Teatro dentro del teatro

ESPECTÁCULOS | “AMLETH”

“Amleth”, sobre la obra de Luis Cano. Elenco: Andrés Cepeda, Mauricio Rodríguez y Alejandro Santucci. Diseño de maquillaje: Ana Sargentoni. Realización de muñeca: Pablo Medina, Sergio Gómez. Diseño de vestuario: Analía Seghezza. Música: Alejandro Santucci. Diseño de luces, realización multimedia, DCV y asistencia técnica: MATE EP. Producción ejecutiva: La Maquinaria Teatro. Dirección: Omar Sánchez. Saverio Sala de Teatro, 20 y 71. Sábados 4 y 11 de julio, 22 horas, últimas funciones.

Irene Bianchi

Teatro dentro del teatro

“Empiezo con insomnio. Opresión en el pecho, en la garganta. Veo un carro antiguo que vaga de ciudad en ciudad. En un viaje eterno, sin fin. Va cargado de actores. Errantes. Lleva una compañía de actores a cuestas. Acostumbrados a la intemperie. La falta de domicilio. Envueltos en abrigos. En mantas. En lonas. Plagados de bolsos. Estuches. Caja de sombreros.”

Así habla el Narrador con el que Luis Cano abre su pieza “Amleth”, una suerte de desaforada metáfora del teatro dentro del teatro, un hecho estético fractal. “Yo hago teatro pero pienso en poesía”, señaló el autor en una entrevista, y la puesta de Omar Sánchez es poesía pura. Desgarradora, cruel, violenta, visceral, sangrienta, pero poesía al fin. Nada mejor que la sala de “Saverio”, “a medio camino entre una celda y una catacumba”, como propone Cano, para montar esta obra, que por momentos sobrecoge y abruma al espectador, por el clima amenazante que impera “da capo”.

En “Amleth” está Shakespeare, pero resignificado como una tragedia aggiornada, sin fin, tan vigente hoy como en la leyenda danesa que inspiró al Bardo de Avon.

La labor actoral del trío Cepeda-Rodríguez-Santucci es avasallante y arrolladora. Quita el aliento. Se desdoblan en múltiples personajes. Entran y salen de sus criaturas con notable versatilidad. El compromiso físico de los tres es tal, que por momentos los golpes y agresiones asustan al público por lo verosímiles y contundentes. La puesta de Omar Sánchez es de muy alto impacto, a prueba de indiferentes. Para ello el director cuenta con actores todo terreno, que se entregan sin retaceos, sin condicionamientos, a una lucha cuerpo a cuerpo, teñida de intrigas, traiciones, lujuria, misterios, incesto. Un combo explosivo y muy efectivo.

Y es más. A pesar de esta densa oscuridad, también hay humor en “Amleth”, golpes de efecto inesperados, sorpresas, diálogos dislocados, disparatados, anacronismos, guiños cómplices, zarandeando así el ánimo del espectador, que pasa del horror y el espanto a la sonora carcajada en contados segundos.

El recurso de las proyecciones, de la cama elástica, del sonido de la copa como voz del fantasma, de la guitarra eléctrica como elemento extemporáneo, de las máscaras, de la marioneta gigante, todos ellos enriquecen una puesta original y heterodoxa, de una teatralidad extrema y pura. El maquillaje y el vestuario son un aporte muy valioso en la caracterización de estos personajes esperpénticos.

Al final, como un “loop”, pareciera que todo va a volver a empezar. Los actores de la legua, trashumantes, errantes, hambrientos, exhaustos, se preparan para una nueva representación, donde los lleven el desvencijado carromato y los polvorientos caminos.

El “Amleth” de Omar Sánchez sin duda merece seguir en la huella.

Fuente: EL DIA

Gastón Marioni: Talento platense del otro lado de la autopista

 

Entre otros proyectos el autor y director local dirigirá en la cartelera porteña su exitosa "Melodías de diván" con un elenco de grandes figuras

27 de junio de 2015

Fuente: EL DIA

La magia de un cuento clásico hecho danza

 

La fantástica historia de “La Cenicienta” regresa al Argentino, con reposición coreográfica de Sabrina Streiff

26 de Junio de 2015 

“La Cenicienta”, con música de Sergei Prokofiev

El anhelo de una adolescente maltratada que se convierte en princesa gracias a la ayuda de una pordiosera devenida en hada madrina, un zapallo carroza y un par de ratoncitos choferes, regresará hoy con su encanto al escenario de la Sala Alberto Ginastera del Teatro Argentino de la mano de la versión danzada de “La Cenicienta”.

