lunes, 31 de mayo de 2010
5º Festival Internacional de Teatro y Danza La Plata - Argentina 2010
Cierre: 30 de junio de 2010Convocatoria al 5to Festival Internacional de Teatro. *El Bicentenario*
Ciudad de La Plata-Buenos Aires-Argentina
CONVOCATORIA
1) Se convoca a grupos nacionales y del extranjero al 5to Festival Internacional de Teatro y Danza - Ciudad de La Plata, a realizarse desde el 9 al 12 de septiembre de 2010 en el Centro Cultural Pasaje Dardo Rocha dependiente de la Municipalidad de la Ciudad de La Plata. Con el objetivo de estimular, promover, intercambiar y difundir la labor de los trabajadores de las Artes Escénicas y la Danza.
2) El perfil de la programación apunta a escoger obras de teatro y de la danza dirigidas a un público adulto.
3) Este Festival NO tiene carácter competitivo ya que el mismo apunta a construir un espacio de intercambio creativo generando lazos de reciprocidad y apoyo al arte.
4) El criterio de selección tiene en cuenta la trayectoria del grupo, la originalidad de la propuesta y la incidencia del artista en su medio, ya que es uno de los objetivos de los ORGANIZADORES poder acercar al público de nuestra ciudad propuestas que fomenten la diversidad y de este modo mostrar las formas de trabajo y temáticas que se realizan en este momento histórico en distintas partes del mundo.
5) Los ORGANIZADORES se harán cargo del alojamiento y la alimentación de cada uno de los integrantes de los grupos durante los días en el que se realice el festival.
6) El GRUPO podrá realizar una función en este Festival recibiendo como forma de pago lo recaudado en su presentación de lo que solo se descuenta el porcentaje por derechos de autor (ARGENTORES).
7) Los GRUPOS deberán designar un delegado ante la organización, quién se hará responsable de toda emisión como recepción de la información que se necesite comunicar, llegada de los grupos, etc; debiendo responder ante los ORGANIZADORES cada vez que estos los soliciten. En éste se centralizará toda la información del Festival, como también será responsable económicamente de cualquier circunstancia o incumplimiento que surgiere ante los organizadores o terceras personas.
8) El Festival no cubre el traslado de los grupos invitados a participar dentro de la programación oficial como así tampoco de la escenografía y demás elementos técnicos, a la ciudad de La Plata. El Festival se compromete a enviar a todos los grupos que lo requieran invitaciones oficiales que les permita gestionar los pasajes para poder asistir.
9) Los GRUPOS seleccionados deberán adaptarse a las comodidades y disponibilidades de las salas adjudicadas en cada caso. Para ello, se les enviará las plantas correspondientes oportunamente.
10) Los Organizadores se ofrecen a postular a aquellos Grupos que así lo deseen para realizar funciones en ciudades cercanas a la nuestra y de esta manera obtner un mejor aprovechamiento de su estadía en nuestro país.
11) Los GRUPOS deberán enviar todo el material con el que cuenten en soporte digital (fotos, sinopsis, historia grupo), vía e-mail a lacuartaparedargentina@yahoo.com.ar . Luego de esto los ORGANIZADORES solicitarán los DVD de aquellos espectáculos que coincidan con el criterio de este Festival, para realizar su visionado y de esta manera seleccionar las propuestas que formarán parte de la programación.
12) Los GRUPOS seleccionados recibirán un certificado oficial por su participación y una estatuilla original creada por la artista platense Susana Macris que expresa el espíritu de nuestro Festival.
13) Las propuestas se recibirán hasta el martes 30 de junio de 2010 .
FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO Y DANZA - LA PLATA - ARGENTINA
Gustavo Delfino - Horacio Rafart
Calle 36 Nro. 635 (1900)
LA PLATA
BUENOS AIRES
ARGENTINA
Un equipo de la UNLP realizó un trabajo de relevamiento sobre teatros españoles
Buenos Aires concentra la mayor cantidad de salas de este tipo en Latinoamérica, son obras de fines del siglo XIXAyer finalizó el Primer Encuentro de los Teatros de la Red del Teatro Español en América, realizado en la ciudad bonaerense de Azul –que alberga a uno de los teatros fundados por inmigrantes españoles a principios del siglo pasado–. El objetivo fue activar la gestión del funcionamiento de los mismos y definir una propuesta de coordinación desde la Red.
Pero, antes del mismo, a través de un convenio firmado con la Universidad Nacional de La Plata (UNLP), se conformó el equipo técnico de especialistas, a cargo de la arquitecta Arabela Delachaux, que realizó el relevamiento de estos teatros y avanzaron en la estimación económica que requieren para su correcto funcionamiento y puesta en valor.
-¿Cómo fueron convocados para esta propuesta?
–La propuesta surge de un proyecto imaginado por Mario Vedoya, actor nacido en Argentina y radicado en Madrid hace más de 30 años. Y se presentaron dos proyectos, uno en 2008 y otro este año, a la AECID, Agencia Española de Cooperación y Desarrollo Internacional.
–¿En qué consistían estos proyectos?
–El primero consistió en hacer un sondeo de los teatros españolas fundados por Sociedades Españolas de Socorros Mutuos en la provincia de Buenos Aires y en ver en qué condiciones estaban y cual era su actividad cultural, para ver cuales de ellos estaban en condiciones de pertenecer rápidamente a la Red. De 19 teatros, fueron 9 los considerados con factibilidad para pertenecer a la Red. El segundo proyecto tenía dos objetivos fundamentales: por una parte, intenta establecer cuales son las condiciones que de estos nueve deben ser mejoradas y cual es su costo económico para la correcta puesta a punto y, por otro, reunir a los nueve teatros para el Primer Encuentro de la Red en la ciudad Cervantina de Azul.
–¿Cuál era la importancia de este Primer Encuentro de la Red?
–En este encuentro se pretendía generar un acuerdo de pertenencia a la Red e iniciar un intercambio de experiencias en gestión cultural, en función de optimizar la actividad cultural en toda la provincia y ser el germen de una nueva forma de dinamizar el territorio fuera del circuito teatral de Buenos Aires y, además, ser expansivo hacia nuevos territorios en toda América Latina. De tal modo se concretaría un ambicioso proyecto que uniría las dos ciudades cervantinas en América, Guanajuato en México y Azul en Argentina. Y para realizar este proyecto se realizaron acciones tendientes a consolidar la Red, como la creación de la Fundación y un acuerdo marco con la UNLP. Es por ello que el presente proyecto, Puesta en Valor de los Teatros Españoles en la provincia de Buenos Aires y Primer Encuentro de la Red en Azul, se realizó mediante un convenio entre la Fundación y la UNLP, donde intervienen especialistas de la Facultades de Arquitectura, Bellas Artes e Ingeniería.
–-¿Quiénes integraron ese equipo?
–Además de mí, estaban el Ingeniero Pablo Ixtaina, el Ingeniero Matías Presso, la Licenciada en Artes Plásticas Patricia Ciochini y Daniel Gulayin en cómputos.
Teatros españoles en la Provincia. Hacia fines del siglo XIX y principios del XX, junto con el fenómeno de la inmigración, se produce de un modo muy extendido, a lo largo y ancho de la provincia de Buenos Aires, la creación de edificios teatrales fundados por inmigrantes a través de las Asociaciones Españolas de Socorros Mutuos, con el fin de preservar la memoria y las raíces.
No existe lugar en Latinoamérica que concentre tal cantidad de teatros de estas características como la provincia de Buenos Aires. Por esta razón, la Red del Teatro Español en América comienza allí la tarea de extenderse en el tiempo a todos y cada uno de los teatros de Hispanoamérica que, por historia, dimensiones y categoría, puedan formar parte de ella.
La Fundación Red del Teatro Español de América busca no sólo preservar esos teatros creados desde la sociedad civil sino también transformarlos en un polo cultural que sea referente y orgullo de cada una de las ciudades. A partir de la experiencia de España, que cuenta con una Red Nacional de Teatro muy aceitada e incluye las redes de cada una de sus comunidades autonómicas, promueve la creación de la Red como un elemento vertebrador e impulsor de la cultura, se pretende fomentar los procesos de autodesarrollo económico de las poblaciones participantes y de sus teatros. Desde una perspectiva descentralizada busca favorecer un intercambio pleno y eficaz entre España e Hispanoamérica, un viaje de ida y vuelta que contribuya a desarrollar las distintas regiones.
Luego de un relevamiento exhaustivo –realizado por el equipo de la UNLP–, que comprendió 19 salas existentes en territorio bonaerense, se seleccionaron 9 para realizar un análisis del costo económico que implica su definitiva y correcta puesta en valor. Los elegidos fueron los teatros españoles de Azul, Bolívar, Lobería, Luján, Magdalena, Pehuajó, Pigüé, Saladillo y Trenque Lauquen.
Fuente: Diagonales
No existe lugar en Latinoamérica que concentre tal cantidad de teatros de estas características como la provincia de Buenos Aires. Por esta razón, la Red del Teatro Español en América comienza allí la tarea de extenderse en el tiempo a todos y cada uno de los teatros de Hispanoamérica que, por historia, dimensiones y categoría, puedan formar parte de ella.
La Fundación Red del Teatro Español de América busca no sólo preservar esos teatros creados desde la sociedad civil sino también transformarlos en un polo cultural que sea referente y orgullo de cada una de las ciudades. A partir de la experiencia de España, que cuenta con una Red Nacional de Teatro muy aceitada e incluye las redes de cada una de sus comunidades autonómicas, promueve la creación de la Red como un elemento vertebrador e impulsor de la cultura, se pretende fomentar los procesos de autodesarrollo económico de las poblaciones participantes y de sus teatros. Desde una perspectiva descentralizada busca favorecer un intercambio pleno y eficaz entre España e Hispanoamérica, un viaje de ida y vuelta que contribuya a desarrollar las distintas regiones.
Luego de un relevamiento exhaustivo –realizado por el equipo de la UNLP–, que comprendió 19 salas existentes en territorio bonaerense, se seleccionaron 9 para realizar un análisis del costo económico que implica su definitiva y correcta puesta en valor. Los elegidos fueron los teatros españoles de Azul, Bolívar, Lobería, Luján, Magdalena, Pehuajó, Pigüé, Saladillo y Trenque Lauquen.
Fuente: Diagonales
Teatro Princesa La Plata
INDALECIO GUASCO - EL CUARTOSCURO
Viejo Teatro Princesa, cito en Diagonal 74 entre 3 y 4 La Plata Buenos Aires Argentina
Modelo: Mijal Kako, Soledad Serrano, Yael, Paula.
Fuente: http://www.elcuartoscuro.net/Galerias/teatroprincesa/
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| www.elcuartoscuro.net |
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Viejo Teatro Princesa, cito en Diagonal 74 entre 3 y 4 La Plata Buenos Aires Argentina
Modelo: Mijal Kako, Soledad Serrano, Yael, Paula.
Fuente: http://www.elcuartoscuro.net/Galerias/teatroprincesa/
domingo, 30 de mayo de 2010
García Lorca, evocado en su paisaje
EL POETA Y SU MUSA.GARCÍA LORCA Y MARGARITA XIRGU, EN LAS IMPECABLES ACTUACIONES DE FRANCO FAGIOLI Y MARISÚ PAVÓN.“Ainadamar” La ópera de Golijov subió en el Argentino con una brillante producción musical y escénica.
