“Mares de piedra”: mujeres, Malvinas, el absurdo y el dolor

 

Raúl Bongiorno dirige la obra de Roxana Aramburú que, por primera vez en La Plata, se ofrece los sábados en El Obrero

"Mares de piedra"

“Mares de piedra”, una obra de Roxana Aramburú con dirección y puesta en escena de Raúl Bongiorno, se ofrece los sábados a las 20 en el Centro Cultural Viejo Almacén El Obrero, 13 y 71, con una historia que pone el foco en la participación de las mujeres en la Guerra de Malvinas, en un relato atravesado por el absurdo y el dolor.

La obra de Aramburú fue escrita, presentada y premiada en 2015 en el marco del ciclo “Nuestro Teatro” -organizado por el Plan Nacional Igualdad Cultural, en homenaje a Teatro Abierto- y tuvo su estreno ese mismo año en la cartelera porteña con las actuaciones de Antonio Grimau, Benjamín Rojas y Melina Petriella bajo la dirección de Daniel Marcove. Y ahora, tras ganar Bongiorno con su proyecto artístico el concurso nacional “Malvinas Soberanía” en conmemoración del 40º aniversario de la Guerra, se estrenó por primera vez en La Plata con el apoyo del Instituto Nacional del Teatro.

Escenógrafo y docente, además de dramaturgo y director, Bongiorno contó, en diálogo con EL DIA, que lo que más le sedujo de este material fueron sus múltiples posibilidades de lectura, en tanto, “no solo toma la temática trágica y tremenda de la guerra en sí”, sino que se abre a otros terrenos no tan explorados, como la participación muchas veces invisibilizada de las mujeres en el conflicto, o las heridas (no sólo físicas) que se llevaron para siempre los que lograron sobrevivir.

Protagonizada por Noelia Almassio, Facundo Manuel y Luis Constant, la obra se desarrolla en el buque hospital Almirante Irízar y tiene como protagonistas a un militar de alto rango, a una enfermera y a un soldado, estos dos últimos, tratando de sobrevivir a dos focos de conflicto: uno externo y otro interno.

Si bien el argumento de la obra no responde a un hecho “absolutamente puntual”, la autora toma el contexto bélico para vestir la historia de Sandra y Gabriel, una pareja de novios que, por diferentes circunstancias, terminan estando los dos en ese barco sanitario, “separados y sin saber qué pasa con el otro”: ella como enfermera y él como soldado.

Bongiorno, que en su anterior puesta (“Gangster”, de Daniel Dalmaroni) había explorado la temática feminista, vuelve a abordarla ahora al poner la lupa sobre una mujer que sufre una situación de abuso de poder de parte de un superior en un lugar “sin salida”: altamar. “La fuerza que tiene que tener una mujer en una situación de este tipo es una de las cuestiones que destaca la obra”, aseguró el director que espera poder abrir conversaciones en relación al papel que jugaron las mujeres en la Guerra de Malvinas.

Desarrollada a través de cuatro escenas (que van y vienen entre el mundo real y el onírico) y cuatro monólogos entrelazados sincrónicamente, “Mares de piedra” es por momentos cruda y por momentos dolorosa pero, por lo mismo, “necesaria”, según el director. “Si bien es muy difícil, porque para mucha gente es una tema sensible, es la intención de esta obra mantener vigente esta temática tan dramática y absurda que nos tocó vivir. Siempre una guerra es absurda pero en este contexto nuestro creo que fue, todavía, más absurda que la guerra en sí misma”, remarcó.

Con la libertad creativa que ofrece el teatro independiente, el texto, a Bongiorno, lo inspiró a hacer un homenaje propio a los caídos del General Belgrano con soldaditos de juguete. “Me resultó muy especial el hecho de ver desparramados en el piso a los 323 individuos que son soldaditos, porque, justamente, no fueron soldados los que fueron a la guerra, fueron soldaditos”, reflexionó.

Con diseño de vestuario y maquillaje de Ana María Haramboure; diseño sonoro de Luciano Fermín Bongiorno; registro fílmico y fotográfico de Federico Bongiorno; realización de vestuario de Magdalena Bordachar; asistencia técnica de Juan Camargo; y dirección, puesta, escenografía e iluminación de Raúl Bongiorno, “Mares de piedra” continuará ofreciendo funciones los sábados de octubre y noviembre en la misma sala. Las entradas están disponibles en Alternativa Teatral.

Fuente: EL DIA

Es ley: se aprobaron las asignaciones específicas para la cultura

 

Esta tarde, el Senado de la Nación convirtió en ley el proyecto que prevé asignaciones específicas para la cultura. La misma determinó que se prorrogará por cincuenta años para impulsar a la industria cultural en todo el país. 

Con la presencia del ministro de Cultura, Tristán Bauer, se dio la sanción en una sesión especial. Afuera, los referentes de la cultura y el arte nacional celebraron abrazados. 

Esta ley iba a vencer como normativa el próximo 31 de diciembre pero gracias a la aprobación en Diputados y Senadores, se convirtió en un derecho. Durante este miércoles en Plaza del Congreso, un día antes, se realizó el festival de la Marcha Federal por la Cultura, que contó con referentes de la música, la televisión y el teatro, entre otros. 

Hace cuatro meses desde la Cámara de Diputados se trató la media sanción para asignaciones específicas destinadas al sostenimiento de actividades culturales que involucren al teatro, bibliotecas, música e industria audiovisual.

Allí, con el diputado cordobés Pablo Carro, encargado de presentarlo, recibió 132 votos a favor, uno en contra, una abstención y una ausencia.

Fuente: EL DIA

“Es un desafío transitar el contenido de cada escena”

 

En diálogo con diario Hoy, los integrantes de la obra Mares de piedra revelaron los detalles de la puesta en escena que protagonizan.

26/10/2022 

La obra titulada Mares de piedra, de Roxana Aramburú, tendrá funciones los días sábados, a las 20, en el teatro Viejo Almacén Obrero, ubicado en 13 y 71.

A razón de esto, los integrantes del elenco dialogaron con este multimedio sobre los detalles de la propuesta teatral que nos acercan. Vale mencionar que el equipo técnico y artístico está integrado por Noelia Almassio, Luis Constant, Facundo Manuel, Ana María Haramboure, Luciano Bongiorno, Federico Bongiorno, Magdalena Bordachar, Juan Camargo y Raúl Bongiorno.