Con música de Sergei Prokofiev y reposición coreográfica de Sabrina Streiff, basada en la original de Vicente Nebrada, la célebre y encantadora historia estará a cargo del Ballet y Orquesta estables, con dirección de Streiff y Carlos Calleja, respectivamente.

Con funciones previstas para hoy a las 20.30, y el domingo a las 17, “La Cenicienta” tendrá nuevas presentaciones el jueves 2, viernes 3 y sábado 4 de julio, a las 20.30, y el domingo 5 a las 17.

“Es un ballet de lenguaje clásico pero con un toque más contemporáneo. La música de Prokofiev fue escrita especialmente para esta obras y las escenas están pensadas para el relato”, aseguró Streiff, en diálogo con EL DIA, y destacó que la coreografía presenta “un toque muy personal, latinoamericano”, en el que las peripecias del cuento son muy fáciles de seguir a través de los movimientos propuestos.

“Yo espero que mi sello no se vea”, remarcó, entre risas tímidas Streiff, en relación a la intención del cuerpo de baile de respetar la coreografía original para “que el público pueda disfrutar de ella” sin grandes cambios. De todos modos, destacó que su marca está puesta “en la organización, en la estructuración de los ensayos y en el acompañamiento de los bailarines en la composición de sus personajes”, una función que lleva adelante desde el inicio de la temporada artística y que vive con “mucha expectativa y alegría”.

Con escenografía de Gastón Joubert, vestuario de Nicolás Bioletto e iluminación de Leandro Calonge, “La Cenicienta” es una obra lecturable para toda la familia, con personajes y recursos escénicos que llamarán la atención de hasta el niño más disperso: Los maltratos de la madrastra y las hermanastras a Cenicienta, quien, limpiando, llora sus penas; la invitación al baile del Príncipe; el maestro que les ensaña a bailar; la pordiosera que se convierte en hada madrina; y la transformación de la casa en el bosque son sólo algunas de las atracciones que este ballet propone.

“Nebrada tomó al tiempo como un eje central de todo lo que le pasa a Cenicienta -agregó Streiff-. El tiempo que, en algún punto, también es el límite que le pone el hada madrina para decirle ‘mirá que a tal hora esto se deshace’ . El tiempo, que es un personaje central en la obra, está representado por las estaciones. Y ahí se tira un zapallo y aparece una carroza, que la empujan los ratoncitos. Es un ballet que está armado de una forma muy simple pero con mucha magia. Son todas escenas muy interesantes para los chicos”.

Para Streiff, es fundamental que el público menudo acceda a este tipo de espectáculos. “Yo creo que es imprescindible que los chicos puedan escuchar música clásica, un género que por ahí no es tan difundido en los medios. Por eso es bueno que tengan esta experiencia para que conozcan de qué se trata y después puedan elegir”, reflexionó la directora, muy conforme con el los resultados que el cuerpo de baile está manifestando y con el que encarará este nuevo desafío profesional.

Los principales roles de “La Cenicienta” serán alternados por Alejandra Baldoni (26, 28 y 2) y Julieta Paul (3, 4 y 5) como la Cenicienta; Bautista Parada (26, 28 y 2) y Miguel Angel Klug (3, 4 y 5) como el Príncipe; Angel Gómez (26, 28 y 2) y Darío Lesnik (3, 4 y 5) como la Madrastra; Daniel Longo y Adolfo Burgos (26 y 28), Juan Pablo Caballero y Adolfo Burgos (2) y Juan Pablo Caballero y Miguel Moyano (3, 4 y 5) como las Hermanastras; Elizabeth Antúnez (26 y 28), Paula García Brunelli (2 y 3) y María Belén Carou (4 y 5) como el Hada Madrina y Miguel Moyano (26, 28 y 2) y Esteban Schenone (3, 4 y 5) como el Duque. Los restantes papeles serán desempeñados por distintos integrantes del Ballet Estable.

