“Romeo y Julieta”: la tragedia de Verona le da vida al Ballet del Argentino

 

El cuerpo estable del primer coliseo bonaerense vuelve a pisar el escenario de la Ginastera con un protagónico después de seis años, de la mano de una gran producción del clásico de Prokofiev.

María Virginia Bruno

Después del regreso de los otros cuerpos estables, que habitaron con diferentes programas el escenario de la renovada Sala Alberto Ginastera, ahora es el turno del protagónico del Ballet del Teatro Argentino que, desde esta noche, le dará vida a “Romeo y Julieta”, de la mano de una producción a la altura de las circunstancias.

El ilusionado cuerpo de baile dirigido por Leandro Ferreira Morais enfrentará siete funciones, con sus primeras cinco agotadas a minutos de haberse habilitado la reserva. Entre las expectativas se juegan varios factores.

Por un lado, el tratarse de un estreno. La coreografía lleva la firma de Iñaki Urlezaga, ex primer bailarín de la Royal Opera House y el Het Nationale Ballet, y uno de los grandes representantes platenses en el mundo. Para su versión trabajó con escenas continúas y una línea coreográfica neoclásica para poder destacar de la manera más fiel la tragedia de los amantes más famosos de Verona.

Por el otro, el hecho de ser “Romeo y Julieta”, con música de Sergei Prokofiev, y basado en la obra de Shakespeare, un clásico del repertorio y que volverá a la Ginastera después de 14 años. La última vez había sido en 2009 y la coreografía estuvo a cargo de Maximiliano Guerra.

También genera ansiedad poder conocer esta nueva producción de tres actos (con dos intervalos y una duración aproximada de tres horas), realizada íntegramente en los talleres internos, y que involucra a más de 50 personas en escena, a más de 100 músicos y en la que participan tres artistas invitados: Wilma Giglio y Ryan Tomash, del Royal Danish Ballet (Ballet Real de Dinamarca), y Emmanuel Vázquez, del Ballet Municipal de Santiago de Chile.

Pero hay un motivo más, y tal vez el más significativo, y es la vuelta del Ballet Estable a su hábitat natural tras seis años en los que al conocido cierre de la Ginastera se sumó la pandemia y el resultado fue muy complejo: años de actividad irregular, limitada a espacios -y pisos- no preparados para su funcionamiento.

Al frente de esos últimos tiempos difíciles estuvo Leandro Ferreira Morais, ex bailarín y actual director del cuerpo estable, respetado y querido por sus colegas y la gente del Teatro. En diálogo con EL DIA, aseguró que vive este regreso, que se dio “pasito a pasito”, con muchísima “emoción”, “felicidad” y una cuota no menor de nerviosismo por todo lo que esto implica.

“No nos estamos dando cuenta ahora, pero es un momento histórico, como muchos de los que ha tenido este teatro. Y también creo que es un buen momento para decir ‘volvimos y acá plantamos bandera’ y seguimos para adelante, volviendo a tener el brillo que supimos tener”, admitió.

Sin dudas a la hora de remarcar que “esta vuelta va a quedar marcada para siempre”, el director reveló que las emociones están a flor de piel. Con la felicidad del cansancio de haber vuelto a pasar jornadas enteras de ensayos y “como en loop” dentro del Argentino, y a horas de debutar con “Romeo y Julieta”, advirtió que “los bailarines están con unas ganas tremendas de salir a matar arriba del escenario, viviendo algo increíble, como todavía no creyendo que esto esté pasando”. Pero sí.

Para el director, que se hizo cargo de la dirección del ballet luego de haber sido parte como bailarín durante más de 20 años (ingresó tras haber sido reemplazo del cuerpo estable del Colón, en donde se formó), estas funciones van a estar atravesadas por la nostalgia porque serán el hola para decir adiós de tres de sus integrantes: Alcora Ocampo, Gabriela Amalfitani y Christian Pérez.

“Imaginate que yo me retiré sin bailar, así que darle la posibilidad a una camada que se retira ahora con este ballet es muy emocionante porque, como digo siempre, cada bailarín que se va se lleva una parte de la historia de la compañía y deja su historia ahí adentro”, destacó.

Con respecto a la coreografía de Iñaki Urlezaga, dijo que es “muy terrenal y muy humana”, a la vez que “compleja en lo coreográfico pero muy sencilla en lo que buscó contar”. Según consideró, “Iñaki le dio mucha importancia, obviamente, a la coreografía, pero también a quiénes llevan la obra, y les dio todas las pautas sin guardarse nada”.