—¿Cómo es el argumento de la obra? ¿Bajo qué circunstancias se gesta esta producción que aparecerá sobre las tablas?

—Este proyecto fue seleccionado y premiado por el Instituto Nacional del Teatro en la convocatoria “Malvinas Soberanía”. La obra trata sobre el momento histórico suscitado por la Guerra de Malvinas. Además, plantea una situación en la que se visibiliza la participación de las mujeres enfermeras durante la guerra y la conducta de los militares a cargo del gobierno en aquel momento.

—¿Qué se traen entre manos para esta ocasión a través de una obra tan intensa que data momentos históricos?

—Con la interpretación y la puesta en escena se muestra uno de los momentos más trascendentes de esta contienda.

—¿Cuál será el objetivo de esta nueva reposición de la obra en la cartelera?

—Esta próxima función será la ­confirmación de lo recibido como devolución para el público que colmó la sala y aplaudió los resultados ya anteriormente.

—¿Qué sensaciones los rodean antes de la presentación en La Plata?

—Hacer esta obra y llevar adelante la ambiciosa puesta en escena a todos nosotros nos produce una gran emoción. También es un desafío transitar el contenido de cada escena de Mares de piedra.

—¿Qué esperan ahora de esta obra que los mantiene actualmente en movimiento?

—Tenemos una gran expectativa con respecto a la trascendencia de esta obra, que mantiene vigente y presente en la memoria un acontecimiento ­trágico que hemos vivido en tiempos muy cercanos.

—¿Qué mensajes brindan a través de este relato teatral, histórico y cultural? ¿Por qué recomendarían verlo?

—El mensaje más importante tiene que ver con lo absurdo de la guerra y la necesidad de recordarlo. La razón que nos mueve a recomendar este espectáculo es su temática y el resultado estético logrado por los actores, es decir más todo el equipo de trabajo que lo hicieron posible.

Fuente: DIARIO HOY

«COMPAÑÍA»: TRES SON MULTITUD

TEATRO EN LA PLATA

Por Irene Bianchi

Eduardo Rovner  (1942-2019), fue un prolífico autor y director teatral argentino. Es oportuno  citarlo: “En todas mis obras aparece, además del humor, el conflicto entre los afectos y los grandes proyectos; entre el deseo y los deberes impuestos culturalmente, los que llevados a sus últimas instancias, suelen impulsar al hombre a la insensibilidad, la intolerancia y la crueldad con quienes tienen más cerca. Y es gracias a haber descubierto en esta relación cotidiana con mi obra, cuáles son las cosas que más me conmueven, que hoy creo en la necesidad de revalorizar los afectos, de priorizar los vínculos más cercanos, de ver al otro, como camino indispensable para el reencuentro comprensivo y solidario.”

“Compañía”, la obra de Rovner dirigida por Gabriel Ade e interpretada por Marina Moisi, Roxana Giorno y Fabián Martín, habla justamente de los vínculos, de las soledades, de esa puja entre el deseo y lo políticamente correcto; entre el impulso y lo socialmente aceptado.  “Osvaldo” (Martín) y “Ana” (Moiso) están casados hace más de 30 años. Ella es costurera y ama de casa, y él empleado en un juzgado. Se quieren, claro; se acompañan, pero la pasión brilla por su ausencia. Una mañana Osvaldo, agobiado por el clima en su oficina, inventa una excusa y se va a caminar a los bosques de Palermo.  Necesita mirar el cielo, el lago, respirar aire puro, despejarse, desconectarse un poco de la pesada rutina diaria. Allí conoce a “Magda” (Giorno), una mujer viuda,  conversadora, extrovertida, alegre, pizpireta, muy opuesta a su esposa. Entablan una relación, y ambos pergeñan un plan un tanto estrambótico, que prefiero no revelar aquí.

 “Osvaldo” es un buen tipo sin grandes aspiraciones. Lo asocio al protagonista de “La Fiaca” de Talesnik: ese gris oficinista que un buen día  se rebela y decide no ir a trabajar más. Ha sido un buen marido, un buen padre, un empleado responsable, pero necesita recuperar el entusiasmo, las ganas de vivir, las maripositas en la panza. “Ana” también es una buena mujer, pero no se la ve alegre, y pasa la mayor parte del tiempo refunfuñando, sola con su máquina de coser. La irrupción de “Magda”, la tercera en discordia, es un disparador que les hace tomar conciencia de lo solos que se sienten, a pesar de vivir juntos. Su personaje funciona como “deus ex machina”: un elemento externo que resuelve una historia sin seguir su lógica interna (recurso utilizado por Pier Paolo Pasolini en su film “Teorema”).

“Compañía” es una obra “tramposa”, ya que tiene momentos hilarantes y disparatados, y también reflexiones muy profundas sobre la vulnerabilidad de la condición humana. Gabriel Ade le imprimió un ritmo sostenido a la pieza, a veces vertiginoso, respetando asimismo el mensaje esencial del autor. Mantiene la atención del espectador de principio a fin. Los tres personajes están muy bien delineados y diferenciados. La gestualidad de Marina Moiso es de otro planeta. Dice muchísimo sin hablar (ya sabrán por qué). Como contrapunto, Roxana Giorno es un cascabelito; su personalidad es arrolladora (e invasora) y, al igual que Moiso, enriquece su interpretación con matices contrastantes. Fabián Martín compone un Osvaldo querible, tierno, un tanto ingenuo, despistado y timorato, que se anima a jugarse por lo que siente, tal vez por primera vez en su vida.

“Compañía” está culminando una temporada a sala llena en “Teatro El Escape”, calle 44 No.1.443, entre 23 y 24, los domingos a las 20 hs. Muy recomendable.

Fuente: https://irenebianchi.com.ar/

“Mini P.I.M.E.R”: danza y poesía procesadas en un “caos” festivo

 

La bailarina Julieta Ranno dirige una propuesta colectiva que tomó impulso con sus ganas de cruzar “un territorio poco explorado”

“Mini P.I.M.E.R”, una frenética y estimulante producción que bien podría ser “la hija mestiza entre la danza y la poesía”, ofrecerá este sábado una nueva función en La Mercería, con las interpretaciones de Glenda Pocai, Pamela Esquivel, Chapi Barresi, Lucía Uncal, Julia Algañarás y Julieta Ranno, que también dirige.

