Vea la Programación completa de la Fiesta Nacional del Teatro que se realiza desde este viernes en Misiones

El acto apertura será el viernes 1 de noviembre a partir de las 21:30 hs en la Plaza 9 de julio o en caso de lluvia en Sala Tempo, con la participación del Ballet Folclorico del Parque del Conocimiento y autoridades del teatro y de cultura provincial, así como representantes de grupos de teatro independiente de todo el país

Con el cuchillo entre los dientes (La Plata - Pcia. Buenos Aires),

Programa Completo

VIERNES 1 DE NOVIEMBRE

18:00: Obra: Cristales (San Luis), Espacio: Sala Tempo.

19:30: Obra: El matadero (Formosa), Espacio: Murga de la Estación.

20:00: Obra: Cristales (San Luis), Espacio: Sala Tempo.

21:30: ACTO DE APERTURA, Espacio: Plaza 9 de Julio (Sala Tempo en caso de lluvia).

21:30: Obra: Obra: El matadero (Formosa), Espacio: Murga de la Estación.

SABADO 2 DE NOVIEMBRE

15:00: Obra: Una flor. Una mujer. Una voz (Neuquén), Espacio: Centro Artístico Mandové Pedrozo.

18:00: Obra: Pajarito (Tucumán), Espacio: Sala Tempo.

19:30: Obra: Las lalas (Santa Cruz), Espacio: Murga de la Estación.

20:00: Obra: Pajarito (Tucumán), Espacio: Sala Tempo.

21:00: Obra: Una flor. Una mujer. Una voz (Neuquén), Espacio: Centro Artístico Mandové Pedrozo.

21:30: Obra: Las lalas (Santa Cruz), Espacio: Murga de la Estación.

23:00: Obra: Una flor. Una mujer. Una voz (Neuquén), Espacio: Centro Artístico Mandové Pedrozo.

DOMINGO 3 DE NOVIEMBRE

17:00: Obra: Los sonámbulos (Corrientes), Espacio: Sala Tempo.

18:15: Obra: El tiempo de los ídolos (Chaco), Espacio: Centro Artístico Mandové Pedrozo.

19:00: Obra: Los sonámbulos (Corrientes), Espacio: Sala Tempo.

19:30: Obra: Canción de cuna para refugiades (La rioja), Espacio: Murga de la Estación.

20:15: Obra: El tiempo de los ídolos (Chaco), Espacio: Centro Artístico Mandové Pedrozo.

21:00: Obra: La helada (Catamarca), Espacio: Espacio Reciclado.

21:30: Obra: Canción de cuna para refugiades (La rioja), Espacio: Murga de la Estación.

23:00: Obra: La helada (Catamarca), Espacio: Espacio Reciclado.

LUNES 4 DE NOVIEMBRE

18:00: Obra: Nunca nadie murió de amor (Córdoba), Espacio: Sala Tempo.

19:30: Obra: Más costanera (Misiones), Espacio: Espacio Reciclado.

20:00: Obra: Nunca nadie murió de amor (Córdoba), Espacio: Sala Tempo.

21:00: Obra: Bodangres (adaptación caprichosa de una obra de Lorca) – (Buenos Aires), Espacio: Centro Artístico Mandové Pedrozo.

21:30: Obra: Más costanera (Misiones), Espacio: Espacio Reciclado.

23:00: Obra: Bodangres (adaptación caprichosa de una obra de Lorca) – (Buenos Aires), Espacio: Centro Artístico Mandové Pedrozo.

MARTES 5 DE NOVIEMBRE

18:00: Obra: Es más fácil que llorar (La Pampa), Espacio: Sala Tempo.

19:30: Obra: La persistencia de los grillos (Mendoza), Espacio: Murga de la Estación.

20:00: Obra: Es más fácil que llorar (La Pampa), Espacio: Sala Tempo.

20:45: Obra: Requiem, un llanto de pájaros (Chubut), Espacio: Espacio Reciclado.

21:30: Obra: La persistencia de los grillos (Mendoza), Espacio: Murga de la Estación.

22:00: Obra: Bodangres (adaptación caprichosa de una obra de Lorca) – (Buenos Aires), Espacio: Centro Artístico Mandové Pedrozo.