En relación a los bailarines invitados, Ferreira Morais aseguró estar orgulloso de pertenecer a “una compañía muy solidaria, muy hermana y para la que siempre ha sido un honor tener estos intercambios que, históricamente, hemos tenido”, y dejó en claro que “nunca estas invitaciones son prioridad a la gente de la casa” sino herramientas “para complementar y sumar a una producción”.

Con cuatro Julietas y tres Romeos -Wilma Giglio y Ryan Tomash (28 y 30), Agustina Verde y Emmanuel Vázquez (29 y 1), Julieta Paul y Bautista Parada (2 y Melisa Heredia junto al mismo Bautista Parada (5)-, el director no quiso dejar de remarcar el nivel de la producción con la que el ballet volverá al escenario y con la que, según admitió, “estamos recuperando el esplendor”.

En este sentido, alabó el trabajo mancomunado de todas las secciones del Teatro (artísticas, técnicas, escenotécnicas, administrativas) que “pusieron cada una el hombro para que esto fuera para adelante”. Tampoco se olvidó de elogiar la tarea de la Orquesta Estable, a cargo en este programa del joven Diego Censabella, quien fuera director de Estudios, y con el que hace años soñaban juntos esta vuelta a lo grande con este clásico de la danza.

“Todos los engranajes están, es un sueño estar volviendo así”, cerró Ferreira Morais, deseando que tal vez, el año próximo, se pueda repetir el programa sobre todo por la gran expectativa que ha generado entre los espectadores.

Con asistencia de dirección de Anabella Gatto, escenografía de Sergio Massa, vestuario de Mariano Toffi e iluminación de Roberto Traferri, las funciones de “Romeo y Julieta” serán hoy, mañana, el viernes y el sábado a las 20, y el domingo 2 de julio a las 17. Y habrá dos últimas presentaciones el miércoles 5 y sábado 8 de julio también a las 20. Las primeras cinco funciones están agotadas. Las reservas para las dos últimas fechas se habilitarán mañana desde las 12, siempre a través del link publicado en la Web y en las redes sociales del Teatro y/o del Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires. Las personas mayores de 65 años podrán presentarse mañana o el viernes, de 12 a 18, para reservar de manera presencial. Deberán concurrir con su DNI.

Fuente: El Día

Iñaki Urlezaga: “Un bailarín sin escenario es un ser humano sin oxígeno”

 

Con la “tranquilidad” que le da la “distancia” de no estar en el centro de la escena, estrena como coreógrafo la nueva versión de “Romeo y Julieta” con la que el Ballet Estable del Argentino vuelve a la Ginastera después de seis años

María Virginia Bruno

24 de Junio de 2023

Iñaki Urlezaga vuelve al Argentino

Iñaki Urlezaga, reconocido bailarín que supo levantar la bandera platense en los escenarios más importantes del mundo, firma la nueva coreografía de “Romeo y Julieta” de Sergei Prokofiev con la que el Ballet Estable del Teatro Argentino volverá al escenario después de seis años, una circunstancia que, según consideró en diálogo con EL DIA, es más significante que el estreno en sí porque “un bailarín sin escenario es un ser humano sin oxígeno, no vive”.

El artista, retirado de la parte interpretativa de la danza desde hace cinco años, mostrará sin distracciones y con mayor “tranquilidad” su faceta como coreógrafo, algo en lo que sin embargo hacía tiempo que venía incursionando pero siempre con él en el centro de la escena.

Según explicó, eligió abordar la pieza a partir de una “línea coreográfica neoclásica”, con escenas continúas que le permitieron “poder representar de la manera más fiel la tragedia de los amantes más famosos de Verona”.

Con funciones desde el miércoles en la Sala Ginastera, intervendrán el Ballet Estable que dirige Leandro Ferreira Morais y la Orquesta Estable, conducida en esta oportunidad por Diego Censabella. También participarán como primeros bailarines invitados Wilma Giglio y Ryan Tomash, del Royal Danish Ballet (Ballet Real de Dinamarca), y Emmanuel Vázquez, argentino pero miembro del Ballet Municipal de Santiago de Chile. Las entradas se deben reservar de manera online.

En diálogo con este diario, Urlezaga se refirió a este nuevo proyecto y los que están por venir, y repasó cómo ha sido su vida desde que se ha bajado de las puntas.

-La última vez que hablamos, en 2018, anunciabas tu retiro. ¿Cómo te cambió la vida desde entonces?

-Radicalmente. Si te tengo que ser honesto te digo radicalmente porque bajarse del escenario es bajarse de muchas cosas, no solamente del escenario en sí. Entonces te diría que es como que hasta me estoy terminando de acomodar porque fueron muchos años. Pensá que me jubilé a los 42 y yo bailé desde los tres, o sea que es toda una vida.