Se trata de una desprejuiciada creación colectiva que nació a partir de una pulsión. Su directora tenía un deseo y hacia allí fue: “Intuía que entre la danza y la poesía había un territorio poco explorado y tenía muchas ansias de enchastrarme en ese barrial”, según cuenta en diálogo con EL DIA.

El resultado es inclasificable y el equipo (“fundamental, y el esqueleto que estructura y sostiene todo”, destaca Ranno) la define como “un recital de poesía física, una obra de danza teatro y un patchwork pop”.

De ahí, claro, su nombre: una sigla que si bien refiere a las Pequeñas Imágenes Mecano Eléctricas Reunidas que generan la obra, también propone un juego de sentido que remite al pequeño electrodoméstico de cocina que procesa ingredientes diferentes (en texturas, colores y sabores) hasta volverlos un solo producto, mixto y homogéneo.

En este caso, siguiendo las lógicas de la química, el solvente sería la danza, la “lengua madre” (Ranno se pregunta “¿qué sería de todos los otros lenguajes sin un cuerpo que lo produzca o sin un cuerpo que lo reciba?”) de este Frankenstein “culto” alimentado a base de poesías que se hacen cuerpo y voz.

“Creo que la poesía es una tarea intelectual, pero hay un impulso en el cuerpo, una observación de las sensaciones físicas y su imposibilidad de traducirlas lo que lleva a escribir. Ahí, en ese lugar común con la danza, quise investigar”, remarca Ranno, que bailarina, actriz, docente e instructora de stretching.

Su mayor reto, dice, fue “encontrar ese territorio”, ese punto de encuentro, y procesarlo: “Mi temor era que quedase la palabra por un lado y la danza, por el otro. La intención era fundirlas. Creo que lo logramos”.

Amores, obsesiones, erotismo (una escena alrededor de la manzana prohibida pone a la directora en el centro de la escena junto a la “poderosa y sensible” Pamela Esquivel) y frescas pinceladas de humor tejen este material que se fue amasando a pura fiesta, un clima que envuelve la pieza de cabo a rabo: los espectadores lo podrán apreciar.

“Improvisamos mucho, desparramamos libros de poesía, objetos y vestuario, y con ese material nos pusimos a jugar e investigar (que es casi lo mismo). En ese caos, iban decantando algunos motivos y a partir de allí construimos escenas y más tarde fue apareciendo la obra”, cuenta Ranno.

Los hilos fueron apareciendo de un modo “bastante misterioso”, en tanto, según la directora, “fue el ritmo más que una cuestión dramatúrgica lo que resolvió el asunto”. Un asunto no acabado, vivo, que podría derivar en otra cosa porque “quedó bastante material afuera y por la forma del dispositivo sabemos que ‘Minipimer’ seguirá engordando”.

Con dramaturgia de Julieta Ranno, Lucía Uncal y Chapi Barresi, asistencia de dirección de Lucía Uncal y Julia Algañarás, la propuesta incluye diseño lumínico de Manu Schoijet (advertencia: la obra cuenta con luz estroboscópica y apagón prolongado, que puede afectar a personas fotosensibles), arte de Julia Algañarás, y música original y diseño sonoro de Mati Jury, el último en ser invitado a esta fiesta, y que trabajó “con el concepto de lo cotidiano y el extrañamiento, su retroalimentación”. Ranno destaca el resultado de su compañero, que “grabó sonidos en escena que luego utilizó para componer las músicas y los climas. En concordancia con la obra, compuso un collage sonoro de una enorme versatilidad”.

Inquieta, Ranno advierte que no podría asumir el “rol del director pasivo y sabelotodo” porque es una figura alejada de su realidad: necesitó entrar y salir, prestar la mirada, volver a entrar y salir, y ser parte de la escena era algo que no iba a negociar: “Si dirijo exclusivamente no sabría qué hacer con mi cuerpo”, confiesa.

Tras la función del sábado a las 21 en la sala de 1 entre 36 y 37, “Mini P.I.M.E.R” ofrecerá una nueva función el 10 de noviembre en el Centro de Artes de la UNLP, en el marco de la Bienal de Arte. ¿Más adelante? Verán. La experiencia de la pandemia les dejó un aprendizaje: “Mejor no planificar a largo plazo”. Pero las ganas de volver, están.

Fuente: EL DIA

Dirigida por Nora Oneto, “Un lugar... ciertas mujeres” ofrece su última función

 

“Un lugar... ciertas mujeres”, creación colectiva dirigida por Nora Oneto, ofrecerá el domingo a las 20 en Espacio 44, 44 entre 4 y 5, su última función. Con las actuaciones de Juliana Musicco, Ingrid Rogers, Graciela Sandoval y Andrea Torres, plantea rastros de un pueblo y retazos de la vida de mujeres que vivieron allí.

Mudan espacios, tiempos y personajes y en escena mujeres de otrora y mujeres actuales, descendientes de aquellas, que aunque con vidas que transcurren en contextos diferentes se reconocen en cuestiones femeninas similares.

Fuente: EL DIA

“Stéfano”: la vuelta de un clásico nacional, con orquesta en vivo y entrada gratuita

 

Luis Longhi y Marcelo de Bellis dirigen una versión del grotesco criollo de Armando Discépolo con el que reabre la sala de La Comedia

“Stéfano”, grotesco criollo de Armando Discépolo, es el título elegido por la Comedia de la Provincia para reabrir tras casi tres años la sala que lleva su nombre. Se trata de una gran producción original que, con orquesta en vivo y bajo la dirección de Luis Longhi y Marcelo de Bellis, se ofrecerá hasta mediados de diciembre, los viernes, sábados y domingos con entrada libre y gratuita.

Considerada como el clásico más importante de la escena nacional, la pieza nos sumerge dentro de un trasfondo político y filosófico que atraviesa todos los tiempos: el fracaso individual y familiar, el derrumbe de los proyectos colectivos, los sueños no cumplidos, las frustraciones y el dolor por la pérdida de un futuro promisorio, confluyen en un clima en el que subyacen lo trágico y lo cómico.