22:15: Obra: Otra línea (Buenos Aires), Espacio: Centro Cultural Vicente Cidade – Sala Kowalski.

22:45: Obra: Requiem, un llanto de pájaros (Chubut), Espacio: Espacio Reciclado.

00:15: Obra: Otra línea (Buenos Aires), Espacio: Centro Cultural Vicente Cidade – Sala Kowalski.

MIÉRCOLES 6 DE NOVIEMBRE

18:00: Obra: Ya es miércoles (Santa Fe), Espacio: Sala Tempo.

19:30: Obra: 25 Inviernos (Tierra del fuego), Espacio: Murga de la Estación.

21:00: Obra: Hijo del campo (Rio Negro), Espacio: Espacio Reciclado.

20:00: Obra: Ya es miércoles (Santa Fe), Espacio: Sala Tempo.

20:00: Obra: Otra línea (Buenos Aires), Espacio: Centro Cultural Vicente Cidade – Sala Kowalski.

21:30: Obra: 25 Inviernos (Tierra del fuego), Espacio: Murga de la Estación.

22:00: Obra: Otra línea (Buenos Aires), Espacio: Centro Cultural 23:00: Obra: Hijo del campo (Rio Negro), Espacio: Espacio Reciclado.

JUEVES 7 DE NOVIEMBRE

17:00: Obra: Fedro y el dragón (Salta), Espacio: Parque del conocimiento – Teatro Prosa .

18:15: Obra: Juicio a una zorra (CABA), Espacio: Parque del conocimiento – Teatro Lírico.

20:00: Obra: Con el cuchillo entre los dientes (Buenos Aires), Espacio: Espacio Reciclado.

21:30: Obra: Fiebre Gaucha (Córdoba), Espacio: Murga de la Estación.

19:00: Obra: Fedro y el dragón (Salta), Espacio: Parque del conocimiento – Teatro Prosa .

20:15: Obra: Juicio a una zorra (CABA), Espacio: Parque del conocimiento – Teatro Lírico.

21:00: Obra: El tiempo de los ídolos (Chaco), Espacio: Centro Artístico Mandové Pedrozo.

22:00: Obra: Con el cuchillo entre los dientes (Buenos Aires), Espacio: Espacio Reciclado.

23:30: Obra: Fiebre Gaucha (Córdoba), Espacio: Murga de la Estación.

VIERNES 8 DE NOVIEMBRE

18:00: Obra: Anagnórisis (Mendoza), Espacio: Parque del conocimiento – Teatro Lírico.

18:00: Obra: Icaria (Entre Ríos), Espacio: Centro Cultural Cidade – Sala Quiroga.

19:00: Obra Invitada: Un ensayo más – La inescuchable orquesta comunitaria de la Murga del Monte (Oberá), Espacio: Costanera IV Tramo.

19:30: Obra: Afectado (Santiago del Estero), Espacio: Centro Artístico Mandové Pedrozo.

20:00: Obra: Anagnórisis (Mendoza), Espacio: Parque del conocimiento – Teatro Lírico.

21:00: Obra: Noche de epifanía (San Juan), Espacio: Espacio Reciclado.

21:00: Obra: Icaria (Entre Ríos), Espacio: Centro Cultural Cidade – Sala Quiroga.

21:30: Obra: Afectado (Santiago del Estero), Espacio: Centro Artístico Mandové Pedrozo.

23:00: Obra: Noche de epifanía (San Juan), Espacio: Espacio Reciclado.

SÁBADO 9 DE NOVIEMBRE

18:00: Obra: Icaria (Entre Ríos), Espacio: Centro Cultural Cidade – Sala Quiroga.

19:30: Obra: ¿Por qué demoró tanto? (Santa Fe), Espacio: Espacio Reciclado.

20:00: Obra: Afectado (Santiago del Estero), Espacio: Centro Artístico Mandové Pedrozo.

20:30: Obra: Icaria (Entre Ríos), Espacio: Centro Cultural Cidade – Sala Quiroga.

21:00: Obra: J Timerman (CABA), Espacio: Murga de la Estación.

22:00: Obra: ¿Por qué demoró tanto? (Santa Fe), Espacio: Espacio Reciclado.

23:30: Obra: J Timerman (CABA), Espacio: Murga de la Estación.