Fuente: EL DIA

“MIKA”: dolorosa exploración del flagelo de la trata de personas

 

26 de Junio de 2015 

Hoy a las 19 en el auditorio de la Facultad de Bellas Artes se realizará una nueva función en nuestra ciudad de “MIKA”, obra teatral inspirada en la lucha de Susana Trimarco, madre de Marita Verón, secuestrada y desaparecida en 2002

La obra, presentada con entrada libre y gratuita, aborda el flagelo de la trata de personas con fines de explotación sexual, así como la violencia de género, como problemáticas directamente relacionadas. Está basada en historias reales de trata y otros tipos de violencia de género.

“MIKA” está dirigida por Jimena Duca, que es además una de sus autoras. El elenco está con formado por Anahí Carnavale, Sofía Boué, Micaela Suarez, Malena Sandy Hernández, Julieta Ranno, Agustín Tellechea, Gabriel Schapiro y Eduardo Spínola.

Estrenada en noviembre de 2012 “MIKA” viene recorriendo desde entonces toda la Provincia de Buenos Aires y algunos otros puntos del país, e incluso se presentó en las Naciones Unidas.

El 3 de abril del año pasado, la obra fue presentada en la capital tucumana, invitada por la Fundación María de los Ángeles, y en el marco de la conmemoración de los 12 años de la desaparición de Marita Verón.

Fuente: EL DIA

Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota - Documental Completo

 

 

CMTV.com.ar 

Fuente: cmtvmusica

María Luisa Kuliok y “Las Obreras”, en la Discépolo

 

18 de Junio de 2015 

Mañana a las 21 en la Sala Armando Discépolo, 12 entre 62 y 63, se ofrecerá una función gratuita de “Las Obreras”, de María Elena Sardi, con dirección y adaptación de Joaquín Bonet.

La pieza, que cuenta con las actuaciones de Luisa Kuliok, Mónica Santibáñez y gran elenco, narra la historia de la primera huelga de trabajadoras en una lavandería de Avellaneda ocurrida en 1904. “Son muchos y buenos los motivos por los cuales volver a poner en escena ‘Las obreras’. El principal para mí es la posibilidad de revisar el origen del movimiento sindical argentino y entender cuáles eran las condiciones de trabajo no hace tanto tiempo atrás… hacia el 1900. Este pasado nos ayuda a valorar las conquistas sociales logradas a lo largo del siglo XX”, aseguró el director.

Las entradas deberán retirarse dos horas antes de la función.

Fuente: EL DIA

De zapatito de cristal, a zapatillita de baile

 

BALLET EN LA PLATA

Desde la semana próxima se ofrecerá en el Teatro Argentino “La Cenicienta”, con coreografía de Vicente Nebrada y música de Sergei Prokofiev

17 de Junio de 2015

“La Cenicienta”, en versión ballet

En un espectáculo ideal para disfrutar en familia, el Teatro Argentino ofrecerá desde la próxima semana “La Cenicienta”, una historia mágica basada en la coreografía original del recordado venezolano Vicente Nebrada y con música del gran compositor Sergei Prokofiev.

Con funciones previstas para el viernes 26 de junio, a las 20.30, y el domingo 28, a las 17, “La Cenicienta” contará con la reposición coreográfica de Sabrina Streiff y tendrá nuevas presentaciones el jueves 2, viernes 3 y sábado 4 de julio, a las 20.30, y el domingo 5, a las 17.

Este espectáculo, apto para público de todas las edades, contará con la participación del Ballet Estable, que dirige la propia Sabrina Streiff, y de la Orquesta Estable, conducida en esta oportunidad por Carlos Calleja. La escenografía es de Gastón Joubert, el vestuario de Nicolás Biolatto y la iluminación de Leandro Calonge.

UNA HISTORIA UNIVERSAL

La mundialmente célebre historia de “La Cenicienta”, fruto de la tradición oral y popularizada por recopilaciones como la de Perrault en Francia y los hermanos Grimm en Alemania, fue trasladada al plano del ballet en más de una oportunidad.