Destacado actor, director, escritor y músico platense, Longhi fue convocado para codirigir junto a De Bellis este texto de Discépolo que ya era parte de su ser: durante años, en una versión dirigida por Rubén Pires, el intérprete había transitado emocionalmente al sufriente Stéfano por lo que, tras la baja del actor que tomaría el rol protagónico, no dudó un segundo en pasar al frente. Así, este proyecto, con su doble rol, se tornaría todavía más especial lo que ya de por sí era para él.

“No puedo estar más feliz, estoy donde siempre quise estar, que es mi casa, la Comedia de la Provincia: después de 35 años estoy volviendo a mi lugar, donde arrancó toda mi carrera”, aseguró Longhi en diálogo con EL DIA, y viajó al pasado, posando los recuerdos en su “primer laburo profesional”, donde se sintió actor por primera vez. Corría 1988 y era parte del elenco de “Hoy debuta la finada”, la primera obra de Patricia Zangaro que se estrenó en el Auditorio de Mar del Plata con dirección de Jorge Lauretti. Entre sus compañeros de elenco, había “grandes glorias del teatro platense”, una de ellas Mabel Campos, con la que vuelve a coincidir en “Stéfano”, dándole vida a María Rosa, madre de Stéfano.

Se trata, según Longhi, “de la mejor obra de la historia de la dramaturgia argentina” y, por eso, trabajaron sobre el texto original. “Es una obra que está perfectamente escrita, no tiene fisuras, de hecho, lo que ponemos en escena es una versión original, no hemos tocado una coma”, remarcó.

Aunque con De Bellis se conocieron por y para este proyecto (“y fue amor teatral a primera vista, y todo fluyó con una armonía y creatividad compartida alucinante”, destacó el platense), juntos le dieron vida a una puesta que se destaca por la inclusión de una orquesta musical en vivo que, aseguró Longhi, “redimensiona lo que es el grotesco”.

Porque la orquesta (con dirección de Juan Ignacio López) “funciona solamente en la cabeza de Stéfano, algo que es muy importante y muy emotivo: toda la música que tiene él en su cabeza, que obviamente que le llega al espectador, la tiene él adentro, en su cabeza, y a través de un hermoso juego lumínico va apareciendo y desapareciendo mágicamente en escena”.

Longhi, que lleva un estrecho vínculo teatral con los Discépolo, no dudó en “adscribir” a la teoría de que en “Stéfano”, Armando volcó pedazos de su vida familiar con “paralelismos que son evidentes”; y tras repasar la relación tirante entre los hermanos se entusiasmó al detallar el gran legado del mayor.

“Armando vivió para el teatro, se entregó al teatro, escribió las más maravillosas obras del teatro argentino y fue el mentor del grotesco criollo: nosotros veníamos del sainete, que presentaba los conflictos familiares (entre el turco, el italiano, el español y el criollo) en el patio de un conventillo, y Armando, inspirado en Pirandello, toma el conflicto del patio y lo mete en la pieza y de la pieza lo mete en la cabeza y en el corazón de los protagonistas. Por eso los conflictos en el grotesco son existenciales, son metafísicos, y son tan tremendos que nos terminan haciendo reír”, ahondó.

La de Stéfano, por caso, es “la historia de un artista lleno de frustraciones (personales, coyunturales, profesionales), de un músico que vino a la América a construir su carrera como grandísimo compositor y la vida lo llevó a ser un humilde músico de una orquesta de barrio”, explicó Longhi y contó por qué su historia le pega tan hondo: “Porque es lo que nos puede pasar a cualquiera de nosotros, los artistas, los que hacemos teatro independiente, que somos artistas marginales y que nos la pasamos remando contra la corriente tratando de sobrevivir en un mundo atroz queriendo, ingenuamente, cambiar el mundo”, reflexionó.

Una invitación a vivir momentos de “mucha emoción, mucha ternura, mucha risa, amor por el teatro y ganas de vivir” es lo que le garantizó el actor al público que se decida a ir a ver esta pieza porque “si hay algo que tenemos los artistas, es que somos poderosos: vivimos con alegría y nuestra alegría es tan poderosa como nuestro arte y nuestro arte es para abrazar a los espectadores”, concluyó.

Primera producción original de La Comedia en seis años, el elenco de “Stéfano” se completa con Maia Francia (Margarita), Jorge Noya (Don Alfonso), Gaby Almirón (Pastore), Nacho Toselli (Esteban), Trinidad Falco (Ñeca), Nico Cúcaro (Radamés), Ricardo Ibarlín, Cecilia Coleff, Fabio Prado González y Mariela Marconi.

Con música de Eugenio Masa, Joaquín Blas Pérez, Juan Sleig, Andrés Gómez Cardozo; escenografía de Soledad Machado; vestuario de Magalí Salvatore; diseño Lumínico de Esteban Ivanec; asistencia de dirección de Carolina Otero, Laura Otero y Nicolás Prado; fotografía de Fernando Massobrio y diseño gráfico de Martín Pirrone y Ricardo Baldoni, las funciones serán viernes y sábados a las 21 y domingos a las 20 hasta el 11 de diciembre. Las entradas se podrán retirar desde tres horas antes de cada función en la boletería del teatro ubicado en 12 entre 62 y 63.

Fuente: EL DÍA

Prendo fuego todo por vos

 

ESCÉNICAS II

Mini P.I.M.E.R (Pequeñas Imágenes Mecano Eléctricas Reunidas) es un recital de poesía física y un manifiesto. La ternura, el humor, el erotismo como formas de resistir en tiempos turbios.

Por Mag De Santo

Hace tiempo que las artes vivas se nos volvieron un tanto extrañas, más aún las que pertenecen a ese espacio cuesta arriba: la escena independiente. El cuerpo cercano en la oscuridad de una sala, el sudor y el palpitar del semejante, la respiración profunda, la tos, el caramelo, el moco colgando de una intérprete magnífica, primera fila de un piso que oficia de escenario… Hubo un tiempo en el que la cercanía que impone esa ficción corporal se traducía en un único significante totalitario: ¡PELIGRO!