DOMINGO 10 DE NOVIEMBRE

18:00: Obra: Vientre, el hueco de dónde venimos (CABA), Espacio: Parque del conocimiento – Teatro Lírico.

20:00: Obra: Cacería Saturno (Jujuy), Espacio: Espacio Reciclado.

21:30: Obra: La dependencia (Tucumán), Espacio: Murga de la Estación.

22:00: ACTO DE CIERRE – despedida de elencos, Espacio: Sala Tempo.

20:00: Obra: Vientre, el hueco de dónde venimos (CABA), Espacio: Parque del conocimiento – Teatro Lírico.

22:00: Obra: Cacería Saturno (Jujuy), Espacio: Espacio Reciclado.

23:30: Obra: La dependencia (Tucumán), Espacio: Murga de la Estación.

(A.S)

Fuente: misionesonline.net

El teatro nacional tendrá su fiesta en la ciudad de Posadas Misiones 2019

Obras muy diversas llegadas de todas las regiones del país se presentarán en ocho salas de la capital misionera

LA NACION

Alejandro Cruz

Bodangres, una de las obras de la provincia de Buenos Aires

Luego de una postergación y de varios conflictos internos dentro del Instituto Nacional del Teatro, el organismo gestor de este encuentro que va por su 34ª edición, pasado mañana se inicia en la ciudad de Posadas la Fiesta Nacional del Teatro, que reúne a los elencos de todo el país. En esta oportunidad serán 32 espectáculos que hasta el domingo de la semana próxima se presentarán en siete salas de la capital misionera, cogestora de este encuentro nacional. 

La programación estará constituida por diversidad de obras que dan cuenta de estilos, géneros y modos de producción representativas de cada región del país. Como es tradicional en este tipo de encuentro habrá actividad en salas tradicionales y en espacios no convencionales. 

Abre la Fiesta Nacional del Teatro la obra Cristales, de San Luis, una creación de Rubén González Mayo; y cerrará el encuentro la obra La dependencia, de Tucumán, una propuesta de José Arturo Pintos. La ciudad de Buenos Aires estará presente esta vez por las obras J. Timerman, de Eva Halac; Pundonor, con dirección de Andrea Garrote y Rafael Spregelburd, y Vientre, el hueco de donde venimos, puesta de Marcos Arano. La actriz patagónica Luisa Calcumil como la Murga de la Estación, de Misiones, recibirán un reconocimiento a sus trayectorias.

Fuente: LA NACION

Representado a la provincia de Buenos Aires en la Fiesta Nacional del Teatro, los espectáculos ganadores de la Fiesta Provincial de Teatro Independiente realizada en Pergamino son:

“Otra línea” del Grupo Vuelve en Julio de La Plata, Autoría y Dirección: Iván Haidar 

“Bodangres (adaptación caprichosa de una obra de Lorca)” de la Compañía Analógica de Necochea, Autoría: Hilario Vidal y Dirección: Compañía Analógica. 

“Con el cuchillo entre los dientes” del Grupo Viejo Almacén ‘El Obrero’ de La Plata, Autoría y Dirección: Diego de Miguel.  

“La escena del crimen”: un policial entre el absurdo y el poder de la negación

 

Paula Boero dirige la obra de Daniel Dalmaroni, en una puesta no convencional que invita al público a elegir qué, cómo y desde dónde mirar

María Virginia Bruno

"La escena del crimen"

La actriz y directora platense Paula Boero reflexiona sobre el poder de la negación que pueden experimentar los seres humanos y la delgada línea que la separa de la impunidad en “La escena del crimen”, el policial de Daniel Dalmaroni que dirige y que se ofrecerá hoy a las 20 en El Obrero, 13 y 71.

Protagonizada por Adrián Di Pietro, Sebastián Faria, Fabián Iglesias y Paola Sánchez, la obra narra las desventuras de un matrimonio y un vecino que, tras una serie de eventos desafortunados, creen que hay indicios que los podrían comprometer como autores de un crimen, lo que los lleva a obsesionarse con resolver el enigma antes de que intervengan las autoridades.

Boero, que se zambulle por segunda vez en el universo ácido de Dalmaroni -su anterior obra como directora había sido “Vacas sagradas-”, reconoce que prefiere escarbar, escapando de la literalidad de los textos, ahondando entre líneas. “Para mí, la historia es una excusa para hablar de temas que me interesan contar de una forma particular, forma que aparecerá en el proceso”, cuenta en diálogo con EL DIA.