-¿Qué es lo que más extrañas de la parte interpretativa?

-Lo que más se extraña siempre es el escenario, la posibilidad de bailar, cosas que son realmente lindas para todo artista. Yo tuve una carrera hermosa, entonces, se extraña la posibilidad de bailar cosas que te gustan, y la sensación del cuerpo ni hablar. Nada se compara a eso. Después de dejar de bailar hay como un duelo, nada más va a ser lo mismo, hay un antes y un después, lógicamente. Pero uno sabe que después se va acomodando, como todo en la vida.

-¿Y el ego? ¿Fue un golpe muy grande para el ego el retiro del escenario?

-No, eso no porque yo me fui adaptando. Yo sabía que eso iba a ser así porque también uno charlaba con colegas, uno lo iba viendo. Y como mi carrera fue tan larga, fueron 39 años de danza, me fui preparando psicológicamente porque sabía que algo tan grande como el retiro, si me tocaba vivirlo de manera abrupta, iba a ser mucho peor todavía.

-Volvés al Argentino como coreógrafo de “Romeo y Julieta”, título con el que el Ballet Estable vuelve a pisar la Ginastera. ¿Cómo recibiste esta convocatoria?

-Es muy emocionante volver. Es una obra muy bella y es muy estimulante trabajar con los bailarines después de tantos años de parate. Se vive como una especie de celebración porque implica no sólo hacer algo nuevo, algo que siempre disfrutan los artistas, sino fundamentalmente por el hecho de hacer algo que no se hacía en mucho tiempo y eso es mucho más simbólico que un estreno.

-¿Cómo encontraste al Ballet volviendo al ruedo después de tanto tiempo?

-Había una forma de trabajar no tan exigida, porque habían hechos cosas en la Piazzolla, y no es lo mismo. Pero estaban con muchas ganas de salir del pozo donde estaban porque un bailarín sin escenario es un ser humano sin oxígeno, no vive. Uno no vive en una sala de ensayo si no está en contacto con su público.

- Hace tiempo que coreografías pero ahora lo hacés exclusivamente, sin la interpretación. ¿Cómo vivís esta etapa?

-Lo que siento ahora es una mayor tranquilidad porque no tengo ese desdoblamiento casi esquizofrénico que solía tener, de estar imaginando lo que estoy coreografiando, porque muchas veces lo hacía sobre mi persona y no me podía ni siquiera mirar en el espejo. Lo que esto me da es la tranquilidad de tener una distancia, de verlo desde afuera, y eso me da como una ecuanimidad mucho más grande y concreta, porque estoy objetivando lo que estoy montando. A veces cuando lo montaba sobre mi partenaire o sobre mí mismo tenía siempre como un deseo de que la intuición no me fallara e ir en la dirección correcta porque nunca me podía despegar porque estaba arriba del escenario.

¿Qué me podés contar sobre tu coreografía de “Romeo y Julieta”?

-“Romeo y Julieta” es una obra muy teatral, naturalmente, ya de por sí cuenta una historia muy humana, muy real, que son pasos de danza al servicio de la actuación. En general, yo siempre traté de abordarla desde el mismo plano: “no se muevan como bailarines muévanse como actores, como artistas”; porque toda la obra está referida como si fuera un cuento, una obra de teatro que tiene música, lógicamente, y además coreografía pero que está al servicio de la historia. No es una obra que tiene mímicas o que tiene situaciones donde hay un divertimento y donde forma parte de un relleno visual que completa la obra. Toda la obra tiene un porqué, tiene un para qué y tiene el libreto detrás que va narrando a través de los cuerpos de los bailarines.

-Con esta producción vuelven las colaboraciones con artistas extranjeros al Argentino, ¿cómo fue la experiencia?

-Muy positiva en todos los aspectos. Primero, para el público; segundo, para mí como coreógrafo, y también para la compañía porque es un intercambio cultural. Yo siempre digo que la gente que viene de afuera trae nuevos lenguajes, nuevas herramientas, nuevas posibilidades de repensar la danza y eso siempre es positivo para el artista porque es comunicación, es amplitud.

-¿Qué ha significado “Romeo y Julieta” en tu carrera?

-Es un ballet que yo adoro, una historia que siempre me gustó hacer. El de Romeo, es un rol que puede verse en cualquier parte del globo terráqueo porque es alguien romántico que sueña por un ideal. Pero mis experiencias siempre han sido muy positivas a la hora de hacer cualquier producción. De hecho, fue el rol que elegí para jubilarme.