Pero pasamos de página, en una graduación adaptativa dudosa, el tiempo de elaboración se aceleró y la vida en común se siente hipotecada con una deuda que no pareciera tener tope, pese al esfuerzo de nuestros cuerpos cansados y la productividad flamante. Así y todo, arrastramos los muebles a las esquinas de la habitación y nos damos una pista de baile para multiprocesar esta pandemia, narrarla, en la oscuridad, en la proximidad, con el moco colgando y el caramelo medio chupado. Mini P.I.M.E.R (Pequeñas Imágenes Mecano Eléctricas Reunidas), dicen, es un recital de poesía fìsica.

El proyecto fusiona lenguajes minorizados y amenazantes para la covid como la danza y el teatro. E incluye poesía, relatos ardientes y, agrego, un manifiesto de estética. En esa pastita, se comparten el ritmo, lo inaprensible del sentido y el cuerpo como motor. No son lenguajes que aportan cada uno su fuerte, sino que se imbrican y lubrican en una misma salsa.

La obra es cuir sin quererlo, aunque dos chicas danzan con el equilibro de una manzana pecaminosa y una marica con otra hagan la parodia, no traman reflexiones de identidad, ni son los cuerpos de raquítica estilización blanca que formulan lo esperable. No. Simplemente se baila como se vive, con contornos en volumen, a veces con precisión y otras con exceso y agotamiento. “En Mini P.I.M.E.R exponemos cuerpos lúdicos y erotizados, puestos en cuestionamiento, y creemos que lo poético nunca jamás va a estar en la norma. Por eso creo que sí, estamos en sintonía con la experiencia cuir. Pero no fue intencional. La obra misma fue tomando ese rumbo”, explica para el Suplemento Soy, Julieta Ranno, su directora. “Creo que Mini P.I.M.E.R. es vital. La ternura, el humor, el erotismo son a mi entender, una forma poderosa de resistir en tiempos turbios. No defendemos la alegría, la alegría nos defiende a nosotrxs”, continúa.

Además de las emociones contagiosas, esta pieza de 45 minutos -que parecen 20- sin escenografía más que la propia humanidad, con la síntesis perfecta de una serie de elementos de utilería y vestuario contemporáneo -arte a cargo de Julia Algañarás- desborda las herramientas de la danza contemporánea o la danza teatro y se las guarda en el bolsillo, simples y contundentes, para articular un indecible como la vitalidad del cuerpo, del amor y el arte. La repetición, el pie del micrófono, la voz altisonante, se mancomunan en las ganas de decir “te amo, prendo fuego todo por vos”.

En Mini P.I.M.E.R., un concepto, sencillez e inteligencia, una reflexión de la propia práctica artística, un diseño lumínico (a cargo de Manu Schojeit) que actúa como un intérprete más y el temblor sonoro ajustado de Mati Jury. Hay humanas que exploran y agradecen la profunda y honrada maravilla de vivir (Glenda Pocai, Pamela Esquivel, Chapi Barresi, Lucía Uncal, Julia Algañarás, Julieta Ranno) al mismo tiempo, que exponen el martirio de la seca monotonía, nos recuerdan: creación colectiva o muerte.

Próximas funciones: domingo 16, 20.30hs, sábado 22 a las 21hs, en La Mercería (Calle 1 n 210, La Plata). Jueves 10 de noviembre, 20hs, función gratuita, en el Centro de arte de la UNLP, (Bienal de Arte)

Fuente: Página 12

“La escena del crimen” regresa a la cartelera

 

“La escena del crimen”, un policial que se mueve entre el absurdo y el poder de la negación, regresa a la cartelera platense. Bajo la dirección y puesta en escena de Paula Boero, este texto de Daniel Dalmaroni se ofrecerá éste y los restantes viernes de octubre a las 21 en El Obrero, 13 y 71.

Paula Boero dirige “La escena del crimen” de Daniel Dalmaroni

Protagonizada por Adrián Di Pietro, Sebastián Faria, Fabián Iglesias y Paola Sánchez, la obra narra las desventuras de un matrimonio y un vecino que, tras una serie de eventos desafortunados, creen que hay indicios que los podrían comprometer como autores de un crimen, lo que los lleva a obsesionarse con resolver el enigma antes de que intervengan las autoridades.

Boero, que se zambulle por segunda vez en el universo ácido de Dalmaroni -su anterior obra como directora había sido “Vacas sagradas”-, reconoció que este material le permitió hablar sobre el poder de la negación, pudiendo “desarrollar la idea de hasta qué punto somos capaces de negar lo que se presenta como una realidad obvia, y el trabajo que estamos dispuestos a hacer para sostener esa negación”.

Ambientada en los años veinte londinenses, la puesta de Boero se destaca por incluir elementos surreales y hasta absurdos. Aunque, si hay algo que se roba la atención, es sin dudas la escenografía 360º que rompe la convención teatral.

“Es una decisión que acompañaba el concepto de negación, el posicionamiento ante la realidad. Trabajar la proximidad a lo que está sucediendo como forma de hacerlos partícipes de la escena del crimen”, explicó Boero.

La directora no quería que lo que vea un espectador sea lo mismo que vea otro pero sabía bien qué quería: “Quería que lo que se vea tenga siempre un dejo de parcialidad, que salgan de la sala hablando de un mismo hecho pero que el foco no coincida porque lo que fueron capaces de ver sea diferente. Y que toda esta situación venga determinada por la decisión inicial de elegir desde dónde voy a mirar esta realidad”, manifestó.

Con escenografía de Malen Gorgone Pampin e iluminación de Rocío Tosca, las entradas para “La escena del crimen” se pueden reservar por Alternativa Teatral.

Fuente: EL DIA

Jazmín García Sathicq: “Como sociedad debemos repensar los modos de vincularnos”

 

La Editorial INTeatro publicó semanas atrás la obra "Los cielos encima" de García Sathicq. Charlamos con ella sobre este nuevo volumen de la colección "El país teatral".