“La escena del crimen”, en este sentido, le propuso, más allá del entramado policial concreto, la posibilidad de hablar sobre el poder de la negación, pudiendo “desarrollar la idea de hasta qué punto somos capaces de negar lo que se presenta como una realidad obvia, y el trabajo que estamos dispuestos a hacer para sostener esa negación”.

Para la directora, que como actriz formó parte del grupo de investigación y experimentación teatral Teatro Acción, “lo que se constituye como real para cada uno es diferente y dependerá del valor que tengamos para enfrentar y vernos desde todos los ángulos a nosotros mismos”. En este caso, los personajes logran “posicionarse en planos diferentes en relación con el miedo y con la negación como mecanismo supremo de resistencia”.

¿Por qué nos negamos a ver determinadas situaciones? “Para no ver lo que duele, para no lidiar con lo intolerable, para soportar el miedo”, admite Boero, y remarca que en el texto del autor platense “está absolutamente presente el temor que puede generar el saber la verdad, el aceptar, como la fuerza que nos obliga a actuar en consecuencia” y que, en definitiva, “se constituye como la principal amenaza”.

En esta obra, resume la directora, “ninguno de los personajes tiene el valor de enfrentarse a su propia oscuridad”.

La puesta

Boero se distancia de la estructura espacio temporal de Dalmaroni, de esa cocina de casa de familia de clase media argentina de pasado reciente propuesta en el texto original, y se ubica, difusamente, en los años veinte londinenses, “época en la que Sigmund Freud culmina el desarrollo de la estructura lógica del concepto negación del modo en que se conoce hoy en día”, explica.

La tensión del policial se contrarresta con la comedia negra que, según Boero, “se apoya en el surrealismo como manera de poder olvidar la realidad”, algo que hace mucho falta en estos días. A través de diferentes recursos, se buscó exacerbar el humor porque, dice la directora, “en la vida es un contrapunto fabuloso”, sea en el contexto que sea.

Así, en su puesta, todo confluye hacia la risa, a veces, en un camino plagado de absurdos: desde la plasticidad corporal -y sus infinitas acciones físicas disparatadas- hasta otros recursos no tradicionales, como elementos escenográficos que desafían la ley de gravedad o un iluminación que evoca las tenebrosas noches londinenses del pasado, sumado a la delimitación espacial -y especial- que regala un juego de luces de neón.

Boero admite haber sorteado el desafío de generar suspenso en vivo apostando a pleno a la actuación. Según cuenta, la aventura estuvo puesta en un intenso trabajo con el elenco, “en una fuga permanente de la idea de que todo pudo haber pasado, algo latente, algo peligroso que se fuga, que no es explícito, tan sutil y efectivo como la gota que erosiona la piedra”. Un trabajo marcado con un efecto acuático que, como todo, lleva a otro sentido que el público es invitado a descubrir.

Esta libertad dada al espectador, esta especie de góndola en la que cada uno elegirá qué ver, con qué quedarse y qué descartar, está acentuada en la puesta con una escenografía 360º que rompe la convención teatral.

“Es una decisión que acompañaba el concepto de negación, el posicionamiento ante la realidad. Trabajar la proximidad a lo que está sucediendo como forma de hacerlos partícipes de la escena del crimen”, explica.

La directora no quería que lo que vea un espectador sea lo mismo que vea otro pero sabía bien qué quería: “Quería que lo que se vea tenga siempre un dejo de parcialidad, que salgan de la sala hablando de un mismo hecho pero que el foco no coincida porque lo que fueron capaces de ver sea diferente. Y que toda esta situación venga determinada por la decisión inicial de elegir desde dónde voy a mirar esta realidad”.

Esta decisión artística, claro, resultó lo más complejo de materializar, donde “cada actor y actriz ha involucrado su cuerpo en acción y emoción sin frentes, con plena exposición, ofreciendo en todo momento detalles previstos hacia cada punto de ese espacio”.

Boero, que comenzó a dirigir en 2015 y, desde entonces, lleva firmadas siete obras, prefiere tener un rol activo como espectadora, sensible, y, en cada ritual, dejarse entregar de forma absoluta. “Me encanta ser sorprendida por un sinfín de emociones y pensamientos”, cuenta sobre las sensaciones que se propone generar en los demás desde su faceta como directora.