PorFederico Monjeau
El Teatro Argentino celebró la semana del Bicentenario con el estreno sudamericano de una ópera de un hijo dilecto de La Plata: Osvaldo Golijov, radicado en los Estados Unidos y celebrado como uno de los creadores más significativos de la escena contemporánea.
Ainadamar (“fuente de lágrimas”) es la primera y única ópera del autor. Estrenada en 2003 en el Festival de Tanglewood y revisada en 2005, lleva un libreto del escritor estadounidense David Henry Hwang y su centro es Federico García Lorca. La presencia del poeta es indirecta; su figura es evocada por su musa, la actriz catalana Margarita Xirgu, y la acción está úbicada en un día de 1969 en el Teatro Solís de Montevideo. La obra está concebida como un único acto en tres “imágenes”.
Nadie parece más alejado que Osvaldo Golijov del ideal romántico-modernista de un material musical ”puro”, que se vuelve significativo a partir de su empleo en una obra singular. Las obras de Golijov transcurren sobre un fondo, sobre una topografía musical, y el paisaje de esta ópera sobre Federico García Lorca es andaluz.
El material de la música no es para Golijov una entidad abstracta sino evocativa. Y en esta ópera la evocación es directa; no por la vía de una estilización sinfónica sino, más inmediatamente, por el uso de las guitarras, la percusión y el cantaor del flamenco, además de una orquesta de cámara y un importante set de sonidos pregrabados. La topografía musical de Golijov es tan precisa que por momentos la obra tiene algo de agencia de turismo: cuando en la segunda imagen de la obra Margarita Xirgu cuenta que quería llevárselo a Lorca en su gira cubana para salvarlo de la Falange, aparecen las maracas y los sonidos caribeños. Hay en eso algo chocante, es cierto, pero la obra se sostiene en un punto alto pese a todo.
Golijov introduce esos elementos libremente en el dominio de la ópera, y no es esta la única libertad que se toma con relación al género. No es una ópera convencional, ni en los materiales, ni en su forma introspectiva, ni en la composición de los personajes; empezando por el de Lorca, que en el estreno fue confiado a una mezzo y que aquí realiza un contratenor, el excelente Franco Fagioli. Ese desplazamiento del registro (que todavía era común en el clasicismo) no se oye como una anécdota sobre la sexualidad de Lorca sino como una situación lírica extrema: Lorca es irreal, canta en las nubes; su forma musical no da un tipo tenoril, sino algo expresivamente más ambiguo y más barroco. Hay giros andaluces y el paisaje español se mantiene como un fondo, pero la bellísima y personalísima línea de Lorca no se pliega completamente a él. En todo caso, el efecto de sobreimpresión es conmovedor; esto sólo justificaría lo obra entera, pero no es lo único que corta el aliento del oyente.
La puesta de Claudia Billourou y el diseño escenográfico de Juan Carlos Greco no podrían ser más ascéticos y expresivos. La interpretación musical es impecable. El chileno Rodolfo Fischer tiene todos los detalles de la obra en la cabeza. Además de Fagioli, la soprano Marisú Pavón lleva con solvencia la línea casi imposible que la obra destina a Margarita Xirgu, y Patricia González cumple sobradamente en el rol de Nuria.
La Ficha
Ainadamar
Autor: Osvaldo Golijov
Director:Rodolfo Fischer; régie: Claudia Billourou; reparto: Franco Fagioli, Marisú Pavón, Patricia González, Jesús Montoya, Víctor Castels y otros. Teatro Argentino, viernes 28. Hoy a las 17, última función.
Muy bueno
Fuente: Clarín
PorFederico Monjeau
El Teatro Argentino celebró la semana del Bicentenario con el estreno sudamericano de una ópera de un hijo dilecto de La Plata: Osvaldo Golijov, radicado en los Estados Unidos y celebrado como uno de los creadores más significativos de la escena contemporánea.
Ainadamar (“fuente de lágrimas”) es la primera y única ópera del autor. Estrenada en 2003 en el Festival de Tanglewood y revisada en 2005, lleva un libreto del escritor estadounidense David Henry Hwang y su centro es Federico García Lorca. La presencia del poeta es indirecta; su figura es evocada por su musa, la actriz catalana Margarita Xirgu, y la acción está úbicada en un día de 1969 en el Teatro Solís de Montevideo. La obra está concebida como un único acto en tres “imágenes”.
Nadie parece más alejado que Osvaldo Golijov del ideal romántico-modernista de un material musical ”puro”, que se vuelve significativo a partir de su empleo en una obra singular. Las obras de Golijov transcurren sobre un fondo, sobre una topografía musical, y el paisaje de esta ópera sobre Federico García Lorca es andaluz.
El material de la música no es para Golijov una entidad abstracta sino evocativa. Y en esta ópera la evocación es directa; no por la vía de una estilización sinfónica sino, más inmediatamente, por el uso de las guitarras, la percusión y el cantaor del flamenco, además de una orquesta de cámara y un importante set de sonidos pregrabados. La topografía musical de Golijov es tan precisa que por momentos la obra tiene algo de agencia de turismo: cuando en la segunda imagen de la obra Margarita Xirgu cuenta que quería llevárselo a Lorca en su gira cubana para salvarlo de la Falange, aparecen las maracas y los sonidos caribeños. Hay en eso algo chocante, es cierto, pero la obra se sostiene en un punto alto pese a todo.
Golijov introduce esos elementos libremente en el dominio de la ópera, y no es esta la única libertad que se toma con relación al género. No es una ópera convencional, ni en los materiales, ni en su forma introspectiva, ni en la composición de los personajes; empezando por el de Lorca, que en el estreno fue confiado a una mezzo y que aquí realiza un contratenor, el excelente Franco Fagioli. Ese desplazamiento del registro (que todavía era común en el clasicismo) no se oye como una anécdota sobre la sexualidad de Lorca sino como una situación lírica extrema: Lorca es irreal, canta en las nubes; su forma musical no da un tipo tenoril, sino algo expresivamente más ambiguo y más barroco. Hay giros andaluces y el paisaje español se mantiene como un fondo, pero la bellísima y personalísima línea de Lorca no se pliega completamente a él. En todo caso, el efecto de sobreimpresión es conmovedor; esto sólo justificaría lo obra entera, pero no es lo único que corta el aliento del oyente.
La puesta de Claudia Billourou y el diseño escenográfico de Juan Carlos Greco no podrían ser más ascéticos y expresivos. La interpretación musical es impecable. El chileno Rodolfo Fischer tiene todos los detalles de la obra en la cabeza. Además de Fagioli, la soprano Marisú Pavón lleva con solvencia la línea casi imposible que la obra destina a Margarita Xirgu, y Patricia González cumple sobradamente en el rol de Nuria.
La Ficha
Ainadamar
Autor: Osvaldo Golijov
Director:Rodolfo Fischer; régie: Claudia Billourou; reparto: Franco Fagioli, Marisú Pavón, Patricia González, Jesús Montoya, Víctor Castels y otros. Teatro Argentino, viernes 28. Hoy a las 17, última función.
Muy bueno
Fuente: Clarín
Atracción, una obra que “coloca” a los actores entre la gente
En el pasaje Rodrigo, 50 e/ 4 y 5 de La Plata, hoy habrá funciones a las 17, 18 y 19. Para dejarse sorprender
La rutina de un paseo familiar o un domingo de Shopping puede verse felizmente alterada por la rrupción de un grupo de actores, que mezclándose entre la gente lleven a adelante una puesta en escena teatral. Eso es exactamente lo que ocurrirá esta tarde desde las 17, cuando cuatro actores (Ricardo Pérez Sbrascini, Edgardo Desimone, Néstor Ponze y Félix Alóe) alteren la cotidianidad del Pasaje Rodrigo (50 entre 4 y 5) para realizar Atracción, que cuenta con la dirección de Ricardo Ibarlín, Claudio Rodrigo y Julián Howard.
"Es una pieza que es medio inusual por lo menos en lo que he trabajado yo, se trata de un espectáculo que va a ocurrir con el público, es decir con los que estén paseando o comprando en el Pasaje Rodrigo. Es una cosa que ocurre, una especie de happening, direccionado hacia distintos puntos que tienen que ver con La Plata, ciertos hechos y ciertos personajes de la ciudad, y elementos como el tren, con su arribo por primera vez; funambulistas alemanes; el famoso cruce desde la Catedral hacia la Municipalidad; un personaje que hace al sabio Carlo Luigi Spegazzini y luego hay una movida hacia el Café Martínez, un lugar que se caracterizaba por un sitio que se llamaba El Teclado, donde hacían jazz y había sido creado por un tipo que se llamaba 'Coco' Bach, y va a haber una banda que se va a llamar El tecladito y la banda de Coco Bich, que son nada más y nada menos que títeres, que recrean la música de aquellos tiempos en un solo tema", comentó a Diagonales Ricardo Ibarlín, buscando dar cuenta de los caminos por los que transitará Atracción y los actores que se mezclaran con los circunstanciales visitantes.
Los personajes de esta puesta en escena interactuarán con la gente y jugarán con los recovecos que les ofrece este sitio histórico. "Es una especie de ícono urbanístico para La Plata, por la forma que tiene, por la época en que se lo hizo, quién lo hizo. Un tipo que llega por primera vez a la ciudad cuando tenía 11 años y vive y trabaja en la tienda El Progreso. Empieza su vida comercial y termina en esto que han heredado sus nietos y que está manejado Carlos Rodrigo y Guillermo Domian, entre otros; y me propusieron hacer a mí algo que no ocurriera en la sala que tiene el Pasaje. Y se me ocurrió esto, y para eso convoqué a Claudio Rodrigo, un tipo al que conocía porque es asistente de (Eva) Halac y yo había hecho con el Un guapo del '900, que es una apuesta en la calle, donde los espacios son totalmente distintos a lo de un actor, por más que sea una cosa a la italiana, 'grande'; y lo convoqué también a Julián Howard, que es el director de Los Macocos y un tipo que sabe mucho del espacio".
"Los horarios de ensayo siempre fueron después de las 9, cuando cierra el paseo. Lo hemos hecho con amigos, pero no aún con gente que esté comprando. Al principio jugamos con los actores, porque tiene que haber una conexión entre ellos y la gente, una cierta complicidad, porque eso es lo que se trata de hacer", remarcó Ibarlín y quienes deseen formar parte de esta particular propuesta teatral no tendrán más que acercarse al Pasaje Rodrigo a las 17, a las 18 o a las 19. "Está pensado para que la gente pase y vea una cosa que pasa allá y otra en otro lugar, todo dando vueltas ahí. Y dura muy poco 20 o 25 minutos".
Durante el mes de junio, Atracción podrá verse todos los sábados y domingos en los horarios detallados.