Jazmín es actriz y profesora de teatro recibida en la Escuela de Teatro de La Plata. Ha recibido, entre otras becas, IberCultura Viva para el Posgrado Internacional Políticas Culturales de Base Comunitaria (2022), ESCENA (Espacios Escénicos Autónomos) en Gestión y Financiamiento de Proyectos Escénicos con Germán Ivancic (2021), Ars Interactiones (Roma, Italia) para tomar el Taller de Dirección dirigido por Denise Duncan y Josep Maria Mirò (2021), Scuola Europea di Teatro e Cinema di Milano (Milán, Italia). Entre sus reconocimientos obtuvo el Premio 2021 “Gabriel Bañez” otorgado por la Sociedad Argentina de Escritores de La Plata y el Premio Ibermaletas del programa iberoamericano Iber-rutas.

-Es sugestivo que la estructura narrativa de la obra, siendo que su momento de producción fue el encierro más extraño y brusco que hemos experimentado, elija para sostenerse en la forma clásica “del viaje”, de esos viajes donde la heroína se cruza con distintas figuras, extrañas a ella y se impone una dialéctica de aprendizaje. ¿Cómo y por qué pensaste este procedimiento narrativo dramatúrgico?

-Imaginé a una mujer que había realizado un viaje buscando soledad, un retiro, en medio de una crisis existencial y la pandemia se había desatado, dejándola atrapada en un pueblo, sin poder regresar a su ciudad, dadas las restricciones. Pensé que esa situación de lejanía y aislamiento implantara en ella la necesidad de comunicación con lo que había quedado atrás, aquello mismo de lo que había huido y escapado en la ciudad, y para ello tenía que correr riesgos, moverse, ser intervenida y transformada por otrxs seres, por la naturaleza, por el orden de lo mágico e inexplicable. Para poder ver de otro modo la vida, el mundo, los seres, para desapegarse de sus miedos, cuestionarse su vida, su existencia, sensibilizarse con lo ajeno, ser habitada por la otredad, encontrar nuevas formas de relacionarse. Ante una circunstancia límite ella iba a generar ruptura a través del movimiento, a partir del encuentro con otrxs que le dan existencia. Volver ya no sería lo mismo, “el mundo VA”.

-El teatro por su propio soporte no puede evitar el encuentro de cuerpos vivos en un espacio. La proximidad es constitutiva de su despliegue. ¿Te parece que esta práctica o arte, tiene algo para decir con respecto a nuestra nueva vincularidad y proximidad que sin dudas genera subjetividad?

-Creo que como sociedad debemos repensar los modos de vincularnxs, cuestiones afines a lxs cuerpxs, sus discursos, el modo de contacto y comunicación a través de ellxs. Considero que indagar a partir de estas reconfiguraciones sobre los conceptos de proximidad, los modos y usos de contactos, la nueva vincularidad, brinda la posibilidad de construir nuevas poéticas, nuevas políticas, nuevos acuerdos. En relación al teatro y a lxs cuerpxs, como territorio dramatúrgico impregnado de discursos y narrativas posibles. El teatro siempre tiene la oportunidad de crear, a partir de lo real, una nueva dimensión. Una dimensión que trascienda el contenido social, político y poético hasta el momento interpretado, en pos de una nueva construcción en el orden de lo simbólico.

-¿Pensaste que la publicación de este material, escrito al calor de la cuarentena, podría ser leído en el futuro como un documento inmediato o “diario de encierro”? ¿Hay una intención de “archivo dramatúrgico de las emociones” en esta obra?

-En lo personal creo que unx escribe desde lo que es y vive en cada momento, la poética y la mirada subjetiva surgen del universo sensible que reacciona al contexto real desde los modos más íntimos de percibir. Mis obras hablan desde el presente que fui al momento de escribirlas. Como Nigel, la protagonista de “Los cielos encima”, ya no podría escribir la misma obra porque ya soy otra y el mundo marcha. En ese sentido y desde esa perspectiva sí es un archivo dramatúrgico de percepciones y emociones. No coincido con quienes piensan que hay que dejar pasar tiempo para hablar de acontecimientos históricos-contemporáneos. Como persona, me interpela directamente lo que sucede. ¿Por qué habría que aguardar para crear a partir de ello? Después de “Los cielos encima” escribí dos obras más, que conforman una trilogía sobre la pandemia: “El fuego debajo” y “El agua alrededor”, que tienen como temática la pandemia en tres momentos distintos: el momento en que la pandemia se desata, la nueva normalidad y el futuro post pandémico. Cada obra posee personajes distintxs y situaciones distintas que intentan ahondar acerca del sentido de la existencia y las relaciones humanas. Desde distintos enfoques todas plantean al amor y al arte como elementos necesarios para la transformación.

“Los cielos encima” de Jazmín García Sathicq ya está disponible para lectura on-line y descarga directa desde la web de la Editorial INTeatro.

Fuente: https://inteatro.ar/novedades/jazmin-garcia-sathicq/?fbclid=IwY2xjawJOYUFleHRuA2FlbQIxMQABHSrw6f9PfuGtV1cECkIZyA2pTLuGQEINXVInndbLAjSqXZudaOOY8CbOfw_aem_doB7AysKMfcWVP0JWf-iHw

Contraindicadas: el grupo que se replantea la vida femenina desde el humor vuelve a los escenarios

 

“Creemos que reírnos es sanador”. Así cuentan las Contraindicadas su máxima a la hora de subir a la tarima para dar su show de stand up, un show en el que abordan “situaciones que nos pasan, que nos molestan, algunas que nos gustan y otras que no”, y con las que consiguen transformarlas en algo “liberador y catártico”.

Nacidas en 2011, las Contraindicadas están hoy integradas por Brica Brigandi, Karina Bordogna y Clarita Vilardebó. De edades, profesiones y contextos diferentes, las tres aportan sus heterogeneidades a un frasco común desde el que, dicen, “difícilmente alguien no se sienta identificado”.

Con monólogos de fuerte impronta femenina, el grupo se caracteriza por trabajar en sus materiales temáticas universales que tienen acento en la vida familiar, la estética, la pareja y el sexo. Su mirada esconde el “replanteo y la crítica” desde el envase del humor.

“Nos gusta decir lo que se dice y lo que no”, aseguran las chicas un show que, dicen, tiene muchas “clientas” pero que no espanta a los hombres.

A lo largo de los años, además de algún cambio de formación, las Contraindicadas han tenido que ir adaptándose a los climas sociales. Pero, ¿se limitaron alguna vez? Las tres admiten que han cambiado los abordajes aunque no los temas, en tanto, para ellas, “cualquier temática, hasta la más tabú, puede ser desarrollada”, desde el “respeto”.