Con escenografía de Malen Gorgone Pampin e iluminación de Rocío Tosca, “La escena del crimen” tendrá nuevas funciones durante los sábados de noviembre, a las 21, en el mismo escenario y en el mismo horario.

“El escenario 360º permite hacer partícipe al público de la escena del crimen”

Fuente: EL DIA

“Orquesta de señoritas”: actitud, gracia, tocar y ¿resistir?

 

La versión platense del clásico de Jean Anouilh, a cargo de un elenco de siete actores locales, ofrece sus últimas funciones

María Virginia Bruno

"Orquesta de señoritas"/[F]

Una versión degenerada, con personajes híbridos, a los que no resulta necesario encasillar, es lo que propone “Orquesta de señoritas”, el clásico de Jean Anouilh protagonizado por un sólido elenco de actores platenses que, bajo la dirección de Gastón Marioni, ofrece sus últimas funciones en la Ciudad.

En escena, siete criaturas intentan poner sus mejores caras, batallando contra la resistencia de sus cuerpos y almas, para aliviar, música mediante, el mal de los turistas que llegan a ese bar de mala muerte de ese pequeño pueblo termal para desahogar penas fisiológicas.

Intimidadas por la mirada de un exigente patrón, estas criaturas intentan mantener la compostura y se muestran erguidas, a pesar de que sus miserias afloren y las cansen, porque, se siente, el peso que llevan sobre sus espaldas las hace doblar; partir de dolor.

Están tullidas, abusadas, prostituidas, perturbadas, enfermas, carentes y dolientes. Están solas. Pero intentan sobrevivir. Algunas se inventan historias, otras abrazan santos, otras se creen superiores por sentirse dueñas de un poco de poder pero, en el fondo, es la misma tijera desafilada y decadente la que contornea sus tambaleantes figuras.

La orden se repite una y otra vez. Escondan la mugre bajo la alfombra. Pongan actitud, gracia y toquen para divertir al público. Que nadie se entere de sus miserias. Pero, por más que lo intenten, la música será disonante porque esta agrupación, por dentro, está quebrada, desafinada.

En un pequeño terreno escenográfico pero bien delimitado, con siete actores que comparten la mayor parte del tiempo en escena, son ellos los que, desde lo gestual y lo físico, se apropian con actitud del espacio, poniéndose sobre sus cuerpos con gran altura un texto que, desde 1962, ha ofrecido mil y una versión.

Marcelo Allegro, Diego Aroza, Siro Colli, Pablo de la Fuente, Luciano Guglielmino, Nazareno Iñíguez y Gustavo Portela no sólo prestan sus pieles a esas criaturas sedientas de vida y goce sino que, además, afrontan un doble desafío.

Por un lado, a través de diferentes recursos, con miradas precisas, movimientos sutiles, gestos desafiantes que no necesitan palabras y hasta una falta de plasticidad voluntaria, los actores generan risas incómodas en los espectadores, esas que a uno lo hacen preguntarse ¿de qué nos reímos? ¿no deberíamos llorar?

Por el otro, este elenco de actores, que desde la heterogeneidad de sus ámbitos de procedencia crearon un grupo homogéneo en las tablas, también hace gala de su capacidad performática porque, en escena, no sólo interpreta esta historia tragicómica sino que, además, toca, canta y, como puede, baila.

La versión de Gastón Marioni, acorde a los tiempos que corren, se aleja de la necesidad imperiosa de tiempos remotos de encasillar con géneros masculino/femenino a los personajes algo que, en esta nueva era, se empezó a repensar. En escena, no hace falta rotular. La obra pasa por otro lado.

Marioni acentúa esa condición híbrida con un ajuste del texto, que se presenta inclusivo, aunque también lo hace a partir de la elección del vestuario con oscuros y apasionados negros y rojos que matizan diseños mixturados, entre lo barroco y el glamour bizarro.