Fuente: Diagonales
La rutina de un paseo familiar o un domingo de Shopping puede verse felizmente alterada por la rrupción de un grupo de actores, que mezclándose entre la gente lleven a adelante una puesta en escena teatral. Eso es exactamente lo que ocurrirá esta tarde desde las 17, cuando cuatro actores (Ricardo Pérez Sbrascini, Edgardo Desimone, Néstor Ponze y Félix Alóe) alteren la cotidianidad del Pasaje Rodrigo (50 entre 4 y 5) para realizar Atracción, que cuenta con la dirección de Ricardo Ibarlín, Claudio Rodrigo y Julián Howard."Es una pieza que es medio inusual por lo menos en lo que he trabajado yo, se trata de un espectáculo que va a ocurrir con el público, es decir con los que estén paseando o comprando en el Pasaje Rodrigo. Es una cosa que ocurre, una especie de happening, direccionado hacia distintos puntos que tienen que ver con La Plata, ciertos hechos y ciertos personajes de la ciudad, y elementos como el tren, con su arribo por primera vez; funambulistas alemanes; el famoso cruce desde la Catedral hacia la Municipalidad; un personaje que hace al sabio Carlo Luigi Spegazzini y luego hay una movida hacia el Café Martínez, un lugar que se caracterizaba por un sitio que se llamaba El Teclado, donde hacían jazz y había sido creado por un tipo que se llamaba 'Coco' Bach, y va a haber una banda que se va a llamar El tecladito y la banda de Coco Bich, que son nada más y nada menos que títeres, que recrean la música de aquellos tiempos en un solo tema", comentó a Diagonales Ricardo Ibarlín, buscando dar cuenta de los caminos por los que transitará Atracción y los actores que se mezclaran con los circunstanciales visitantes.
Los personajes de esta puesta en escena interactuarán con la gente y jugarán con los recovecos que les ofrece este sitio histórico. "Es una especie de ícono urbanístico para La Plata, por la forma que tiene, por la época en que se lo hizo, quién lo hizo. Un tipo que llega por primera vez a la ciudad cuando tenía 11 años y vive y trabaja en la tienda El Progreso. Empieza su vida comercial y termina en esto que han heredado sus nietos y que está manejado Carlos Rodrigo y Guillermo Domian, entre otros; y me propusieron hacer a mí algo que no ocurriera en la sala que tiene el Pasaje. Y se me ocurrió esto, y para eso convoqué a Claudio Rodrigo, un tipo al que conocía porque es asistente de (Eva) Halac y yo había hecho con el Un guapo del '900, que es una apuesta en la calle, donde los espacios son totalmente distintos a lo de un actor, por más que sea una cosa a la italiana, 'grande'; y lo convoqué también a Julián Howard, que es el director de Los Macocos y un tipo que sabe mucho del espacio".
"Los horarios de ensayo siempre fueron después de las 9, cuando cierra el paseo. Lo hemos hecho con amigos, pero no aún con gente que esté comprando. Al principio jugamos con los actores, porque tiene que haber una conexión entre ellos y la gente, una cierta complicidad, porque eso es lo que se trata de hacer", remarcó Ibarlín y quienes deseen formar parte de esta particular propuesta teatral no tendrán más que acercarse al Pasaje Rodrigo a las 17, a las 18 o a las 19. "Está pensado para que la gente pase y vea una cosa que pasa allá y otra en otro lugar, todo dando vueltas ahí. Y dura muy poco 20 o 25 minutos".
Durante el mes de junio, Atracción podrá verse todos los sábados y domingos en los horarios detallados.
Fuente: Diagonales
El teatro independiente vuelve al escenario del Coliseo Podestá
Sotto voce se presenta con textos de García Lorca y Walt Whitman esta noche a las 20
El Coliseo Podestá (10 entre 46 y 47) abre sus puertas esta noche, a las 20, al teatro independiente, como ya lo ha venido haciendo desde el año pasado. El 2010 tuvo su apertura al teatro under de la ciudad con Los árboles mueren de pie, pero en esta oportunidad, es el turno del grupo Buscalunas que presenta la obra Sotto voce, con dirección y dramaturgia de Olga Anzolini.
Sotto voce "es un espectáculo que tiene que ver con la lectura y musicalización de textos, de amor, desamor y erotismo, basado en la obra de Federico García Lorca y de Walt Whitman y alguna dramaturgia mía sobre estos autores”, señaló Anzolini a Diagonales. “Lo que une es la temática. Son como diferentes historias contadas con la palabra, la voz y es ese intento de realzar el valor de la palabra, en momentos en que está devaluada. También se trabaja a partir de textos musicalizados, con la música original de Alejandro Dinamarca”, contó detalladamente la directora de esta puesta.
“Nosotros relatamos estos textos, en forma solista arriba del escenario. Tienen un trabajo de personaje, de puesta, pero no dejan de ser lectura de textos. Es arriesgado en el sentido que no se trata de los cuenta cuentos tradicionales sino que lo teatral tiene que ver con ese desplazamiento, esas personas que testimonian con sus historias.
También hay algo de danza, porque algo que caracteriza al grupo es la búsqueda, la unión de diferentes lenguajes. En este caso sería lo literario, la palabra poética, la música y la danza.
Sotto Voce cuenta además con las actuaciones de María Inés Uro, Marta Falcón Lima, Germán Reimondo, Walter Carrozzi y Olga Anzolini; con Rocío Balmaceda y Fabián Rinque como bailarines invitados, con música original e interpretación en escena es de Alejandro Dinamarca. La iluminación está a cargo de Soledad Machado y la asistencia de dirección es de Graciela Lugones.
–¿Además es el festejo de los diez años del grupo teatral Buscalunas?
–Sí, para esta presentación estamos todos los integrantes del grupo, además de los invitados que son los que bailan que ya están incluidos para un nuevo proyecto que estrenaremos en las vacaciones de invierno, un infantil que presentaremos en el Centro Cultural Favero al que denominamos Secretos de la luna, luna, que también tiene alguna poesía de Lorca.
Siempre está la intención de buscar esos espacios entre los lenguajes que se sintetizan en lo teatral. Se logra una síntesis teatral a partir de la mezcla del lenguaje.
La historia como grupo comenzó con una obra infantil que fue una versión de El hombrecito del azulejo de Manuel Mujica Laínez, eso hace diez años en el 2000. En ese momento, nos eligieron como mejor grupo de teatro infantil y nos entregaron el premio Pepe Podestá en el Coliseo. Ahora volvemos allí con una propuesta distinta.
–¿Qué implica presentarse en el Coliseo Podestá?
–Es un desafío. Nos llenó de alegría que nos convocaran en este ciclo de teatro independiente que ya comenzó hace un par de meses con Los árboles mueren de pie y continúa con nosotros. Primero lo que me parece fantástico es que un teatro municipal le dé un espacio al teatro independiente, porque venimos trabajando en silencio, presentándonos en distintas salas de la ciudad. Tener un lugar allí, en ese espacio tan lindo, nos da mucha alegría sobre todo con el festejo de nuestros diez años. Porque hay obras y espectáculos que se arman y se desarman, pero nosotros tenemos esta búsqueda particular desde nuestro nacimiento, con buenos espectadores y con este reconocimiento de entidades como el Fondo Nacional de las Artes, con los premios municipales, es una alegría bárbara.
Fuente: Diagonales
El Coliseo Podestá (10 entre 46 y 47) abre sus puertas esta noche, a las 20, al teatro independiente, como ya lo ha venido haciendo desde el año pasado. El 2010 tuvo su apertura al teatro under de la ciudad con Los árboles mueren de pie, pero en esta oportunidad, es el turno del grupo Buscalunas que presenta la obra Sotto voce, con dirección y dramaturgia de Olga Anzolini.Sotto voce "es un espectáculo que tiene que ver con la lectura y musicalización de textos, de amor, desamor y erotismo, basado en la obra de Federico García Lorca y de Walt Whitman y alguna dramaturgia mía sobre estos autores”, señaló Anzolini a Diagonales. “Lo que une es la temática. Son como diferentes historias contadas con la palabra, la voz y es ese intento de realzar el valor de la palabra, en momentos en que está devaluada. También se trabaja a partir de textos musicalizados, con la música original de Alejandro Dinamarca”, contó detalladamente la directora de esta puesta.
“Nosotros relatamos estos textos, en forma solista arriba del escenario. Tienen un trabajo de personaje, de puesta, pero no dejan de ser lectura de textos. Es arriesgado en el sentido que no se trata de los cuenta cuentos tradicionales sino que lo teatral tiene que ver con ese desplazamiento, esas personas que testimonian con sus historias.
También hay algo de danza, porque algo que caracteriza al grupo es la búsqueda, la unión de diferentes lenguajes. En este caso sería lo literario, la palabra poética, la música y la danza.
Sotto Voce cuenta además con las actuaciones de María Inés Uro, Marta Falcón Lima, Germán Reimondo, Walter Carrozzi y Olga Anzolini; con Rocío Balmaceda y Fabián Rinque como bailarines invitados, con música original e interpretación en escena es de Alejandro Dinamarca. La iluminación está a cargo de Soledad Machado y la asistencia de dirección es de Graciela Lugones.
–¿Además es el festejo de los diez años del grupo teatral Buscalunas?
–Sí, para esta presentación estamos todos los integrantes del grupo, además de los invitados que son los que bailan que ya están incluidos para un nuevo proyecto que estrenaremos en las vacaciones de invierno, un infantil que presentaremos en el Centro Cultural Favero al que denominamos Secretos de la luna, luna, que también tiene alguna poesía de Lorca.
Siempre está la intención de buscar esos espacios entre los lenguajes que se sintetizan en lo teatral. Se logra una síntesis teatral a partir de la mezcla del lenguaje.
La historia como grupo comenzó con una obra infantil que fue una versión de El hombrecito del azulejo de Manuel Mujica Laínez, eso hace diez años en el 2000. En ese momento, nos eligieron como mejor grupo de teatro infantil y nos entregaron el premio Pepe Podestá en el Coliseo. Ahora volvemos allí con una propuesta distinta.
–¿Qué implica presentarse en el Coliseo Podestá?
–Es un desafío. Nos llenó de alegría que nos convocaran en este ciclo de teatro independiente que ya comenzó hace un par de meses con Los árboles mueren de pie y continúa con nosotros. Primero lo que me parece fantástico es que un teatro municipal le dé un espacio al teatro independiente, porque venimos trabajando en silencio, presentándonos en distintas salas de la ciudad. Tener un lugar allí, en ese espacio tan lindo, nos da mucha alegría sobre todo con el festejo de nuestros diez años. Porque hay obras y espectáculos que se arman y se desarman, pero nosotros tenemos esta búsqueda particular desde nuestro nacimiento, con buenos espectadores y con este reconocimiento de entidades como el Fondo Nacional de las Artes, con los premios municipales, es una alegría bárbara.
Fuente: Diagonales
Ballet "Estancia" de Ginastera y Ópera "Ainadamar" de Golijov
A las 17, en la sala Alberto Ginastera del Teatro Argentino, calle 51 e/ 9 y 10. Entradas desde $ 15. Descuentos a jubilados y pensionados.Estancia -Suite- contará con la conducción de orquesta de Rodolfo Fischer. Será interpretada por integrantes del Ballet Estable que dirige Rodolfo Lastra. La escenografía y el vestuario le corresponden a Marta Albertinazzi y la iluminación a Juan Carlos Greco. El diseño de video y edición le pertenecen a Federico Bongiorno, habrá frases y palabras del Martín Fierro de José Hernández en la voz de Ciro Zorzoli y composición sonora y edición a cargo de Jorge Chikiar.