Uno de los intentos más felices de traducirla a los códigos de la danza se debió al gran bailarín y coreógrafo venezolano, de prestigio internacional, Vicente Nebrada (1930-2002). Su obra, basada en una partitura del compositor Sergei Prokofiev (1891-1953), fue estrenada en 1994 por el Ballet Nacional de Caracas en el Teatro Teresa Carreño de esa ciudad.

Apelando al lenguaje neoclásico, Nebrada logró una pieza donde las conocidas peripecias del cuento son muy fáciles de seguir a través de los movimientos coreográficos. El resultado final constituye un espectáculo apto para toda la familia que posee toda la magia y la fantasía de la narración original.

Ni la madrastra harpía, ni las crueles hermanastras, ni la pordiosera que se transforma en hada madrina, ni la conversión de la propia Cenicienta, ni la deslumbrante carroza tirada por ratones, nada falta en esta magnífica creación bailada que exhibe el sello distintivo del elogiado “estilo Nebrada”. El propio autor le hizo algunas modificaciones y ajustes a la obra después de la première. Esa versión revisada, más otras adaptaciones pensadas en función de las características de la Compañía del Teatro Argentino, será la ofrecida en el escenario de la Sala Alberto Ginastera.

Fuente: EL DIA

“El fruto”

 

Por IRENE BIANCHI

13 de Junio de 2015 

Intenso melodrama escrito por Patricia Suárez, dirigido por Rafael Garzanitti e interpretado por Julieta Mora, Leticia Ramos, Florencia Zubieta y Karina Yalungo. La acción se desarrolla en casa de Petrona (modista, entre otras cosas) en la década del 40. Pueblo chico, infierno grande. Amores prohibidos, celos, traiciones, secretos bien guardados, y 4 mujeres presas de prejuicios, mandatos y autoritarismo. El vestuario es de Analía Seghezza; el maquillaje y peinados, de Flor Gangoiti.

Hoy a las 21 hs en el teatro “El escape”, 44 entre 23 y 24.

Fuente: EL DIA

Entre quejas vecinales y deterioro, el destino del Princesa es incierto

 

Preocupa el estado del antiguo teatro de diagonal 74 entre 3 y 4

Hay inquietud entre los frentistas del barrio por el aumento de los roedores a pesar de los controles de plagas

10 de Junio de 2015 

Catalogado como “intocable” por su valor patrimonial, el teatro Princesa sigue sumido en un progresivo deterioro, pese a no estar abandonado. Por ahora su destino es incierto

Imponente aún en el ocaso de su esplendor decimonónico, con su sólida e inconfundible fachada enmascarando un destino incierto, el Princesa sigue siendo noticia. Vecinos del antiguo teatro que se levanta en diagonal 74 entre 3 y 4 reclamaron su saneamiento para combatir lo que describieron como una “invasión” de roedores que lo habrían adoptado como hogar y refugio.

“Del techo del Princesa salen ratas todas las noches” subraya Martín Sánchez. El fondo de la casa del vecino de 40 entre diagonal 74 y 4 da al Princesa, por lo que asegura que es testigo presencial de esos movimientos: “lamentablemente, a los dueños no es fácil encontrarlos para contarles acerca del problema”.

Los damnificados aseguran que “todos los años hacemos la denuncia en la municipalidad, pero no hacen nada; al menos debieran colaborar o cursar alguna intimación a los responsables de mantener limpio el lugar”.

Erigida en 1889, la antigua sede de la Sociedad Italiana de Socorros Mutuos “Unione e Fratellanza” albergó sucesivamente esa mutual pionera, un cine popular, un llamativo astillero y un espacio teatral experimental, gestionado por el grupo “Hermandad del Princesa”.

En mayo de 2013, la colocación de un cartel mediante el que una firma inmobiliaria porteña la ofrecía como “lote” de 1.300 metros cuadrados agitó los fantasmas de una posible demolición y generó una movida vecinal y cultural para preservarlo.

PALACIO EN EL LIMBO

Desde entonces, si bien sigue en venta, el gigante fundacional con sello masónico -que cuenta con una sala de 30 metros de longitud por una docena de anchura y altura- ingresó en una especie de limbo. Catalogado como “intocable” por su valor patrimonial, sin ofertas de inversionistas, y “dormido” en la Legislatura bonaerense un proyecto de expropiación, se deteriora sin prisa pero sin pausa.