-¿Por qué le recomendarías a la gente que no es habitué del ballet que se de la oportunidad de ir a ver esta producción?

-Porque es una obra muy humana, entre filosófica y shakesperiana, que te permite replantearte la vida, sobre todo hoy en día con el rol preponderante que está teniendo la mujer frente al patriarcado. Julieta es alguien que se rebela, justamente, a ese hombre, a ese padre autoritario e inquisidor que no le permite vivir su destino y ella elige desafiarlo. Es una pieza que pone sobre el escenario a los desafíos humanos pero también sirve para interpelar a la sociedad sobre en qué mundo se vivía antes, hacia dónde vamos y cómo queremos ir.

-Después de “Romeo y Julieta”, ¿cómo sigue el año para vos?

-Viajo a Montevideo, voy a hacer otro estreno, unos tangos de Piazzolla, algo totalmente opuesto a esto, minimalista, y que tiene que ver con lo urbano y con lo actual. Luego me voy para Europa y tal vez en diciembre regrese para hacer “Cascanueces”, que cierra la temporada. Así que estaré yendo y viniendo del otro lado del charco.

Fuente: EL DIA

“Los solos bailan a dúo”: un show que aborda la soledad, aún en compañía

 

“Los solos bailan a dúo” una obra teatral que aborda desde la soledad, en una mancomunión entre artistas de Argentina y Ecuador, se presentará esta noche y el sábado desde las 21.30 en la sala de Telón Negro Teatro, 13 Nº 26 y 1/2.

Tamiana Naranjo y Mateo Fernández

Antes de las funciones, sus protagonistas Tamiana Naranjo y Mateo Fernández hablaron con EL DIA y brindaron detalles de la obra que sigue la vida de dos empleados de una oficina de correo en desuso, con la soledad propia de cada uno y la compartida como eje transversal.

La obra nace de “las ganas de poder hacer algo un poquito más grande y profundo, comenzamos con un trabajo muy desde la cabeza, la creación y la imaginación a distancia”, señaló Tamiana. Es que los primeros pasos los hicieron de forma virtual, todo inició “con una propuesta por teléfono”, detalló.

A partir de ese llamado, ambos intérpretes que también se encuentran en el detrás de escena del show, emprendieron la tarea de unir dos monólogos que se habían realizado por separado, uno escrito por el propio Mateo y otro por la dramaturga ecuatoriana, Esther Ceballos. Durante todo el proceso de creación sufrieron “una gran transformación, justamente por el encuentro que pudimos darnos”, indicó la artista.

Pero el enlace entre estas dos creaciones nunca dejó de lado el tema sobre el que ronda la obra que es la soledad, por lo que “a medida que fuimos vinculando a estos personajes, sostuvimos los dos monólogos de raíz”; entonces si bien los personajes “dialogan y las escenas son compartidas”, siempre está latente que son dos relatos separados.

De esta manera pudieron representar lo que ocurre muchas veces que por más que “compartimos espacio, incluso vínculos muy cercanos, con parejas, familias, amigos, a veces tenemos la sensación de que cada uno está en su monólogo, en su mundo”, expresó Mateo.

A lo largo del espectáculo los personajes intentarán acercarse mediante la danza, un recurso que ambos han explorado con anterioridad y que “nos encantó poder involucrar en esta obra”, manifestó Naranjo.

“Eso es también lo que de alguna manera va uniendo a estos dos personajes durante la obra”, y el público “va a poder vivenciar ese baile, esa danza que los va juntando de a poquito o también alejando”, agregó la ecuatoriana.

La puesta en escena con el maquillaje, la escenografía y el vestuario también son abordados por Mateo y Tamiana. Los dos están detrás de todo: “me declaro un poco obsesiva en cuanto a que me gusta tener una estética general”, reconoció la joven.

Así, poco a poco “se va complementando una cosa con la otra, entonces de alguna manera fuimos encontrando en estos pequeños detalles como el maquillaje o la utilería” la manera de darle “una magia diferente” a un sitio común como puede ser una oficina de correo. Por lo que en lo que respecta a lo estético “siempre estamos buscando nuevos lenguajes y formas de comunicarnos con el público a través de toda esta variedad que es la puesta en escena”.

Plasmar tu imaginario en escena

Además de las funciones, los artistas van a brindar un seminario intensivo de montaje que tiene como objetivo principal ofrecer herramientas creativas que luego puedan ser plasmadas en escena. Será el domingo 25 de junio de 14 a 18 en el mismo teatro.