La ópera Ainadamar de Osvaldo Golijov tiene libreto de David Henry Hwang y está basada en la vida del escritor Federico García Lorca. Se ofrecerá con la dirección musical de Rodolfo Fischer, la dirección de escena y el vestuario de Claudia Billourou; la escenografía e iluminación de Juan Carlos Greco y el diseño de video y la edición de Federico Bongiorno. El reparto estará encabezado por Franco Fagioli (Federico García Lorca), Marisú Pavón (Margarita Xirgu), Patricia González (Nuria) y Jesús Montoya (Ruiz Alonso).
Estancia -Suite-:
En 1939 Alberto Ginastera (1916-1983) compuso el ballet Panambí, considerado por sus biógrafos su primera obra importante. Le había sido comisionado por Lincoln Kirstein (1907-1996), uno de los más inquietos promotores artísticos norteamericanos en el campo de la música, la danza, la literatura y el cine, con el objeto de que el célebre coreógrafo George Balanchine (1904-1983) lo montara con la compañía del American Ballet Caravan.
Dos años después, también por encargo de Kirstein y con el mismo destino, Ginastera creó la música del ballet Estancia, dedicado a reflejar los personajes prototípicos y las actividades características de los grandes establecimientos rurales de la pampa argentina. Pero la inminencia de la Segunda Guerra Mundial frustró la posibilidad de que ambas obras llegaran a subir efectivamente a escena.
La pieza quedó relegada hasta que en 1943 se estrenó en Buenos Aires una suite de sólo cuatro danzas en versión de concierto. La repercusión fue tan inmediata como favorable. Pero la primera presentación completa del ballet, con coreografía de Michel Borowsky, se produjo recién en 1952 en el Teatro Colón de Buenos Aires.
Desde entonces, Estancia ha dado pie a numerosas versiones realizadas en el país y en el exterior, algunas muy recordadas, como la efectuada por Oscar Araiz en 1966 en el Teatro Colón, como parte de los festejos del 150° aniversario de la Declaración de la Independencia nacional.
Para esta oportunidad, Carlos Trunsky seleccionó de la partitura original completa un total de ocho danzas, las cinco más enérgicas y las tres de mayor lirismo.
Este joven coreógrafo quiso aprovechar esta obra paradigmática para expresar por medio de formas danzables su propia visión de nuestro pasado y nuestro presente, con una mirada que no elude la crítica ni el señalamiento de nuestras contradicciones.
Ainadamar, de Osvaldo Golijov:
Osvaldo Golijov nació en La Plata, donde inició sus estudios de piano y composición. En 1983 se trasladó a Israel, donde continuó su formación musical. Tres años después se estableció en los Estados Unidos y se perfeccionó junto a figuras de la talla de George Crumb, Lukas Foss y Oliver Knussen. Escribió numerosas piezas por encargo de universidades y festivales norteamericanos. Actualmente es compositor permanente de la Orquesta Sinfónica de Chicago. Ha dedicado obras especiales a conjuntos de cámara tan famosos como Kronos Quartet y St. Lawrence String Quartet y es el autor de la música de los dos últimos filmes rodados por Francis Ford Coppola.
Ainadamar (“fuente de las lágrimas”, en árabe) es su primera contribución al género lírico y le fue encargada por la Orquesta Sinfónica de Boston. La subtituló “Opera prima en un acto compuesto de tres imágenes”. Se estrenó en 2003 en el Festival de Tanglewood y, en versión revisada, se presentó en 2005 en la Opera de Santa Fe (Nuevo México, Estados Unidos). A partir de esa fecha ha recorrido con invariable éxito las grandes salas teatrales de Norteamérica y Europa.
La grabación de Ainadamar pasó a ocupar en poco tiempo el primer puesto del ranking de música clásica de Billboard, fue aclamada unánimemente por la crítica y obtuvo en 2007 dos premios Grammy: Mejor Grabación de Opera y Mejor Composición Clásica Contemporánea”.
La obra cuenta la historia del poeta granadino Federico García Lorca, su oposición a la Falange, la persecución de la que es objeto como republicano y homosexual y su asesinato en medio de los enfrentamientos de la guerra civil. La recordada actriz catalana Margarita Xirgu, que fue su musa, narra retrospectivamente los dramáticos episodios de la vida y de la muerte de Federico.
El libreto, escrito originalmente en inglés y luego traducido al español, le corresponde al escritor estadounidense David Henry Hwang. La partitura incorpora sonidos típicos del folclore andaluz y, para ello, suma a la orquesta una sección de guitarra y cajón flamencos.
Fuente: Hoy
Giratutto, un espectáculo de payasadas para disfrutar en familia
A las 15.30 y a las 17 en plaza Azcuénaga, calle 19 y 44. A la gorra. Juan Matías Ferreyra encarna una vez más al payaso Alan Brando, esta vez en otro espectáculo unipersonal. Giratutto es una divertidísima versión de este payaso que parece haber perdido por completo el miedo al ridículo y mediante una disparatada rutina de números y pruebas intenta hacer feliz a su público, aunque sea por un ratito...
El equilibrio, la manipulación de objetos, el humor y la constante interacción de Alan Brando con los espectadores hacen de Giratutto un show lleno de frescura y dinamismo, para los más chicos o para los más grandes con alma de chicos. Un espectáculo para disfrutar de una tarde en familia a pura diversión.
Fuente: Hoy
Festival de Cine de Universidades Públicas
Se presentará en la apertura del Festival de Cine de Universidades Públicas la obra “Cine Accidental: La Vieja Carrera” de Carmen Baliero.La idea y dirección general le corresponden a Carmen Baliero y la dirección musical a Carlos Vega. Como asistente de dirección se desempeña Cecilia López; el diseño de video está a cargo de Ian Kornfield, Carmen Baliero y Cecilia López; el montaje y la edición de video son de Ian Kornfield; Facundo Gómez actúa como técnico de sonido y las entrevistas fueron efectuadas por la cátedra de Realización I del Departamento de Artes visuales de la Facultad de Bellas Artes de la UNLP.
Participarán los músicos Carlos Vega (contrabajo), Carmen Baliero (piano), Cecilia López (sonorización y sintetizador) y Gerardo Cavanna (percusión).
JUNIO 2010
Martes 8
jueves 17
viernes 18
sábado 19
21 hs.
Fuente: http://www.teatroargentino.gba.gov.ar/2010/tacec_2010/cine.html
Liberación a la pantalla grande
El viernes arrancó en nuestra ciudad un festival de películas que abordan la temática de diversidad sexual y género. Se llama Libercine y se hace de manera itinerante en distintas ciudades de nuestro país a lo largo de todo el año.Empezó como una muestra de cine en respuesta a un hecho puntual de discriminación que tuvo lugar en la Universidad Nacional de Córdoba, en 2008. Como crítico de cine, con experiencia en la organización de festivales en nuestro país y en el exterior, Néstor Granda fue convocado por el Centro de Experimentación en Artes de la propia casa de estudios cordobesa para dar una original respuesta al episodio que se quería repudiar.
Así, lo que en ese momento fue una muestra de cine sobre diversidad sexual tuvo tal aceptación en los medios y el público que pronto se convirtió en festival, y comenzó a hacerse en distintas ciudades.
La semana pasada el evento arrancó, por tercer año consecutivo, en Capital Federal y, luego de siete días de proyección de cortos, medios y largos, este fin de semana le tocó el turno a nuestra ciudad. Desde el viernes y hasta hoy, el Festival Internacional de Cine sobre Diversidad Sexual y Género de Argentina Libercine se lleva a cabo en el Pasaje Dardo Rocha.
Organizado por el sitio ViendoCine y el ámbito de reflexión Espacio Queer, y con los auspicios del Incaa (Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales), la dirección nacional de la Juventud del ministerio de Desarrollo Social de la Nación, el Inadi (Instituto Nacional contra la Discriminación, la Xenofobia y el Racismo), la secretaría de Derechos Humanos de la Nación; y con el apoyo de la Universidad Popular Madres de Plaza de Mayo, Libercine otorga menciones a la Mejor Película, Mejor Director/ra, Mención Especial del Jurado y Mejor Cortometraje Argentino.
Aunque 2010 es el tercer año en que se hace, no es su tercera edición, ya que permanentemente recorre el país de manera itinerante.
En diálogo con Hoy, el director de Libercine, Néstor Granda, explicó que, si bien por el momento los productos audiovisuales que abordan la diversidad sexual como tema todavía circulan más bien en festivales o muestras específicas, y no tanto en el circuito comercial, también se nota cómo, progresivamente, van teniendo cada vez más presencia.
En comparación con lo que sucede en otros países, en los que quizás se desarrolla desde hace más tiempo que en el nuestro, Granda señaló que eso no necesariamente implica que lo hagan con más profundidad, sino que, por el contrario, “muchas veces lo hacen de manera superficial y un tanto discriminatoria”, según sus palabras. “Que aborden la diversidad sexual en sus temáticas no implica una apertura, un respeto para con el tema”, reflexionó el director de Libercine, que es docente de Letras, guionista y crítico cinematográfico.
Consultado acerca de las oportunidades que brinda el cine para aproximarse a la temática de género y elecciones sexuales, Granda expresó que, si bien desde cualquier disciplina se puede intentar darle tratamiento, “las artes audiovisuales, quizá, por ponernos en el ojo, en la mirada del otro, permiten un mayor acercamiento”.
Con respecto a las producciones que se han presentado para competir en Libercine, Granda recalcó que se abarcan todas las temáticas relacionadas, aunque admitió que las historias más vistas tienen que ver con gays o trans (travestismo), y no tanto con el lesbianismo o las mujeres convertidas a hombres. En este sentido, precisó que ese hecho probablemente se deba a “cierto ocultamiento que existe en estos grupos”. También hizo hincapié en la existencia de sectores reaccionarios, que se resisten y se oponen activamente a este tipo de iniciativas, aunque destacó que, si no los hubiera, “tampoco tendría sentido crear espacios como Libercine”.
Programación
Ayer se realizó un debate sobre el aborto, y luego se emitió la película Rosa Patria, de Santiago Loza. Hoy se proyectarán tres cortos entre las 16 y las 18, y a las 20 los largometrajes Princesa de Africa, de Juan Laguna, y Marcela, de Gastón Siriczman.
Fuente: Hoy
“OTOÑO EN FUGA. Espacio de prueba”
La Fabriquera Itinerante presenta “OTOÑO EN FUGA. Espacio de prueba” más que un espacio, una oportunidad de poner a prueba aquello en lo que estamos trabajando. Como lo fue Letras de Medianoche y V de Variedad, celebramos el encuentro de propuestas disímiles en un lugar que tomamos por asalto.La velada será el día domingo 30 de mayo a las 20hs. en La Casa (Diag. 74 nº 819 – La Plata) y habrá danza, teatro, música e improvisación libre con invitados especiales: Leonel Kaplan (Bs. As), Christof Kurzmann (Viena/Austria) y Edén Carrasco (Chile)
OTOÑO EN FUGA. Espacio de prueba
Domingo 30 de mayo de 2010 20hs.