Mientras tanto, algunos de sus espacios alojan investigaciones arqueológicas y actividades culturales.

“Estamos trabajando en un proyecto teatral y educativo, con participación infantil, basado en investigaciones del CONICET y la Universidad Nacional” adelanta la directora teatral platense Beatriz Catani.

“Se llama ‘Mapa de Aldeas’ y tiene que ver con los barrios locales más castigados por las inundaciones de abril de 2013” precisa la actriz y dramaturga que también impulsa el ciclo “El Princesa hoy”, inaugurado en diciembre del año pasado con la obra “Nos, el Princesa”.

“El estreno de ‘Mapa...’ está previsto para dentro de unos dos meses en la sala TACEC del Teatro Argentino” señala Catani, “pero aquí haremos ensayos abiertos; además, seguirá el ciclo que estrenamos el año pasado y habrá jornadas con el equipo de arqueólogos del municipio, para filmar un documental”.

Control de plagas

“Trabajamos para mantener el espacio lo mejor posible”, sostiene quien fuera pareja del recordado Quico García, comprador del teatro en los años ‘90 y gestor de la “Hermandad” que lo devolvió entonces a la vida: “hay una empresa de control de plagas contratada para realizar trabajos con una frecuencia periódica de una vez por mes. Y nos han notificado que exista un aumento inusual en la cantidad de roedores”.

Catani admite que “al no estar habitado, ser antiguo, inmenso y hallarse a metros de la Terminal de Omnibus, el teatro plantea dificultades. Pero de ninguna manera está abandonado o sumido en la desidia.

El año pasado, los arqueólogo del municipio recogieron del jardín trasero del Princesa, cuyo lote también tiene acceso por calle 4, unas tres mil piezas entre elementos de yeso, flores, decoraciones rococó, material metálico, piezas de mármol y restos de un antiguo pozo de agua.

1.300

Son los metros cuadrados del lote que alberga al antiguo teatro Princesa y un pequeño patio, con accesos tanto por diagonal 74 entre 3 y 4 como por calle 4.

Fuente: EL DIA

Reír para no llorar

 

LA NONA

Por IRENE BIANCHI​

8 de Junio de 2015 

Pepe Soriano y “La Nona”, de regreso

“La Nona”, de Roberto Cossa. Elenco: Pepe Soriano, Hugo Arana, Miguel Habud, Sabrina Carballo, Miguel Jordán, Patricia Durán, Mónica Villa. Dirección de arte, vestuario e iluminación: Héctor Calmet. Música original: Malena Graciosi. Dirección general: Jorge Graciosi. Teatro Municipal Coliseo Podestá.

 ¿Quién es esta “Nona” que todo lo devora? ¿O más bien, qué es? ¿Qué representa? ¿Qué simboliza esta viejecita voraz y resiliente, que sobrevive a todo y a todos, esta anciana centenaria que entierra a toda su familia?

Ese es el gran enigma de este clásico de Roberto “Tito” Cossa, estrenado en 1977. Indudablemente, la obra divierte y provoca carcajadas. ¿Cómo no reírse de esa abuelita que come y bebe cuanto se le cruza? ¿Cómo no reconocer a ese personaje tan autóctono, “Chicho”, el vago que se las da de artista, tirado en la catrera, alérgico al trabajo? ¿O a la jovencita que finge estar siempre “de turno” en una farmacia, cuando cada noche la pasa a buscar un auto distinto, mientras su familia hace la vista gorda?

Pero es inevitable hacer una lectura más profunda y formularse otras preguntas, que cada espectador responderá a su manera. ¿De qué habla el autor? ¿De una sociedad enferma, que agoniza?¿Del país en bancarrota? ¿De un sistema político? ¿De la degradación del individuo? ¿De la decadencia moral que llegó para quedarse? ¿De qué hacer con los “viejos” que estorban, molestan, ocupan lugar y generan gastos?

Lo interesante de la puesta de Jorge Graciosi, es que el director logra hacer convivir en la puesta de este grotesco ambos planos: el del entretenimiento llano y la diversión ingenua, y el otro, el más sombrío, la radiografía de una época. Habrá gente que se irá del teatro habiendo disfrutado de una “comedia”, y otros que vislumbrarán algo trágico en la pintura de esta familia de clase baja y su triste e inexorable final.