Con música original de Luciano Guglielmino, diseño de escenografía de Sabrina Fernández, diseño gráfico de Fermín Epele, posticería de Raúl Gómez, maquillaje de Daniel Villanueva, vestuario de Mariano Toffi, diseño de espacio de Gastón Marioni y realización escenográfica de Sabrina Fernández, “Orquesta de señoritas” tendrá sus últimas funciones mañana y el próximo sábado a las 21, y los domingos 10 y 17 de noviembre a las 20 en Teatro Estudio, 3 entre 39 y 40.

Fuente: EL DIA

"Lo que se escapa", una obra gratuita y experimental en el Coliseo Podestá

 

La Secretaría de Cultura y Educación de la Municipalidad de La Plata, presentó la puesta final surgida a partir del segundo Laboratorio de Investigación y Producción Escénica del Teatro Municipal Coliseo Podestá. Esta semana los actores vuelven a las tablas para brindar sus últimas dos funciones y prometen hacer circular varias preguntas en esta experiencia escénica.

Por 0221  14 de octubre de 2019

Se trata de la puesta final surgida a partir del segundo Laboratorio de Investigación y Producción Escénica de Coliseo Podestá. Con un número importante de espectadores la semana pasada se desarrollaron las primeras dos funciones.  El miércoles 16 y jueves 17 de octubre, a las 21, podremos disfrutar nuevamente de esta propuesta artística con entrada gratuita. Las mismas se podrán retirara este martes por la boletería del teatro,

“Lo que se escapa” es una creación colectiva y una indagación sobre los cruces y yuxtaposiciones entre cuerpo, sonido e imagen, las nociones de cuerpo expandido y los posibles sentidos que podrían desplegar en escena. 

Para ahondar en los detalles, hablamos con Jazmín García Sathicq, una de las directoras del proyecto, y contó lo siguiente: 

-  La sinopsis de "Lo que se escapa" es algo abstracta, ¿qué nos podes ampliar sobre la obra?

- "Lo que se escapa" es una obra que indaga acerca de lo inaprensible en un cuerpo, una identidad. Es una obra que investiga el entrecruzamiento de sentido que puede haber entre cuerpo, imagen y sonido. Es una obra performática donde los espectadores son parte y deciden que ver y que recorrer para construir ese sentido. Implica la noción de cuerpo, espacio, sonido y obra expandida, y los posibles sentidos que podría desplegar. Nos preguntamos: ¿es posible capturar lo que acontece en un cuerpo? ¿Y en un cuerpo de cuerpos? ¿Es posible traducirle a palabras?

- ¿Cuál fue la respuesta del publico en las primeras dos funciones?

- Hemos tenido una muy cálida recepción por parte del público, ingresan en el dispositivo propuesto y logran apropiárselo para ser parte. Hemos recibido muchas expresiones de emoción y agradecimiento como devolución al trabajo. Es una obra que interpela al espectador.

La obra es una creación colectiva surgida del 2do Laboratorio creativo del Coliseo Podestá, el proceso creativo ha sido muy enriquecedor, la propuesta de investigación, la fusión de lenguajes entre teatro, danza, canto, imagen y sonido. El elenco esta integrado por un grupo de excelentes actrices y un equipo creativo de primera. Ha sido un gran aprendizaje para todas, muchas de nosotras no habíamos trabajado nunca juntas y ha sido una experiencia muy bella y grata.

El equipo de trabajo esta compuesto por: María Laura Belmonte, Canela Corno, Ayelen Dias Correia, Alicia Durán, Nora Oneto y Rocío Russo Morantes en elenco. En diseño y realización de escenografía y vestuario: Gabriela Díaz y Celeste Aranegui. Composiciones y diseño de sonido: Rocío Martínez. Fotografía: Jazmín García Sathicq. Dirección: Carolina Donnantuoni - Jazmín García Sathicq.

Fuente: https://www.0221.com.ar/

Vuele a La Plata "Eran ellas... o yo", la obra de teatro que recrea el caso Barreda

ESPECTÁCULOS

A casi dos años del estreno, el grupo La Cuarta Pared, presenta de nuevo el trabajo que fue un éxito en el interior del país y recorrió varios países de Latinoamérica

Uno de los antecedentes más atroces en la historia argentina reciente en relación con los femicidios es, sin lugar a duda, el caso Barreda, por el odontólogo platense que en 1992 asesinó con una escopeta a su mujer, a sus dos hijas y a su suegra. 