La Casa Diag. 74 nº 819 La Plata
Entrada: $ 20
FICHA TÉCNICA
Patricia Ríos
Cabe Mallo
Danza: Laura Valencia Daniela Camezzana
Música: Carolina Carrizo y Hernán Samá.
Leonel Kaplan, Christof Kurzmann y Edén Carrasco.
Domingo 30 de mayo de 2010 20hs.
La Casa Diag. 74 nº 819 La Plata
Entrada: $ 20
FICHA TÉCNICA
Patricia Ríos
Cabe Mallo
Danza: Laura Valencia Daniela Camezzana
Música: Carolina Carrizo y Hernán Samá.
Leonel Kaplan, Christof Kurzmann y Edén Carrasco.
Tato Bores: Peluca telefónica
DOMINGO, 30 DE MAYO DE 2010
PERSONAJES > LA BIOGRAFIA DE TATO BORES POR CARLOS ULANOVSKY
Hace ocho años, el periodista Carlos Ulanovsky curó una muestra homenaje a Tato Bores llamada Expo Tato. Allí la familia Borensztein le contó que conservaba las memorias inconclusas que Tato había empezado a escribir en 1994, cuando se quedó fuera de la televisión. Años después, sobre esos recuerdos, entrevistas con el gran humorista y otras nuevas con la gente que lo conoció y trabajó con él, armó Tato, la primera biografía integral del hombre que se hizo llamar el “actor cómico de la nación”.
Por Mariano Kairuz
En 1994, cuando la televisión argentina se quedó sin Tato Bores, se abrió un agujero enorme en la pantalla que 16 años más tarde sigue sin cubrirse. Mauricio Borensztein murió en los primeros días de 1996, pero ya en aquel ’94 no estuvo al aire, cosa que no tuvo nada que ver con su enfermedad. No era la primera interrupción en una carrera televisiva iniciada en el ’57 y varias veces marcada por la censura, pero sí fue una particularmente significativa para él. Un poco empujado por la desazón en que le había dejado esta suerte de exilio en democracia, empezó a escribir sus memorias. Uno de sus textos comienza así: “Después de ganar cuatro Martín Fierro en las cinco nominaciones que tuvo nuestro Good Show de 1993, les voy a contar un secreto: no me quiere ningún canal”. De esas memorias que quedaron inconclusas, y de una intensiva investigación con decenas de entrevistas realizada por el periodista Carlos Ulanovsky, se compone el relato de Tato, memorias inéditas y biografía del actor cómico de la nación (Emecé). Un libro que desde sus primeras páginas se abre a esa nota amarga que fue la salida anticipada de Tato Bores de la televisión; su imposibilidad de despedirse de varias generaciones de espectadores que lo habían acompañado por más de 35 años.
Para fines del ’93, tras aquella serie irregular de especiales mensuales que fue Good Show, Gustavo Yankelevich decidió que Tato Bores no continuaría en Telefe el año siguiente. Good Show no había funcionado como se esperaba, pero Tato y sus hijos, que fueron también sus productores en su última etapa, sintieron que eso se debía en parte a que el canal le había soltado la mano al programa –con una promoción insuficiente, con corrimientos de días y horarios– hasta sacárselo de encima. Y se lo atribuyeron a una presión directa del menemismo, que se encontraba ya en pleno plan reelectoral.
El rápido avance de la enfermedad de Tato terminó por restar importancia a estas circunstancias políticas y mediáticas. Pero hoy aquel final anticipado cobra una nueva perspectiva en la biografía que traza Ulanovsky, en la que capítulo a capítulo se va reflejando también una evolución de la televisión argentina; hasta alcanzar ese punto de inflexión en que el medio empezó a asumir algunas de las formas que presenta hoy. Hasta que empezó a abrirse ese agujero que marcó su ausencia.
El vertigo de las palabras
La primera de las muchas veces que Ulanovsky entrevistó a Tato Bores fue para la revista Confirmado, de Jacobo Timerman, en 1965. “Y lo volví a entrevistar para casi todos los medios en los que trabajé: El ratón, Clarín, Página/12, La Nación”, cuenta Ulanovsky. “Tato era un entrevistado muy particular. Siempre, primero que nada te chumbaba, te maltrataba, te decía: Bueno, ¡¿Para qué viniste?! ¿Otra vez vas a venir a hacerme nota, qué me vas a preguntar que no me hayas preguntado ya?; ¡No me vengas a preguntar por qué me puse Tato porque te echo a la mierda! Pero después no te dejaba ir: No te vayas, dale, quedate, tomate un whiskicito más”. Pero el disparador del libro fue Expo Tato, una muestra que Ulanovsky curó en el Centro Cultural Recoleta en 2002, que convocó a más de 100 mil visitantes, y por la que tuvo un acercamiento con la familia Borensztein. “Me contaron que él había dejado sus memorias inconclusas y que querían hacer algo con eso, aunque recién en 2007 se decidieron a hacerlo.”
En su zona más biográfica el libro recorre los primeros años de Tato y hace escala en partes de su carrera que es probable que ni siquiera muchos de sus seguidores más fieles recuerden: sus intentos por convertirse en un músico de jazz como su admirado Benny Goodman, sus comienzos haciendo humor judío en la radio, la primera vez que fue censurado –cuando el programa La escuelita del humor Toddy, donde hacía el personaje del enfant terrible idish Igor, fue levantado en pleno primer gobierno de Perón con el argumento de que estaba deformando el habla de los chicos del país–, su presencia en todos los lugares que importaban de la noche porteña, sus éxitos teatrales (hizo más de 50 obras) y sus poco citadas participaciones en el cine, ajenas a su faceta humorística –y por las que hubo quien llegó a llamarlo “el Peter Lorre argentino”–. “Siempre fue muy vanguardista”, cuenta Ulanovsky: “Muy impulsor de los nuevos: trataba de llevar a sus programas todo lo que le parecía valioso. Empezó con Piazzolla en un momento en que era un personaje discutidísimo, y con él hacía un chiste clásico: cuando Piazzolla terminaba de tocar, él entraba y le decía: ¿y qué te parece si ahora te tocás un tango? También llevó al Tata Cedrón, y cantó los temas de Jorge de la Vega, que era música de cenáculo, del Di Tella, y lo llevó a Federico Manuel Peralta Ramos, que estaba chiflado, y era un personaje absolutamente antitelevisivo”.
El tipo del frac
A través de sus casi 400 páginas profusamente ilustradas, el libro va destilando una idea de lo que significó Tato Bores en la televisión argentina. A pesar de que siempre se rodeó de grandes y reconocidos guionistas –una lista impresionante que va de César Bruto y Landrú a Santiago Varela, Pedro Saborido y Omar Quiroga, pasando por Jordán de la Cazuela, Landrú, Juan Carlos Mesa, Aldo Camarotta, Oskar Blotta, Abrevaya, Guinzburg, Rudy, Daniel Paz, y otros–, alrededor de su figura se generó una confusión capital, ligada a esa situación común en la que, en la cabeza del espectador, el personaje se apodera de la persona. Confusión que en el caso de ese monologuista que editorializaba la absurda realidad nacional, con un presunto acceso privilegiado a la Casa Rosada, el Ministerio de Economía y demás laberintos del poder, se volvió especialmente sugestiva. “Todos imaginan que yo me encuentro con los presidentes y les bajo línea o les hago un chiste. Nada de eso: si hay un presidente que no me gusta se lo expresaré como se debe, con el voto. No les digo nada a ellos, así como no me gusta que ninguno de ellos me dé órdenes a mi”, dijo alguna vez.
Para Ulanovsky no hay vueltas: “Tato no era un político, sino que fue un gran actor. Nadie que no tuviera esas condiciones podía hacer eso que él hacía: mirar a la cámara como miraba, hacer esas pausas que decían tanto; tenía un plan artístico muy claro, cada gesto era casi un comentario editorial. Nunca le gustó improvisar: se había fogueado en la escuela del teatro de revista, en un rol muy tradicional donde estuvieron personajes como Florencio Parravicini y Pepe Arias, que fue quien le dio su primera oportunidad en radio. Y cuando se lo ganó la televisión, siguió siendo por encima de todo un actor. Lo dijo de todas las maneras posibles: No me pregunten de política. Mis opiniones no le importan a nadie, si no llego a estar en la televisión se van a olvidar de mí a la semana siguiente, lo que importa es lo que hago. Incluso puede decirse que fue muy argentino en el sentido de que no tuvo una postura política definida, si bien es cierto que en la recuperación de la democracia admitió haber votado por el radicalismo. Pero el equívoco actor/político llegó al punto de que aquellos políticos a los que no se mencionaba en su programa se le enojaban, y si lo veían le decían: usted tiene algo conmigo: nunca me nombra”.
El equívoco persistió a pesar de la contundente elocuencia del frac, la peluca desajustada y los anteojos sin vidrio. Para su guionista Pedro Saborido, “el frac representaba a la Argentina pretenciosa, que quería ser y no podía. Eramos todos queriendo alcanzar el frac, pero cada domingo la realidad nos hacía regresar al barrio”. Si la caracterización hablaba de esas aspiraciones estrelladas, a la hora de trazar una definición del público de Tato, Ulanovsky arriesga que “los suyos siempre fueron programas de audiencia prestigiosa. No fue supermasivo, aunque en los ’60 tuvo ratings fabulosos. Esa audiencia prestigiosa le permitió tener publicidad cara: autos, whisky, vino, relojes. Pero siempre fue un target ABC1, y de algo estoy seguro, porque así lo viví como espectador: era una cita indispensable los domingos a las nueve de la noche, ver cuál iba a ser su ironía política de esa semana. El mismo llegó a contar que cuando se planeó el golpe de Onganía, en el petit comité se pensaba en dos cosas: la reacción que habría en la Embajada de EE.UU., y la recepción que tendría en el programa de Tato”.
Ahora son todos guapos
En 1984 el diario La Razón editó un especial sobre Tato en el que se le pegó bastante duro, y en más de una ocasión debió defenderse de los cuestionamientos que se le hicieron por no haber “criticado lo suficiente” durante la dictadura. El libro les dedica un capítulo a estos embates. “Cada vez que mis críticas fueron débiles, fue porque pensaba en mi familia”, se defendió en una entrevista. “Logramos la hazaña de generar humor en base a Massera, a Galtieri, a Herminio Iglesias, al ministro de Economía Wehbe, al llamado pacto sindical-militar y a los militares que estuvieron de interventores en los canales de televisión. Les puedo asegurar que no se ahorraron ningún calificativo en mi contra. Cuando me tocó el turno, me defendí diciendo que ahora eran todos guapos. Guapo había que ser en la dictadura. Ahí, ¿cuántos guapos hubo? Yo, seguramente, no lo fui demasiado, pero aun así, con lo que dije y en especial por la forma en que lo dije, armé unos cuantos despelotes”.