Un placer reencontrarse con un actorazo de la talla de Pepe Soriano, que construye un personaje adorable y aborrecible a la vez. ¿Cómo olvidar ese “Loro calabrés”, que se posara en La Plata hace añares. O su reciente trabajo en “La laguna dorada”. Un actor de raza, con un magnetismo intacto y un oficio incomparable.

A su misma altura, Hugo Arana, en un trabajo memorable. Su Chicho es antológico, tan “argento” como el dulce de leche o el choripan. Ladino, fabulador, manipulador, lleva la voz cantante, a pesar de que, al decir de Serrat, “las musas han pasado de él”, y no ha compuesto nada de nada, en toda su vida de holgazán.

Muy logrado el kioskero italiano de Miguel Jordán, “festejante” de la Nona, así como la solterona que compone Mónica Villa. Correctos Miguel Habud, Patricia Durán y Sabrina Carballo.

El recurso de los separadores musicales entre cuadro y cuadro, matiza la acción y da un saludable respiro.

“La Nona”: mucho más que una comedia reidera.

Fuente: EL DIA

“Ruede en La”

 

Por IRENE BIANCHI

6 de Junio de 2015 

Aníbal Julián Galeano, Hilario Vidal y Santiago Culacciati, mezcla de acróbatas, clowns, malabaristas, músicos, bailarines, payasos, equilibristas, prestidigitadores, deslumbran a grandes y a chicos con este espectáculo que no necesita de la palabra para trasmitir ideas, sentimientos, situaciones. Pícaros, ingeniosos, ingenuos, dislocados, estos tres chiflados sobre ruedas entretienen con mucho oficio y buenas armas.

Hoy a las 22 hs en Teatro Estudio, calle 3 entre 39 y 40.

Fuente: EL DIA

Otra ópera es posible

 

Se presentan las últimas funciones de “Carmen”, espectáculo con el que Valeria Ambrosio, directora artística del Teatro, apunta a acercarse a una nueva audiencia, en consonancia con el mundo

6 de Junio de 2015 

El mundo entero ha enfrentado en los últimos años el desafío de hacer la ópera accesible a un público masivo. Género de la denominada “alta cultura” por excelencia, la merma en las audiencias ha obligado a los grandes teatros de Europa y Estados Unidos ha acercarse a las nuevas tecnologías y cambiar sus modelos para conseguir nuevas audiencias, generar ingresos propios y depender en menor proporción de los subsidios.

La actualización de la ópera fue el foco del ambicioso encuentro protagonizado por 140 teatros de ópera llevado a cabo hace un mes en el Teatro Real de Madrid, donde el presidente de la institución, Gregorio Marañón, afirmó que “no somos un club exclusivo, estamos abiertos a todos los demás. Tenemos que evolucionar en los próximos tres años a partir de expandir la audiencia de la ópera, llegar a nuevos públicos y superar los límites físicos del teatro con las nuevas tecnologías”.

El teatro español, reabierto hace dos décadas, se hace eco así de una tendencia mundial que incluye óperas interpretadas por solistas virtuales (“The End”, del músico japonés Keiichiro Shibuya) y la creciente preponderancia de las voces jóvenes, que retuercen y renuevan un género dominado, hasta este siglo, por un repertorio clásico de obras anteriores a la Primera Guerra Mundial.

El mismo desafío es el que comienza a transitar el Teatro Argentino, que bajo la dirección artística de Valeria Ambrosio ha estrenado una “Tosca” 2.0 y una “Carmen” marcada por las elecciones valientes.

PRIMERO, EL PUBLICO

“Estamos tratando, en primera instancia, de recuperar la confianza del público, de sentir que si el Teatro Argentino programa algo, se va a cumplir. Una vez que esto ocurra, ya en 2016 me parece que es momento de tener una ópera contemporánea no solo contemporánea sino también argentina. Es más, hasta sería genial tener un estreno. Ponerse a pensar y trabajar con compositores y autores una ópera hecha de cero, no una ópera contemporánea de los años sesenta”, explica Ambrosio los proyectos a futuro del coliseo bonaerense.