Con coreografías y elementos multimedia, el show con el que volvieron después de la pandemia llega renovado e incluye, además de sus monólogos, momentos en los que el trío esta junto y explota. La cohesión entre sus materiales está presente “todo el tiempo” y el público lo podrá comprobar el jueves cuando, desde las 20.30, se presenten en Doble T, 34 entre 27 y 28. Sala a la que volverán el viernes 4 de noviembre para coronar un año recargado en el que han consolidado un vínculo de “complicidad y alegría” con el público que no siempre es fácil de forjar.

Fuente: EL DIA

Documental "La Plata contada" de Sebastián Díaz (2021)

LA PLATA CONTADA (película completa) 

Documental que narra el proceso de nacimiento, auge y caída de la ciudad de La Plata, la nueva capital de la provincia de Buenos Aires y su conexión con las logias de la Masonería. De Sebastián Díaz (2021). Con Fernando Aliata, Rubén Pesci, Martín Epeloa, Susana Scorians, Nicolás Colombo, Gabriel Darrigran y Cristina Espinosa. 

 Fuente: Youtube Sebastian Diaz

El Joker, el fenómeno teatral platense sigue trascendiendo fronteras y aterriza en Chile

 

En La Plata reventó boleterías durante agosto y septiembre

7 de Octubre de 2022 

La obra teatral el Joker escrita por un dramaturgo de La Plata es furor en Latinoamérica y luego de dos meses de presentaciones a sala llene en la Ciudad, ahora cruza la Cordillera para desembarcar en Chile. 

Guillermo Ale, es dramaturgo y actor de teatro del Grupo la Cuarta Pared de nuestra ciudad. En el comienzo de la pandemia craneó la obra teatral “El Joker” basada en la famosa película de Hollywood y desde su salida a las tablas, no dejó sala sin reventar en cada país que se presentó.

"La puesta no sólo se destaca por sus virtudes dramáticas, sino también por generar una identificación y una empatía inesperada con un personaje tan contradictorio” afirma el escritor. 

La obra reconstruye bajo el imaginario de Arthur Fleck (El Joker) el destino de un comediante que, tras recibir ataques, y sufrir el desamparo de la salud pública decide cuestionar el orden social establecido mediante el uso de la violencia. “La idea de escribir una versión teatral del Joker surge como una especie de respuesta a los interrogantes que nos ofrece el tema de la empatía social y su relación con la desigualdad”, comenta Ale.

LA SOCIEDAD JUEZ Y PARTE 

La obra está escrita desde la perspectiva de la víctima. En este caso, sostiene el escritor: “El personaje del Joker necesita siempre la mirada de un sujeto afuera que le dé sentido porque en realidad él no alcanza a dárselo. Y aparece la sociedad como juez y parte”.  Y así, la obra trabaja exclusivamente en el campo de lo reprimido, entonces la crueldad surge como la única salida a esa dialéctica hostil que ofrece la sociedad. 

SANTIAGO DE CHILE

Luego de que el elenco platense llenará temporadas en Perú, Ecuador y Colombia, vendió sus derechos y  actualmente la misma versión teatral se encuentra en la  cartelera de Santiago de Chile interpretada por el reconocido actor Felipe Ríos. Desde el país vecino el actor confesó:  “Desde que recibí el texto de la obra me pareció un desafío singular. Es un monólogo admirable y pretencioso y eso me obligaba como actor a desarrollar una versatilidad inusual”. Desde el estreno hasta hoy el Teatro Bellavista de Santiago viene colmando sus butacas y es un fenómeno sin precedentes en Chile. “Sucede que la gente se identifica con las líneas argumentales de la obra. Los conflictos que ha sufrido Chile en los últimos años se emparejan al accionar de la puesta en escena”, completa el actor. 

Fuente: EL DIA

Fiesta Nacional del Teatro

Humor, biodrama, clown y emoción en la Ciudad de las Esculturas

La ciudad de Resistencia es la sede de la Fiesta Nacional del Teatro que está movilizando a más de 300 artistas de todo el país que están haciendo funciones en distintas salas de la región

Alejandro Cruz

LA NACION

La apertura de la Festival Nacional del Teatro - Gentileza INT

RESISTENCIA.- Desde hace ya 25 años, el Instituto Nacional del Teatro (INT), el organismo de fomento a la actividad escénica independiente, afronta el desafío de gestionar el único encuentro nacional de verdadero carácter federal con representación de elencos de cada provincia y de la Ciudad Autónoma. En el tránsito de esta fiesta que tiene etapas previas regionales y provinciales, cada año la sede cambia de lugar. Desde el jueves, la 36a. edición de la Fiesta Nacional del Teatro tiene su epicentro en la ciudad de Resistencia y sus extensiones en la misma provincia del Chaco como en las de Corrientes, Formosa y Misiones.

Así, por estos días se presentan en la región unas 250 funciones en 30 localidades de las cuatro provincias que tienen lugar en unas 40 salas o espacios no convencionales. Participan los 32 elencos seleccionados por jurados, más obras invitadas. En total, se están movilizando hasta aquí más de 600 artistas y 250 trabajadores afectados tanto para las obras, como para las actividades especiales o el festejo por los 20 años de la Editorial INTeatro, que incluyó un reconocimiento al periodista Carlos Pacheco, director de la editorial y colaborador de LA NACION. La fiesta tiene un costo de inversión de 120 millones de pesos repartidos entre el INT y el gobierno provincial. Sumado a eso, según señaló Gustavo Uano, director del INT, se destinaron otros 15 millones para el equipamiento de las salas.

El día uno en la esquina de la Casa de las Culturas, sede del festival, se realizó una manifestación cuyo eje fue denunciar el desmonte en El Impenetrable y la situación de los pueblo originarios. En absoluto se trata de un tema nuevo. En 2009, esta provincia fue por primera vez sede de este festival y esas dos problemáticas ya estaban presentes en las calles. En aquella oportunidad, en Sauzalito, pueblo a dos días de viaje de la llamada Ciudad de la Esculturas, por primera vez se hizo una función de un elenco criollo en ese pueblo que posee una fuerte comunidad wichi.