“Tato se bancó con mucha dignidad haberse quedado tantas veces afuera de la televisión”, dice Ulanovsky. La ausencia más prolongada fue en 1974, cuando tras la muerte de Perón le dijeron que había que levantar todos los programas humorísticos para “adherir” al duelo general, pero que enseguida volverían al aire. Pasó el tiempo y el programa de Tato no volvió. Y después vinieron los militares. Durante la dictadura, sin embargo, pudo hacer una emisión especial, en 1978, y finalmente regresó al formato semanal en 1979. “En el ínterin tiene un episodio personal impresionante”, explica Ulanovsky: “Detienen a la sobrina, la hija del hermano de Tato, que era militante de un grupo de izquierda. Esto le cambia la vida: Tato milita activamente por el mejoramiento de la vida carcelaria de su sobrina y le pide a cuanto militar que se cruza por su liberación”. ¿Y cómo fue que le permitieron volver en el ’79? “Pudo volver por esas cosas del comportamiento de las Fuerzas Armadas, que no era uniforme. Influían mucho las luchas interfuerzas: hay que recordar que los canales eran cada uno de una fuerza distinta, y cuando a Tato le ponen la bomba en el palier en el ’79, que fue sólo para avisarle: si hubieran querido, habría explotado; luego toda la familia supo que había sido una confabulación de la Aeronáutica contra la Marina, que tenía a su cargo el Canal 13. Ahí Tato tuvo una actitud muy digna: a la semana y pico volvió a trabajar”.
El vacio de las palabras
En 1998 los hijos de Tato Bores armaron un especial de siete horas que dio Canal 13, se llamó La Argentina de Tato, y hace dos años finalmente se editó en dvd. Viéndolo surge la pregunta: ¿habría lugar en la televisión actual para Tato. “En 1987 el alfonsinismo no le dio la posibilidad de trabajar, cuando los canales todavía eran estatales, porque era temporada electoral. En sus escritos privados él cuenta que en una reunión el ejecutivo de un canal le pregunta, pero, ¿y usted qué quiere hacer ahora en televisión? Y él le dijo, lo de siempre, humor político. A lo que le contestaron: no Tato, para eso lo tenemos a Jaroslavsky. Pero lo que en los ’90 estaba cambiando de la televisión para Tato era que ya no valía la palabra. Pagliaro, del 13, le dijo que lo iba a llamar para discutir su contrato, y no lo hizo. Y Yankelevich después no lo renovó en Telefé. Luego, en general, cambió la agenda de los medios: temas que antes pertenecían a sociedad o policiales, a la página 55 de los diarios, ahora son tapa, y a la vez el humor se infiltró en todos lo niveles.”
A pesar de su desilusión, cuando en 1994 hubo una pequeña remisión de su cáncer, Tato Bores les dijo a sus hijos que quería hacer un programa nuevo, de media hora, sólo la presentación, un monólogo y el brindis con un invitado. “Y que la apertura podía ser él entrando al tomógrafo”, cuenta Ulanovsky. “Parecía que estaba todo arreglado para ir al Canal 9 de Romay, pero finalmente se agravó y no lo pudo hacer. Y lo cierto es que hoy el humor político está desplazado de la televisión, salvo por excepciones como lo que hacen Saborido y Capusotto con Bombita Rodríguez. Lo que queda de humor político son las imitaciones de Tinelli del año pasado, el Gran Cuñado: ponerle una máscara a un tipo y ya está; ni hace falta hacer un chiste. Es un humor que no parte de las ideas ni de la sátira reflexiva sobre las idas y vueltas o las contradicciones nacionales. Y Tato era otra cosa: un representante de una época en que las palabras y las ideas valían un poco más.”
(Con Menem por teléfono): “Sí señor, usted lo dijo muy claro, que nació y morirá peronista... pero, ¿y mientras tanto qué? (Santiago Varela, Tato, la leyenda continúa, 1991).
Desde nuestro local partidario, en Ezeiza, por un país nuevo y con un 95 por ciento de pureza. Disputaremos la interna con el grupo Celeste y Mucha Blanca, fracción Renovación y Pala. Trasladaremos la Capital, no a Viedma, sino a Medellín (Comunicado del Frula, Frente de Unidad Latinoamericana).
Entonces llamé a mi gran amigo, el doctor Balbín, y le pregunté: Doctor, dígame, ¿le parece que dentro de dos años va a haber elecciones generales? Balbín suspiró y me dijo: Tato, elecciones no sé, pero generales seguro (1979).
sábado, 29 de mayo de 2010
Diez años tras los pasos de la luna
A una década de la formación del grupo, Buscalunas cuenta al oído una obra para adultos en el Coliseo.Desde hace ya diez años, andan buscando lunas. Unas que quisieron tener y nunca pudieron. Andan por su cuenta, desde entonces, regalando cuentos, relatos e historias con miles de formas, poco convencionales, para poder sorprender. ”Buscalunas es un espectáculo que quisimos hacer alguna vez y nunca pudimos. Y, como de alguna manera uno es lo que no fue o lo que no pudo ser...”, deja en suspenso Olga Anzolini, directora del grupo de teatro independiente Buscalunas, que, por estos días, está cumpliendo 10 años sobre los escenarios de la ciudad.
El puntapié inicial lo dieron en 2000 con la obra El misterio azul, una adaptación del cuento de Manuel Mujica Láinez El hombrecito del azulejo, a la que Alejandro Dinamarca (director de Papelnonos) le puso música original. Y, desde entonces, Buscalunas y Dinamarca crean en conjunto las puestas en escena del grupo.
Por esa primer obra, el club Gente de Teatro en el teatro Coliseo Podestá los distinguió con el premio Pepino 88.
Para festejar la década creativa, invitan a los espectadores a hacerse cómplices de una puesta que les relatarán al oído, como en secreto, Sotto voce”.
“El teatro Coliseo ha organizado un ciclo de teatro independiente y nosotros nos presentamos con este trabajo que, a lo mejor, es un poquito más arriesgado (en el sentido de que probamos cosas). Hay música en escena, un trabajo con la voz como testimonio, hay cuentos que danzan...
Esto es Sotto voce”, resume Anzolini.
Sotto voce: el amor, el desamor, el erotismo, tal el título de la obra, se trata de una adptación de cuentos de Federico García Lorca y Walt Whitman, un espectáculo para adultos en el que se recorren esos tres ingredientes que ponen condimento a las relaciones humanas.
”Sotto voce es un pacto entre actores y espectadores. Nosotros, con la sensualidad de Sheherezade, vertemos historias íntimas en vuestros oídos, acaso como una forma de esquivar la muerte. Y vosotros, espectadores, animaos a encontrar la poesía en vuestros corazones, acaso como un acto de resistencia ante el envilecimiento de los tiempos, como dice Juan Gelman”, reza en susurros una invitación a formar parte de una puesta para disfrutar de un teatro diferente.
Buscalunas presenta Sotto voce: el amor, el desamor, el erotismo mañana, a las 20, en el teatro Coliseo Podestá, calle 10 e/ 47 y 48.
Fuente: Hoy
Las parapayasas continúan con su ciclo en Buenos Aires
La platense Cecilia Ostrofsky, llega hoy al Pedrazza . A las 20.30, en Nuñez
Un ciclo de unipersonales de payasas que tuvo su primera presentación el pasado 14 de mayo, continúa realizándose en diferentes escenarios de la Capital Federal. Esta noche a las 20.30, será el turno de la platense Cecilia Ostrofsky, quien agrupada junto a sus camaradas en Parapayasas, presentará Son Amour Imaginaire una obra dirigida por el Cabe Mallo, en el Espacio Pedrazza (Nuñez- C.A.B.A)
Parapayasas nació con el fin de dar a conocer la variedad de este tipo de espectáculos y las posibilidades que se ofrecen actualmente. Por otra parte, pone de manifiesto que cada vez son más las mujeres que deciden dedicar comprometidamente sus vidas a este arte. Compuesto por mujeres profesionales y en formación, estas payasas buscan compartir sus visiones e inquietudes sobre este oficio.
–¿Cómo llegó a esta participación?
–Resulta que a final del año pasado en la convención de circo, hubo una reunión de mujeres como para empezar a ver qué rol estaba ocupando la mujer dentro del humor. Se empezó a gestar un grupo denominado Parapayasas para hacer un intercambio de experiencias, empezar a estar en contacto entre nosotras y poner temas en discusión.
Un intercambio de experiencias con otras payasas del mundo que es difícil de plasmar. Entonces se empezaron a hacer reuniones mensuales hasta que salió la idea de hacer algo chico para que se empiece a hablar de estas mujeres payasas. Ahí nació la posibilidad de hacer unipersonales y nos agrupamos diez payasas para presentar su obra.
–¿Qué implica trasladar su espectáculo en Buenos Aires?
–Más allá de trasladar este espectáculo a Buenos Aires, me genera una satisfacción tremenda conocer gente que está en el mismo círculo que yo y que desconocía su existencia y que está haciendo cosas similares a uno, con temáticas algunas parecidas, otras no, algunas atravesadas por el amor, o por la soledad. Más que nada es una sensación muy linda estar dentro de un ciclo que quizás nunca me hubiese enterado que existía. La idea de este grupo es que la información sobre estos espectáculos sobre nuestra existencia empiece a circular.
–¿De qué trata la obra?
–Es una payasa que siempre apuesta al amor, a pesar de las adversidades y de los golpes que recibe, siempre tiene una mirada positiva esperando encontrar un verdadero amor
Fuente: Diagonales
Alfredo Casero "Soloist"
Por IRENE BIANCHI"El juego vertiginoso de la muerte en el acto de acelerar y no saber en qué vuelta de la rueda se desbanda. El momento posterior al choque, el salto al vacío, el momento en que estás en el aire." El creador de "Cha, cha, cha" combina música y humor, con su sello tan característico y personal, propone un paseo por las más diversas músicas del mundo, con instrumentos exóticos como el "shamisen" (instrumento de cuerda japonés) y el "bouzuki" (laúd arábigo). Hoy a las 0.30 en El Teatro Café Concert, 43 entre 7 y 8.
Fuente: El Día
"Atracción", en el Pasaje Rodrigo de La Plata
A partir de mañana y durante todos los sábados y domingos de junio, a las 17, 18 y 19, en el Pasaje Rodrigo, 50 entre 4 y 5, un grupo de actores irrumpirá en la tranquilidad del paseo y ofrecerá un espectáculo interactivo, de unos 25 minutos de duración, recreando los hechos, elementos y personajes que han tenido que ver con el pasado -y no tan pasado- de La Plata. Dirigido por Ricardo Ibarlín, Claudio Rodrigo y Julián Howard, "Atracción" llega para incorporarse a la agenda cultural de la Ciudad.Ricardo Pérez Sbrascini, Edgardo Desimone, Néstor Ponze y Feliz Alóe son actores contemporáneos que, para la ocasión, se vestirán de personajes de época -sabios, músicos, funambulistas alemanes- y deambularán por los diferentes espacios del Pasaje narrando una historia entre los trenes que llegan a la Ciudad y el famoso cruce desde la Catedral hacia la Municipalidad. Además, el Café Martínez se transformará en un verdadero boliche de jazz y recibirá en su escenario a la "Coco Bich Jazz Band", una agrupación de títeres que deleitará con su música a todos los presentes.
"Es algo nuevo. Una propuesta rara pero que le hace bien tanto al actor como al espectador. Lo más importante es la desubicación. No hay que acostumbrarse ni a los lugares ni a los personajes. Sino se va perdiendo la creación", explica Ricardo Ibarlín sobre estas intervenciones y agrega: "Siempre trato de hacer algo con lo que no me siento cómodo. Si leo un texto y me identifico con él, elijo otro para trabajar. Tiene que ser algo a lo que se le pueda encontrar cosas, algo que implique un desafío".