Ambrosio planifica para 2016 “corrernos un poco de lo tradicional y del repertorio y buscar algo un poquito más conceptual, más contemporáneo”, y avisa que “este año lo vamos a implementar en el ballet: hay un programa a mitad del año que se llama ‘Interfase’, de tres momentos. Uno es con música de Charly García, resignificada y reinterpretada pensando en el ballet”.

El Teatro busca, cuenta su directora, ofrecer estas nuevas posibilidades, sin “olvidar lo tradicional, porque ahí está la base de todo, y desde ahí encontrar los espacios para las nuevas visiones y expresiones que necesitan un lugar y, de hecho, es lo que más nos importa a todos”.

“De todos modos, el año pasado fue muy sorpresivo para mí, vi que viene mucha gente joven, al menos en ‘Tosca’: la decisión de utilizar medios expresivos 2.0 (cuatro enormes pantallas LED mostraban en el fondo escenarios y climas) podía atraer a la gente y así ocurrió”, apunta Ambrosio, directora escénica de aquella puesta y de “Carmen”, que tendrá hoy y mañana sus últimas dos funciones (ver aparte) y que pretende “un renacimiento” a partir de lo establecido porque “la música de estos compositores es insuperable”.

ABRIR EL JUEGO

Y para emprender este renacimiento en busca de nuevas audiencias y de un nuevo sentido para el coliseo, es que, justamente, se buscó a Valeria Ambrosio, directora de la escena de la comedia musical a quien, a fin de año, se sumará el reconocido director Ricky Pashkus, de la misma tradición, para dirigir “La Boheme”.

“Tiene que ver también con abrir el juego, con sentir que de algunos espacios no son dueños algunos personajes sino que el arte y la cultura son de todos, y más allá de que haya géneros establecidos, esos géneros no tienen fronteras”, explica Ambrosio la decisión, y sigue diciendo que “interpretar y poder llevar adelante un titulo lírico es posible para un director de teatro, un director de teatro musical, un artista plástico, un músico... Si hay barreras ahí, sonamos”.

Ambrosio, que reconoce que no sabe si continuará al frente de la dirección artística del Teatro tras el fin de su contrato, completa la idea: “En la experimentación, en este tipo de búsquedas, puede haber actos fallidos, pero también grandes logros. En este tipo de propuestas es donde empiezan a romperse ciertos cascarones, no con la certeza de que eso sea un éxito, pero si al menos en el intento de mezclar y renovar”.

ULTIMAS FUNCIONES

Esta noche a las 20.30 y mañana a las 17 podrán verse en el Teatro Argentino, 51 entre 9 y 10, las últimas dos funciones de “Carmen”, la ópera de Bizet con dirección escénica de Valeria Ambrosio y dirección musical de Tulio Gagliardo Varas y Alicia Pouzo.

EL DOMINGO, POR INTERNET

Como parte del intento del Argentino de adoptar las nuevas tecnologías, la función final de “Carmen” podrá verse en vivo en pantallas gigantes montadas en auditorios de las municipalidades de San Antonio de Areco, Pehuajó, Coronel Pringles, Carlos Casares, San Andrés de Giles, Tres Lomas y Tandil. Además, los seguidores en Facebook del Teatro que deseen seguir la transmisión también recibirán ese día un link para poder hacerlo.

Fuente: EL DIA

El absurdo de la era de los castings

 

5 de Junio de 2015 

Durante los domingos de junio podrá verse en el Pasaje Dardo Rocha, 50 entre 6 y 7, desde las 20, “Mamá, quiero ser artista”, una comedia para toda la familia sobre los delirios de un grupo que realiza un casting.

En el devenir de la era de los castings una peluquería frustrada intentará transformarse en una pretenciosa agencia de espectáculos. A partir de allí, comenzarán a desfilar muy coloridos y variados personajes que harán de las suyas durante una hora de risas y canciones. Con Coqui Mansur, Marcela Reine, Agustina Pastore, Juan Cestaro y Cristian Boragina, quien está a cargo de la dirección y al puesta en escena.