Hombre de apariencia tranquila y aún hoy respetado por sus vecinos, este profesional prestigioso mató sin piedad, y las páginas de los diarios de esa época, las crónicas escritas y la televisivas, mostraron a una sociedad dividida que se debatía y en parte justificaba la masacre.

“Era bastante común escuchar a mujeres y jóvenes aplaudiéndolo y tildándolo de ídolo; incluso bandas musicales conocidas dedicándole canciones”, dice  director y actor platense Horacio Rafart, al frente de un trabajo de investigación del grupo teatral La Cuarta Pared, montó el unipersonal “Eran ellas… o yo”, en el que Rafart da vida al femicida múltiple. 

Este trabajo que recorrió varios países, este viernes se presentará en Espacio Artevivo de calle 58 N 461, entre 4 y 5, a las 22 hs., con una única función.

Fuente: EL DIA

“Jamlet de Villa Elvira”: un clásico resignificado desde el corazón de la periferia

 

Blas Arrese Igor construyó junto a la comunidad una versión del clásico isabelino que refleja sus luchas, su desenfado y su imaginario

"Jamlet de Villa Elvira"

En la puesta de Blas Arrese Igor que se estrena esta noche en Dynamo Teatro (17 y 68) con producción del Teatro Nacional, Hamlet se escribe con jota y es un empleado de súper chino: “Jamlet de Villa Elvira” es el producto del encuentro entre el autor y director con el grupo La Franja Social Teatral y el barrio marginal de Villa Elvira.

El resultado, que se verá los sábados a las 21 y los domingos a las 20, hasta el 24 de noviembre, es una versión contemporánea, libre y experimental del Hamlet shakespereano, completo con indagaciones teatrales, subjetividades del grupo, biografías personales, e investigación etnográfica que construyen una tensión entre lo documental y lo ficcional, todo empapado por las poéticas y los símbolos del barrio.

El proyecto nació como parte de la tesis doctoral en dramaturgia de la recepción de Arrese Igor, que procuró cruzar “comunicación y arte”, su pasión y su área de estudio, y trabajar para retratar “como leen Hamlet en un grupo de teatro en un barrio de que está en los márgenes, como Villa Elvira”.

“Las primeras asociaciones que aparecieron fueron dispares y el texto original estalló en mil pedazos: el chocolate Hamlet, un plomero paraguayo del barrio que lleva ese apodo, el capítulo de los Simpson que cuenta la tragedia isabelina hasta llegar a lecturas singulares y profundas en relación a la política, el poder y a cuestiones de género. La experiencia fue reveladora, luminosa y cuenta con el desenfado, la pasión y la fuerza de los márgenes, de la periferia”, escribe Arrese Igor en el programa.

El dramaturgo se introdujo en la comunidad de Villa Elvira y en el grupo de teatro, un lugar de pertenencia, un refugio para las inundaciones y un espacio de resistencia y creación en torno a la práctica teatral, sostuvo conversaciones con sus habitantes, observó el barrio, y esos materiales fueron adentrándose en la reescritura del clásico, y también en su escenografía, hecha de chapas y materiales de la zona, y hasta su sonido, diseñado desde los sonidos cotidianos de la zona.

Son del barrio, claro, sus actores: “La obra está actuada por los pibes y las pibas de Villa Elvira. Eso le da un carácter a la obra, una fuerza”, dice su autor.

Y del barrio, de hecho, surge el Jamlet con jota: así apareció escrito en un cuaderno de Villa Elvira. “Ya desde el título hay un gesto de apropiación del material”, explica Arrese Igor, que estuvo “atento todo el tiempo a que Villa Elvira le gane a Shakespeare”.

Director, actor y docente en arte, Arrese Igor quería no tanto realizar una puesta barrial de Shakespeare, sino tomar ese punto de partida para “poder indagar cuáles son las representaciones, prácticas y discursos de los habitantes de Villa Elvira, en relación a cuestiones de poder, de género”.

“Por eso, por ejemplo, no aparecen el rey ni la reina”, adelanta, sin ánimos de “espoilear” demasiado. “El texto original está completamente estallado, intervenido por las poéticas del barrio”. El estallido es en el terreno de lo simbólico, y eso necesariamente incide en la trama aprendida por todos en la escuela, esa que relata

“Es una propuesta experimental, que incluye un material documental que se mete en el material ficcional: ya ahí hay una ruptura de la trama. Aparecen proyectadas entrevistas con la gente del barrio, pero Claudio, el tío de Jamlet, no es rey, sino que es policía, y Gertrudis en nuestra obra es la abuela de Jamlet, que trabaja en un súper chino”, revela el director platense.