Así, durante todos los fines de semana de junio, esta propuesta llega a este espacio que fue especialmente elegido para realizarla: "El Pasaje es un ícono de la construcción urbanística de La Plata y además, ahora, está ligado al consumo y representa la idea de la vida moderna en la sociedad. Por eso nos pareció ideal llevarlo a cabo aquí; porque recreamos hechos que han tenido que ver con el pasado y que no es tan pasado porque, como se ve, hay lugares, como el Pasaje, que todavía sobreviven".
Fuente: El Día
viernes, 28 de mayo de 2010
Las ideas de un trabajo renovador
En escena Hay que destacar el estupendo dominio escénico de Carlos Trunsky.DANZA CRÍTICA
"Estancia" Espléndida coreografía de Carlos Trunsky sobre música de Ginastera.
Por: LAURA FALCOFF
La historia de la partitura de Estancia es curiosa: nació de un encargo que el director del neoyorkino Ballet Caravan hiciera al compositor argentino Alberto Ginastera en 1940. Concebida para ser llevada a la escena bajo la forma de un ballet de carácter "nacionalista" -que crearía el extraordinario coreógrafo ruso-norteamericano Balanchine- el proyecto finalmente no puedo concretarse: el Ballet Caravan se disolvió y en consecuencia Ginastera decidió posteriormente tomar de su obra una suite de danzas que pudieran ser ejecutadas de manera autónoma por una orquesta sinfónica.
Esto ocurrió por primera vez en Buenos Aires en 1943 y pasaron casi diez años hasta que el Teatro Colón encargó a un bailarín y maestro ruso residente en la Argentina, Mijail Borowsky, el montaje de un ballet completo sobre la obra de Ginastera. Como se ve, hay en esta historia una extraña confluencia de nacionalidades y orígenes, a lo que habría que sumar además la influencia de la música europea del siglo XX en la partitura de Alberto Ginastera.
Así las cosas, parece difícil abordar coreográficamente esta música sin establecer con claridad un punto de vista sobre la partitura, sobre su recorrido y su naturaleza; esto es lo que ha hecho precisamente el coreógrafo argentino Carlos Trunsky en el momento de comenzar a pensar su propia versión de Estancia, en respuesta a un encargo del Teatro Argentino de La Plata para la función de gala del Bicentenario. La perspectiva de Trunsky sobre el campo argentino -posiblemente de un carácter más mítico que real en el concepto bajo el que Ginastera escribió su obra- adquiere en ciertos momentos un tono áspero, en otros irónico, en otros un poco cruel. No es exactamente una coreografía narrativa y en todo caso, puede describírsela mejor como "ilustrativa", en esa manera estrictamente metafórica con que la danza puede ilustrar: instancias tan distintas entre sí como el amor entre un hombre y una mujer condenados a ser separados, la humillación de algunos individuos por la mano de otros, o el esfuerzo del trabajo, son aludidos en Estancia de una manera decantada y para decirlo quizás de un modo redundante, con las sutilezas a las que la danza puede recurrir.
Pero más allá de estas consideraciones acerca de lo que Trunsky decidió contar en su Estancia, hay que destacar el estupendo dominio coreográfico de este artista por otra parte tan dúctil, que con el mismo oficio y similar inspiración crea piezas de lenguaje muy renovador para sus propios proyectos independientes y ballets de gran porte para compañías, como el Ballet del Colón o el Ballet del Argentino, de corte más tradicional. El aspecto más maravilloso de esta Estancia es el modo generoso e imaginativo con que Trunsky trató el enorme espacio que tenía a su disposición: tan claro, tan nítido y al mismo tiempo tan sorprendente. Si alguien quisiera asociar este espacio así tratado con la infinitud de la pampa, podría hacerlo. Pero seguramente es mucho más que un símbolo lo que proporciona: es el propio espacio hecho materia en el movimiento de los bailarines. Gran trabajo de este elenco, por otra parte, y de varios bailarines solistas cuyos nombres no están identificados en el programa.
Esto ocurrió por primera vez en Buenos Aires en 1943 y pasaron casi diez años hasta que el Teatro Colón encargó a un bailarín y maestro ruso residente en la Argentina, Mijail Borowsky, el montaje de un ballet completo sobre la obra de Ginastera. Como se ve, hay en esta historia una extraña confluencia de nacionalidades y orígenes, a lo que habría que sumar además la influencia de la música europea del siglo XX en la partitura de Alberto Ginastera.
Así las cosas, parece difícil abordar coreográficamente esta música sin establecer con claridad un punto de vista sobre la partitura, sobre su recorrido y su naturaleza; esto es lo que ha hecho precisamente el coreógrafo argentino Carlos Trunsky en el momento de comenzar a pensar su propia versión de Estancia, en respuesta a un encargo del Teatro Argentino de La Plata para la función de gala del Bicentenario. La perspectiva de Trunsky sobre el campo argentino -posiblemente de un carácter más mítico que real en el concepto bajo el que Ginastera escribió su obra- adquiere en ciertos momentos un tono áspero, en otros irónico, en otros un poco cruel. No es exactamente una coreografía narrativa y en todo caso, puede describírsela mejor como "ilustrativa", en esa manera estrictamente metafórica con que la danza puede ilustrar: instancias tan distintas entre sí como el amor entre un hombre y una mujer condenados a ser separados, la humillación de algunos individuos por la mano de otros, o el esfuerzo del trabajo, son aludidos en Estancia de una manera decantada y para decirlo quizás de un modo redundante, con las sutilezas a las que la danza puede recurrir.
Pero más allá de estas consideraciones acerca de lo que Trunsky decidió contar en su Estancia, hay que destacar el estupendo dominio coreográfico de este artista por otra parte tan dúctil, que con el mismo oficio y similar inspiración crea piezas de lenguaje muy renovador para sus propios proyectos independientes y ballets de gran porte para compañías, como el Ballet del Colón o el Ballet del Argentino, de corte más tradicional. El aspecto más maravilloso de esta Estancia es el modo generoso e imaginativo con que Trunsky trató el enorme espacio que tenía a su disposición: tan claro, tan nítido y al mismo tiempo tan sorprendente. Si alguien quisiera asociar este espacio así tratado con la infinitud de la pampa, podría hacerlo. Pero seguramente es mucho más que un símbolo lo que proporciona: es el propio espacio hecho materia en el movimiento de los bailarines. Gran trabajo de este elenco, por otra parte, y de varios bailarines solistas cuyos nombres no están identificados en el programa.
La Ficha
Estancia
Ballet del Teatro Argentino de La Plata.
Coreografía Carlos Trunsky
musica Alberto Ginastera
Lugar Teatro Argentino
Excelente
Fuente: Clarín
El grupo "Buscalunas" llega al Coliseo con "Sotto Voce"
El grupo teatral platense "Buscalunas" está cumpliendo su primera década de vida. Y para celebrarlo, sus integrantes produjeron "Sotto Voce", un espectáculo que realza los lineamientos que, allá por el 2000, les diera su marca distintiva: el cruzamiento de géneros. Así, el domingo a las 20, y en el marco del Ciclo de Teatro Independiente, el grupo dirigido por Olga Anzolini sube a la escena del Coliseo Podestá, 10 entre 46 y 47, con esta pieza cuyo objetivo principal es "realzar el valor ritual de la palabra"."Es un espectáculo basado en la lectura y la musicalización de textos de Federico García Lorca y de Walt Whitman que cuentan historias de amor, desamor y erotismo", explica Anzolini sobre esta obra que, haciendo eje en lo teatral, mezcla diferentes géneros artísticos que incluyen música, danza, literatura y acrobacia.
En este sentido, Alejandro Dinamarca, encargado de la selección, creación e interpretación de la música en escena, destaca esta característica teatral: "No hay un sólo lugar desde el cual se pueda contar una historia. La historia está compuesta por diferentes fotografías que sirven para narrarla". "Todo confluye -agrega María Inés Uro, otra de las integrantes- en lo teatral. Tratamos de lograr una síntesis, con sentido estético, para sostener un relato desde lo teatral".
Sobre la tarea de seleccionar la música del espectáculo, Dinamarca sostuvo que su trabajo consiste en "encontrar la musicalidad de los textos y la oralidad de la música. Buscar y lograr esa unión. La misma palabra y el ritmo te van diciendo qué poner. Y quedan combinaciones importantes".
"Sotto Voce", como su nombre lo indica, es casi como una susurro. Algo que está latente esperando ser encontrado. "Es un pacto entre actores y espectadores. Nosotros, con la sensualidad de Sheherezade, vertemos historias íntimas en vuestros oídos; acaso como una forma de esquivar la muerte. Y vosotros, espectadores, animaos a encontrar la poesía en vuestros corazones, acaso como -parafraseando a Juan Gelman- 'un acto de resistencia ante el envilecimiento de los tiempos'", concluye la directora del grupo.
Fuente: El Día
La obra Pericones se suma a los festejos bicentenarios
Estreno teatral: Sube a escena con dirección de Omar Sánchez Pericones será otro gran estreno platense relacionado con el festejo del Bicentenario argentino. Esta pieza, escrita por el reconocido dramaturgo Mauricio Kartun, subirá mañana a las 21, al escenario de la Sala Armando Discépolo (12 entre 62 y 63) con dirección de Omar Sánchez y entrada gratuita.
"Con mucho de historieta, de novela de aventuras, de humor, de belleza y de siniestro, la obra se va convirtiendo en una fábula argentina reconocible por todos", fue la presentación que hizo el director, que en una charla con Diagonales calificó a la obra como "fantástica, es una gran metáfora sobre nuestro país porque habla de dónde estamos, qué buscamos y me pareció muy interesante llevar ese relato a la escena".
El Instituto Cultural a través de la Comedia de la Provincia le propuso a Omar Sánchez armar una obra que se relacione con el bicentenario y el director pensó en Pericones porque cree que es "interesante el relato de fábula que hace" y porque la pieza "propone el descubrimiento deslumbrante de un otro mundo posible".
El resumen o sinopsis que el propio director realizó fue: "en 1889 (N. de R.: la obra es de 1987) parte un buque frigorífico hacia Francia, va a participar de la Exposición Internacional de París y llevan aborígenes como parte del zoológico vivo. En el medio de ese viaje se producen un montón de sucesos y los indios terminan soñando con ir la isla Martín García a crear una sociedad mejor, una sociedad socialista".
En esta versión de Pericones surgieron nuevos personajes y se adaptaron otros de la obra original, durante la puesta en escena. Uno de los motivos fue, según Sánchez, que "una de las condiciones de La Comedia fue trabajar con toda la compañía". De esta manera surgieron Aférez Galíndez, Aurorita y Mary, la contramaestre. "Fueron elementos para reforzar la teatralidad, como la niña Aurorita. En ella busqué la mirada de un niño sobre la historia, esa mirada ingenua, encantadora, pero que se pierde a medida que pasa el tiempo, porque la obra pide que seas un adulto. Me gustaba poder contar la ingenuidad que te sirve hasta ahí, porque después empieza la política, que es lo concreto, lo real", aseguró el director.