Fuente: EL DIA

Libertad. Razón. Pasión. Muerte

 

CARMEN

Por MARIO F. VIVINO

Una escena de la “Carmen” que se muestra en el Argentino

1 de Junio de 2015 

CARMEN.- Música de Georges Bizet. Estreno mundial: Opera comique, Paris 3 de marzo de 1875. Orquesta, coro y coro de niños Teatro Argentino. Dir. orquesta: Tulio Gagliardo, Dir. Escénica: Valeria Ambrosio. Escenografía: René Deviú. Dir. Coro: Hernán Sánchez Arteaga. Dir. Coro de niños: Mónica Dagorret. Principales intérpretes: Adriana Mastrángelo (Carmen). Enrique Folger (Don José). María Bugallo (Micaela). Leonardo Estévez (Escamillo). Victoria Gaeta ( Frasquita). Rocío Jurado (Mercedes). Sebastián Angulegui (Morales). 29, 30, 31 de mayo; 6 y 7 de junio. 5 de junio Función del ciclo Opera abierta. .

“Carmen”, la más conocida de la óperas en lengua francesa, de trayectoria internacional amplísima y constantes adaptaciones en cuanto a que su argumento y música siempre permiten una nueva visión y por lo mismo, una muestra diferente, es respuesta en el Teatro Argentino con una mirada hacia el presente y un fuerte acento sobre la faceta de la libertad, sin duda la manifestación más estentórea del personaje central frente al orden, prudencia y hasta casi pusilanimidad, que adopta Don José para recibir de parte de su desesperado amor, una respuesta fervorosa, cuando le conviene; violenta cuando se siente desplazada, o despreciativa cuando otro ocupa el papel de amante. Indudablemente que el actuar de la protagonista lleva al espectador a congraciarse con sus actitudes porque se nutren de ese extraño ingrediente que la rebeldía genera en los demás pero que llevan consigo, cuando no se generan límites, como en la ópera, la angustia, la locura y la muerte.

Bajo ese prisma es valiosa la representación habida que contó con una correcta actuación de la orquesta y la ya conocida pero no por ello menos destacable intervención del coro, de constante participación. Los solistas se mostraron en muy buen nivel. Madura y apasionada labor de Adriana Mastrángelo como la querible-rechazable; amante-desdeñosa; envolvente-violenta; fiel-traidora; simpática-peligrosa: Carmen, que en sus principales momentos; la famosa Habanera: “L amour est un oiseau rebelle” o el dramático final requieren esa peculiar personalidad de los muy buenos cantantes / actores. Enrique Folger, también mostró su fuerte sintonía con el personaje y la conocida “La fleur que tu m´avais jetee” produjo en el público la inmediata y mejor respuesta: la ovación. El cuadro final con la protagonista, lo proyectó a las alturas…. María Bugallo, sufrida “pastorcita enamorada del protagonista…” impecable, aunque excesivamente “aniñada” Leonardo Estévez compuso un no demasiado rústico torero, con un vibrante “…. Toréador en garde…” Victoria Gaeta, Rocío Arbizu como las gitanas amigas de Carmen se lucieron en los momentos peculiares del sortilegio y el juego de cartas. Impecables los demás integrantes el muy extenso elenco que exige la obra

La escenografía de René Diviú, presentada en la época actual, permitió y facilitó los grandes movimientos escénicos, sin apartarse de los aspectos tradicionales –ámbito del sur de España, submundos, personajes marginales- es otro de los aspectos destacados de la versión.

En cuanto a la regie, adelantamos que Carmen permite diferentes lecturas. La de Valeria Ambrosio es una de ellas. Criterio moderno: por ejemplo desde la segunda parte de la muy famosa obertura, cada interludio orquestal es “bailado” por sosías de los principales personajes. Al menos, discutible: precisamente el autor busca con las piezas estrictamente orquestales permitir que el espectador proyecte… Es posible que el ballet que la grandiosa Maya Plisetskaya (fallecida hace unos días en Moscú) estrenara en Buenos Aires cinco décadas atrás, apoyándose precisamente en estas piezas, haya incidido. Los contrabandistas, entre otros “elementos”, contrabandean personas… Parece excesivo…

Versión integralmente muy aceptable, aunque su más de tres horas y media de duración además de los tres entreactos, llevan la velada a varias horas… Pero la valentía es una nota del que aprecia lo clásico…

En otras funciones actúa un diferente conjunto de primeras figuras.

Fuente: EL DIA