES PLATENSES PROTAGONIZAN ESTA NUEVA VERSIÓN DE ANOUILH / ESPACIO [F]

En una de las grandes apuestas teatrales de esta temporada, este fin de semana saldrá a escena una nueva versión del clásico de Jean Anouilh, “Orquesta de señoritas”, que, bajo la dirección de Gastón Marioni, y protagonizada por un elenco de siete actores platenses que además de actuar, tocan y cantan en vivo, busca reflexionar sobre las miserias de la condición humana desde una mirada inclusiva.

Porque, asegura el director, autor y docente teatral platense, estas cuestiones patéticas de la vida “son inherentes a la experiencia humana” y, por tanto, esta obra “universaliza la conflictiva de los personajes más allá de su género”.

Y aunque en su texto original, el escritor francés hablaba de personajes mujeres, esta puesta presentará leves modificaciones en este aspecto, con un tratamiento en el texto en donde se ha dejado de lado cualquier manifestación bigénero, prefiriendo una textualidad más abierta, general y humana.

El abordaje de esta pieza, tan consumida y cercana para el director, no podría haber sido otro, dice, que no fuera el que propuso, atravesado por este presente en el que las estructuras de pensamiento comenzaron a tambalearse.

“Pensé que era un momento interesante para volver a pensar esa obra, tantas veces representada, en tantas partes del mundo, con tanta diversidad de elencos, formatos, miradas, versiones y me empecé a preguntar cuál había sido el espíritu original del autor, cuando pensó esa obra, sobre ese grupo de mujeres que tocaba en un teatro desvencijado, y cómo sería hoy eso”, reflexiona.

En su intento por dar respuesta a su interrogante llegó a un lugar “más holístico y más integrado a estos tiempos que corren, donde otro paradigma de género está presente, por suerte”, remarca Marioni.

En escena, un grupo de músicos se encuentra dialogando con sus soledades, desamores, desaciertos y sueños frustrados en un futuro incierto, en un desafinado paisaje tragicómico en donde la vida se juega entre la apariencia y la realidad.

Este punto podría zanjar un puente con este presente tan complicado para el sector artístico -como para todos los demás-, donde una triste postal de salas vacías y espacios cerrados se repite en la escena nacional. “Y ahí la obra genera como un sistema de reconexión de este teatro de resistencia, que sobrelleva la adversidad pese a todo y con todo, y en esa acción a veces se lleva puesto vidas, que es lo que pasa en la obra”, destaca Marioni.

En “Orquesta de señoritas”, clásico de la escena contemporánea, un pequeño pueblo del interior de nuestro país, al que acuden estreñidos y estreñidas a curar sus males en aguas termales, es el escenario de un desvencijado teatro en el que por las noches una orquesta intenta dar ánimos a sus visitantes. La opresiva mirada de “patrón” pone al límite cada noche la convivencia de quienes integran la vapuleada orquesta.

Marcelo Allegro, Diego Aroza, Siro Colli, Pablo de la Fuente, Luciano Guglielmino, Nazareno Iñíguez y Gustavo Portela son los integrantes de esta orquesta que, en vivo, tocará y cantará para el público, todo un desafío para el reconocido elenco de artistas platenses.

“Para mí fue sumamente seductor pensar en un elenco integrado por actores con una trayectoria enorme, con representación en muchísimos grupos muy significativos y paradigmáticos de nuestra ciudad”, sostiene el director, convencido de la fortaleza de este grupo profesional con el que, además, se propuso “generar un espacio de encuentro entre varones para conversar sobre diferentes cuestiones en estos tiempos de nuevos paradigmas en relación al género y, también, para pensar lo masculino dentro de este campo”.

Varias versiones de “Orquesta de señoritas”, estrenada en 1941, se han presentado en la Ciudad y eso le propone a este equipo un riesgo y, al mismo tiempo, un desafío.

“Cuando uno decide llevar adelante un proyecto artístico, cualquiera sea el género, estilo o el soporte discursivo, siempre hay un riesgo que uno corre, y tiene que ver con una búsqueda de respuestas frente a una acción. Entonces, el riesgo, es afortunado en tanto te incentiva a pensar una mirada diferente a las preexistentes”, dice Marioni.

En la suya, algunos puntos a destacar: el trabajo de los actores, desde lo físico, actoral y gestual, representan el mayor punto focal de la propuesta que se completa con la música en vivo, como ya dijimos, además de una grandilocuente escenografía, algo no muy habitual en época de vacas flacas, y un diseño de vestuario que repite el concepto que se teje en la historia, “en donde convive lo masculino y femenino en una cosa mixturada, compuesta, en donde habrá seguramente un desandamiaje sobre la mirada género en relación a estos personajes”.

Con música original de Luciano Guglielmino, diseño de escenografía de Sabrina Fernández, diseño gráfico de Fermín Epele, posticería de Raúl Gómez, maquillaje de Daniel Villanueva, vestuario de Mariano Toffi, diseño de espacio de Gastón Marioni y realización escenográfica de Sabrina Fernández, “Orquesta de señoritas” tendrá su estreno este sábado a las 21 en Teatro Estudio, 3 entre 39 y 40, y repetirá sus funciones durante los siguientes sábados de septiembre y octubre.

Fuente: EL DIA