Pericones habla "de la historia, del socialismo, de la utopía y de la reiterada traición de una clase a todo proyecto de liberación" y estos temas tan importantes y complejos de abordar fueron justamente los que motivaron al director a interesarse por la pieza. Porque además, según sus palabras, la obra tiene una "concepción del teatro moderno, incluye varios géneros y yo lo relaciono con la historieta, con el mundo de la aventura. También hay mucho humor, que es un recurso rico porque permite un distanciamiento sobre la realidad, pero eso no quita que no permita al espectador reflexionar sobre la obra". Y Sánchez aseguró que "la obra tiende a que el espectador elabore un pensamiento crítico que lo posicione sobre los hechos, tiende a que el espectador tome posición sobre lo que está viendo".
Quiénes. El numeroso elenco que forma parte de este espectáculo está integrado por Emilio Rupérez, Rossana Benencia, María Laura Albariño, Luis Rende, Eduardo Forese, Diego Aroza, Andrés Cepeda, Martín Kasem, Oscar Ferreyra, Alejandra Bignasco, Fabio Prado González, Gustavo Portela, Carolina Painceira, Javier Guereña, Florencia Zubieta, Ezequiel Díaz y Marcelo Allegro.
Además, el vestuario estuvo a cargo de Analía Seghezza, la escenografía corresponde a Enrique Cáceres y el diseño de luces es autoría Federico Genovés y Miguel Bergés.
Es importante recordar que los interesados en presenciar el estreno de Pericones, deberán retirar la entrada una hora antes del comienzo de la función, en la Sala Armando Discépolo.
Fuente: Diagonales
Tras la gala, Estancia y Ainadamar para todos
A las 20.30, en el Teatro ArgentinoHoy y el domingo, podrán disfrutarse estas obras
El pasado miércoles la función de gala en conmemoración del Bicentenario de la Patria que se llevó a cabo en la sala Ginastera del Teatro Argentino (51 entre 9 y 10), tuvo la oportunidad de convocar no sólo a destacadas figuras de la política y el espectáculo sino que fue la antesala de lo que serán las próximas presentaciones que se llevarán a cabo en el Coliseo Bonaerense.
En un plan doble, esta noche, a las 20.30, tendrá su presentación oficial el Ballet Estancia de Alberto Ginastera en versión coreográfica de Carlos Trunsky, que cuenta con la conducción de orquesta de Rodolfo Fischer; la misma será interpretada por el ballet estable que dirige Rodolfo Lastra. La ópera tiene libreto de David Hernry Hwang y está basada en la muerte del escritor Federico García Lorca. El reparto lo encabeza Franco Fagioli, Graciela Oddone, Patricia González y Jesús Montoya.
Luego del intervalo será el turno de la ópera Ainadamar, del platense Osvaldo Golijov con libreto de David Henry Hwang. La obra está basada en la vida del escritor Federico García Lorca. Tal como sucedió el último miércoles se ofrecerá con la dirección musical de Rodolfo Fischer, la dirección de escena y el vestuario de Claudia Billourou; la escenografía e iluminación de Juan Carlos Greco y el diseño de video y la edición de Federico Bongiorno. El reparto estará encabezado por Franco Fagioli (Federico García Lorca), Marisú Pavón (Margarita Xirgu), Patricia González (Nuria) y Jesús Montoya (Ruiz Alonso).
Fuente: Diagonales
Una laptop para las tradiciones
Ainadamar volverá a escena esta noche y pasado mañana. La grabación de esta pieza obtuvo dos Grammy. MUSICA › AINADAMAR, DE OSVALDO GOLIJOV, EN EL TEATRO ARGENTINO DE LA PLATA
En la ópera del compositor argentino consagrado en los Estados Unidos, materiales de distintas fuentes –“clásicas” y “populares”– coexisten y se entrecruzan. Golijov traduce las presuntas contradicciones a un lenguaje de escritura virtuosa y gran originalidad.
Por Diego Fischerman
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AINADAMAR
Opera de Osvaldo Golijov con libreto de David Henry Hwang.
Dirección musical: Rodolfo Fischer.
Dirección de escena y vestuario: Claudia Billourou.
Escenografía e iluminación: Juan Carlos Greco.
Elenco: Franco Fagioli (Federico García Lorca), Marisú Pavón (Margarita Xirgu), Patricia González (Nuria) y Jesús Montoya (Ruiz Alonso).
Lugar: Teatro Argentino de La Plata.
Fecha: Miércoles 26.
Nuevas funciones: Hoy a las 20.30 y el domingo a las 17.
Dirección de escena y vestuario: Claudia Billourou.
Escenografía e iluminación: Juan Carlos Greco.
Elenco: Franco Fagioli (Federico García Lorca), Marisú Pavón (Margarita Xirgu), Patricia González (Nuria) y Jesús Montoya (Ruiz Alonso).
Lugar: Teatro Argentino de La Plata.
Fecha: Miércoles 26.
Nuevas funciones: Hoy a las 20.30 y el domingo a las 17.
Ainadamar es una ópera contemporánea. Es una obra escrita por el músico de los últimos films de Francis Ford Coppola. Es una composición del colaborador más estrecho de Gustavo Santaolalla y del arreglador de gran parte del repertorio que toca el Kronos Quartet. Ainadamar es una producción “clásica”, que incluye un cantaor, guitarras y percusión flamenca. Es una pieza popular cuya grabación ganó dos Grammy, los correspondientes a “mejor grabación de ópera” y a “mejor creación contemporánea” del año 2007.
Y es, también, la obra de un argentino, nacido en La Plata, educado en Nueva York y, ahora, famoso en el mundo. Y la particularidad de esta ópera contemporánea que podría, sin embargo, molestar por igual a los amantes de la ópera y a los de la música contemporánea, es que cada una de estas aparentes contradicciones, en lugar de chocar se entrecruzan y potencian. Lejos de no corresponder a ninguna de las categorías corrientes, las contiene a todas y las traduce a un lenguaje de escritura virtuosa y portentosa originalidad. El Teatro Argentino, para su función conmemorativa del Bicentenario, eligió esta ópera breve (“en tres imágenes”, en palabras del compositor) junto a un ballet cuya partitura, escrita por Ginastera, lleva hasta sus últimas consecuencias la hipótesis de un folklorismo imaginario; de un lenguaje altamente sofisticado, pero donde los rastros de tradiciones populares son bien identificables.
En ese sentido, el maridaje no podría ser mejor. Porque Golijov (aunque sus tradiciones incluyan una laptop y, desde ya, la posibilidad de trabajar electrónicamente con el sonido), si bien en un sentido muy diferente del de Ginastera, también aprovecha el poder de ciertas células melódicas, de ciertos ritmos, para delimitar campos culturales. Aunque, a diferencia de Ginastera –que en realidad fue maestro de su primer maestro, Gerardo Gandini–, los materiales para Golijov no entran en una serie que tenga que ver con la estilización. No hay una búsqueda de “enaltecimiento” de lo bajo, sino que materiales de distintas fuentes coexisten y se entrecruzan, muchas veces sin tomar unos de otros más que la mera contigüidad –y la cadena de significados que esa contigüidad produce–. La escritura de Golijov, en todo caso, es prodigiosa, y en particular en su trabajo sobre las voces cobra un poder dramático inusitado. Con una puesta ascética de Claudia Billourou, que confía en el estatismo y en la belleza visual y la posible sugerencia de cuadros vivos más que en escenas teatrales, Ainadamar recurrió, en este estreno sudamericano, a algunos de los artistas que formaron parte del equipo que la presentó en Estados Unidos y que la grabó en disco: el extraordinario cantaor Jesús Montoya, la guitarra flamenca de Adam del Monte.
El resto fueron fuerzas locales, empezando por una descollante Marisú Pavón (que debió reemplazar a Graciela Oddone) en el papel de Margarita Xirgu, por la brasileña Patricia González, que deslumbró como Nuria, y por el contratenor Franco Fagioli que, en estado de gracia, construyó un Federico inolvidable. La conducción sensible y exacta del chileno Rodolfo Fischer, la iluminación y las sugerentes curvas de la escenografía de Juan Carlos Greco, la fuerza expresiva del coro femenino que canta, como una letanía, fragmentos de Mariana Pineda y una Orquesta Estable que entró en el juego planteado por Golijov –donde la amplificación y ciertos procesamientos electrónicos son centrales– lograron una versión de gran nivel para una obra nueva, en mucho más que un sentido.
Fuente: Página 12
Fuente: Página 12
La ópera "Ainadamar" vuelve con su emotivo homenaje a García Lorca
TEATRO ARGENTINO LA PLATATras su conmovedor estreno, la obra del platense Osvaldo Golijov ofrecerá dos nuevas funciones este fin de semana
Luego de conmover al público en su estreno en la noche de miércoles en la Función de Gala del Bicentenario, la ópera "Ainadamar", del compositor platense Osvaldo Golijov, tendrá dos nuevas funciones este fin de semana en el Teatro Argentino. La primera, esta noche a las 20.30 y la otra, el domingo a las 17.
La obra cuenta la historia del poeta granadino Federico García Lorca, su oposición a la falange, la persecución de la que es objeto como republicano y homosexual, y su asesinato en medio de los enfrentamientos de la guerra civil. En la historia, cuyo libreto corresponde al norteamericano David Henry Hwang y fue traducido por el mismo Golijov al castellano, la encargada de narrar la emotiva historia del poeta es la recordada actriz Margarita Xirgu, quien fuera su musa y protagonista de varias obras teatrales escritas por Lorca.
La partitura, que incorpora sonidos típicos del folklore andaluz y, para ello, suma a la orquesta una sección de guitarra y cajón flamencos, fue encargada a Golijov en 2003 por la Orquesta Sinfónica de Boston.
La temática de la dictadura española, las consecuencias sobre la vida y la muerte de artistas de la talla de García Lorca y Margarita Xirgu, sirven para que el autor transmita un conmovedor mensaje al espectador, apostando a la inmortalidad de la belleza y los valores artísticos.
La puesta de "Ainadamar" que se presenta por estos días en el Teatro Argentino estuvo a cargo de otra platense, Claudia Billourou, quien aporta a través de su mirada un marco ideal para el lucimiento de la música de Golijov.
Otro hallazgo de la versión local de la ópera fue la incorporación del contratenor Franco Fagioli en el rol de Federico García Lorca, ya que el personaje había sido concebido por el compositor para ser interpretado por una mezzosoprano.
El propio Golijov manifestó su sorpresa por el desempeño del cantante y subrayó el valioso aporte a la obra.
En las próximas funciones la dirección musical volverá a estar a cargo de Rodolfo Fischer, la dirección de escena y el vestuario de Claudia Billourou; la escenografía e iluminación de Juan Carlos Greco y el diseño de video y la edición de Federico Bongiorno. El reparto será encabezado por Franco Fagioli (Federico García Lorca), Marisú Pavón (Margarita Xirgu), Patricia González (Nuria) y Jesús Montoya (Ruiz Alonso).
En el programa también se presentará el ballet "Estancia" -Suite-, de Alberto Ginastera, con la conducción de orquesta de Rodolfo Fischer, a cargo de integrantes del Ballet Estable que dirige Rodolfo Lastra.
Fuente: El Día
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