Se trata de una versión resignificada y “muy distanciada”, aunque “todo clásico es clásico por su contemporaneidad”, avisa Arrese Igor sobre la vigencia final del texto original. De “Hamlet” quedan “algunas situaciones puntuales”.

Pero para Arrese Igor, que presentó el proyecto en una convocatoria del Teatro Nacional Argentino y quedó entre los tres elegidos para producir la obra, no solo es una subversión de la obra sino un regreso a sus fuentes populares. “En sus orígenes el teatro de Shakespeare era un teatro granero”, dice.

“Nuestro Jamlet dice ‘a la idea shakesperiana de teatro granero nosotres la convertimos en teatro galpón, teatro zanja, teatro placita, teatro mural, teatro comunitario, teatro de caja negra, teatro oficial, teatro popular, teatro de género, teatro… la vida es puro teatro, por eso digo que soy Jamlet de Villa Elvira y también de Villa del Carmen, el Palihue y muchos barrios más que estamos cerca...y que a su vez estamos cerca de otros y otros barrios’”, señala Arrese Igor.

Y celebra otra ruptura: “El Teatro Nacional rompiendo la idea del teatro culto” y apostando por una puesta popular, que no solo fue gestada y producida desde Villa Elvira, sino que además sostendrá en varias funciones organizadas en los barrios del margen.

“Creo que el teatro tiene que romper ese límite del teatro hecho para teatreros”, analiza Arrese Igor, y avisa que aunque experimental, “esta no es una obra de culto”.

Fuente: EL DIA

Las cuatro mujeres de “2072” aterrizan en Mar del Plata

La obra más premiada en el Festival de la Comedia Municipal de La Plata, se presenta en Cuatro Elementos Espacio Teatral el próximo sábado 19 de octubre a las 21.00 hs. Con una puesta en escena multimedial, las protagonistas viajarán en una nave espacial con el fin de la humanidad y el patriarcado como trasfondo.

En la obra de Mariana Ozafrain, la humanidad está llegando a su fin y la solución parece ser un magnate multimillonario que no es quien parece ser y cuatro mujeres que buscan cambiar sus vidas. La pieza teatral se presentará el próximo viernes a las 22.00 hs en el Teatro Municipal de Ensenada, con entrada libre y a la gorra.

2072 se consolidó como una de las obras más sobresalientes de la escena local de la región, tras agotar sus primeras funciones en La Plata y ganar en las categorías de dirección, actuación femenina y mejor espectáculo del certamen municipal. En clave feminista y con una puesta en escena multimedial, la obra está protagonizada por la reconocida actriz Irene Bianchi, Sabrina Cahuepé, María Emilia Costoya y Marilina Oriolani. 

Acerca del nacimiento de la obra, su autora y directora Mariana Ozafrain, afirma que “las cuatro mujeres personajes tienen algo de mí. Había cosas que ya no quería guardarme y decidí disfrazarlas de ficción, en mayor o menor medida me he sentido afectada por problemáticas similares. Creo que son mujeres muy distintas pero que tienen muchas cosas en común, en cierto modo, son todas la misma mujer”.

“2072” cuenta con la producción de El Faro y es una puesta en escena que va mucho más allá de lo convencional, con un vestuario muy trabajado, nuevas tecnologías, proyecciones y efectos de sonido que trasladan a los espectadores a un verdadero viaje espacial.

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2072

Sábado 19 – 21.00 hs.

Cuatro Elementos Espacio Teatral – Alberti 2746

Reservas por Alternativa Teatral

Fuente: https://irenebianchi.com.ar/

Teatro DON BOSCO de La Plata

Tenes ganas de hacer tu presentación en nuestro teatro?

Escribinos a teatrodbsc@gmail.com

Por favor indicar grupo que solicita, fecha y tipo de presentación por la cual solicitas.

El Teatro del Sagrado Corazón, ubicado en la calle 57 esq. 9 de la ciudad de La Plata

Fuente: EL SAGRADO