En esta ciudad con mojones culturales tan significativos e identitarios como El Fogón de los Arrieros, la casona de las vanguardias artísticas que está por cumplir 80 años y que oficia de una de las sedes de la fiesta: y la Bienal de Escultura, un fenómeno artístico de llegada popular desde su primera versión en 1988, existen ocho salas teatrales entre públicas y privadas afectadas a la Fiesta. La capacidad total de esta red es de 1981 butacas, sin contar el Domo, el anfiteatro polifuncional en donde se realizó la fiesta de apertura, que puso en escena el relato qom de “La mujer estrella”. En la toda la provincia, el número de espacios teatrales llega a 22. De trazar dos paralelismos cargados de ombliguismo porteño, la capacidad total de los teatros de Resistencia es la misma que la del teatro Ópera de la Avenida Corrientes. Y la cantidad de salas en los casi 100.000 kilómetros cuadrados de Chaco iguala a la cantidad de salas alternativas de Villa Crespo. Lo cual no deja de ser una de las tantas fotos de los contrastes del mismo país que, lógicamente, tienen su traslación en lo que hace a las búsquedas, temas, infraestructura teatral y lenguajes artísticos de las obras que se están presentando en este encuentro escénico cuyo lema es “el teatro nos une”. Entre las salas afectadas al festival está el Cecual, un mágico centro cultural alternativo gestado en 1997 que funciona en una vieja escuela en donde conviven propuestas escénicas con muestras, talleres, objetos artesanales y un clima en donde la convivencia de lo diverso fluye con naturalidad.

En lo que hace a lo temático de las obras presentes en la Fiesta, el panorama es amplio, El primer espectáculo fue un montaje de Paso de la Patria, Corrientes, llamado (No) estamos ganando, de Éstel Gómez, centrada en dos hermanos: uno de ellos termina peleando en la Guerra de las Malvinas. Un conflicto que sucedió a miles de kilómetros pero que las provincias de Corrientes y Chaco tuvieron la mayor cantidad de fallecidos durante el conflicto bélico en relación con la cantidad de habitantes. De Mendoza, se presentó Mandato cumplido, de Armando Nogara. Apelando a lo paródico, el punto de partida de la trama es una familia que apuesta todo para que una amiga de la localidad sea elegida reina de la vendimia. Y desde el conurbano bonaerense, Piel de cabra, con dramaturgia y dirección de Nicolás Blandi, montaje atravesado por la atmósfera del confinamiento pandémico.

Muy por fuera de temáticas locales o registros de época, de Neuquén llegó Los Santos, sobre idea y actuaciones de Eleazar David Fanjul y Claudio Daniel Dorigo, dirigidos por el danés Karl Stets. En esta inteligente y magnífica propuesta de circo contemporáneo y teatro-objeto gestada en Barcelona, la perfecta articulación entre los dos performers, la construcción de sus personajes, la precisa manipulación de objetos y el permanente humor sin necesidad de apelar a la palabra aportó a los primeros días del festival ese aire fresco que siempre se agradece, que emociona.

Desde otra perspectiva, la emoción tuvo dos momentos muy marcados que se los puede entender como un díptico. En la segunda función de Ana y Wiwi, escrita y dirigida por Lorena Romanín, de CABA, en la segunda fila se ubicó un grupo de pibes no videntes para ver esta poética historia de una niña, Ana, y una ternera, Wiwi, huérfanas ambas. Para algunos del grupo, era la primera vez que veían –en las múltiples lecturas del término– una obra de teatro. Durante toda la representación se notaba que sus cuerpos estaban pendientes de cada detalle. La verdadera fiesta terminó con ellos tocando, reconociendo, asombrándose con esa vaca entrañable. Al día siguiente se presentó DesHojado, unipersonal de un actor ciego, de Ariel Astrada, dirigido por Marxela Etchichury. Ariel tiene 37 años. Por fuera de golpes bajos, su bastón blanco es su bandera, el signo más evidente de su “identidad disca”. Durante la obra canta, se pone un vestido que podría ser diseñado por la hija de la Mona Jiménez, denuncia la burocracia, baila, recuerda su primera salida a la calle en compañía del bastón, su encuentro sexual con un pibe que conoce en una fiesta o se mira en un espejo y recuerda esa expresión de “no quiero verte nunca más”. Desde hace 12 años, Ariel dejó de verse. Pero, en verdad, nada lo detiene. DesHojado es su manifiesto y también su fiesta.

Los elementos biodramáticos también están presentes en Podestá, un unipersonal de clown de Gisela Podestá llegado de Traslasierra, también de la provincia de Córdoba. Durante el trabajo, saca a relucir que es pariente de los Podestá, familia clave en la historia del teatro rioplatense. Casualmente, o no, la propuesta se presentó justamente en la Sala 88, que evoca al primer clown criollo creado por José “Pepe” Podestá. En tren de juego de coincidencias, se estrenó aquí la misma semana que la Legislatura local estableció al 5 de julio como Día Provincial de las Artes Escénicas en homenaje a la labor artística de Hugo Blotta, el gestor y fundador de la Sala 88, fallecido el año pasado víctima del Covid.

Aunque el festival esté cursando su trigésima sexta edición, lo cual daría para presuponer que el complejo mecanismo de este verdadero tetris debería estar ajustado desde el INT central, la actual Fiesta Nacional del Teatro viene topándose con varios problemas organizativos que se hicieron más evidentes los primeros días del encuentro. De hecho, la grilla de la programación se terminó de definir dos días antes de levantar el simbólico telón. Pero claramente –y mucho más para los artistas de las provincias– la Fiesta sigue siendo el momento del encuentro, de toparse con sus pares, de reconocerse, de extender sus búsquedas hacia otros públicos y formarse. Este año, tocó la Ciudad de la Esculturas con sus amplios bulevares, con las distintas versiones del chipá, árboles en flores y su plaza central tapeada desde marzo por obras de infraestructuras detenidas. Pero hasta hoy, lo que no se detiene es la Fiesta Nacional del Teatro. El cierre será nuevamente en el Domo, en donde todos los días se realizan actividades con entrada gratuita, baje su telón hasta subirlo el año próximo en alguna otra ciudad del país.

Fuente: LA NACION