“Vamos a compartir todas las herramientas que en este año de creación nos sirvieron mucho para poder bajar ideas a la tierra. Utilizar el vestuario, el texto y todos los elementos que fuimos nombrando”, destacó Naranjo.

Fuente: EL DIA

El ballet retoma protagonismo en la Sala Ginastera del Teatro Argentino

 

Romeo y Julieta será el primer título coreográfico de la temporada 2023, que contará con la participación del ballet y la orquesta estables, además de primeros bailarines invitados de trayectoria internacional.

19/06/2023 

El ballet Romeo y Julieta, con música de Sergei Prokofiev y una nueva coreografía creada por Iñaki Urlezaga, se presentará el miércoles 28 de junio a las 20.00 en la Sala “Alberto Ginastera” del Centro Provincial de las Artes Teatro Argentino, ubicado en la Av. 51 entre 9 y 10.

Habrá nuevas funciones el jueves 29, viernes 30 de junio y sábado 1 de julio, a las 20.00; el domingo 2, a las 17.00 y el miércoles 5 y sábado 8, a las 20.00. Estos espectáculos se incluyen dentro de las actividades programadas por el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires.

Intervendrán el ballet estable, que dirige Leandro Ferreira Morais y la orquesta estable, conducida en esta oportunidad por Diego Censabella. También participarán como primeros bailarines invitados Wilma Giglio y Ryan Tomash, del Royal Danish Ballet (Ballet Real de Dinamarca), y Emmanuel Vázquez, del Ballet Municipal de Santiago de Chile.

Los roles protagónicos estarán a cargo de Wilma Giglio y Ryan Tomash (28 y 30), Agustina Verde y Emmanuel Vázquez (29 y 1), Julieta Paul y Bautista Parada (2 y 8) y Melisa Heredia junto al mismo Parada (5). Todos los demás papeles serán interpretados por integrantes del ballet estable del Teatro Argentino. La escenografía le corresponde a Sergio Massa, el vestuario a Mariano Toffi y la iluminación a Roberto Traferri.

Para las funciones del 28, 29 y 30 de junio y 1 y 2 de julio, las entradas son gratuitas, con reserva online, y se podrán obtener a partir del jueves 22 de junio, desde las 12.00. Mientras que para los espectáculos del 5 y 8 de julio, a partir del jueves 29 de junio, también desde las 12.00, siempre a través del link publicado en la web y en las redes sociales del Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires y del Teatro Argentino.

Las personas mayores de 65 años tendrán además la opción de reservar tickets de forma presencial mediante un cupo de entradas destinadas a tal fin, acercándose a la boletería del teatro y presentando su DNI. Para las funciones del 28, 29 y 30 de junio y 1 y 2 de julio podrán hacerlo el jueves 22 o el viernes 23 de junio, de 12.00 a 18.00; y para los espectáculos del 5 y 8 de julio deberán concurrir el jueves 29 o el viernes 30 de junio, también de 12.00 a 18.00.

Fuente: DIARIO HOY

Pompeyo Audivert se mete en la “Habitación Macbeth”

 

OFRECERÁ UNA FUNCIÓN EL MIÉRCOLES EN EL ARGENTINO

Pompeyo Audivert en una escena de “Habitación Macbeth”

“Habitación Macbeth”, el muy elogiado unipersonal dirigido y protagonizado por Pompeyo Audivert con música original de Claudio Peña, se presentará con entrada gratuita el miércoles 14 de junio a las 20 en la Sala Astor Piazzolla del Teatro Argentino. Los tickets se pueden reservar a partir de este lunes desde las 10 completando un formulario en la web del Teatro Argentino.

Gestada durante la pandemia, “Habitación Macbeth” es una versión para un actor del clásico de William Shakespeare. La pieza teatral intenta llevar la actuación a una situación extrema, a un pulso de vértigo, mostrando la historia como un fenómeno paranormal de naturaleza metafísica.

En palabras del autor “a través del cuerpo de un actor (encontrado en la fosa del teatro), las Brujas Fatídicas del páramo de huesos representarán la tragedia ‘Habitación Macbeth’, para el goce, deleite, y catarsis metafísica de nuestra majestad creadora Hécate, vulgarmente conocida como El Público”.

“‘Habitación Macbeth’ es el intento de arrojar junto a Shakespeare un piedrazo en el espejo también en el nivel de las formas de producción, de transparentar la estructura soporte, la máquina teatral y su metáfora, sin menguar la extraordinaria potencia poética que sostienen sus efectuaciones ficcionales, por el contrario, mestizándose con ellas, acrecentándolas, defendiendo la máscara (Macbeth)”, señaló el artista.

La puesta recibió los premios ACE al Mejor actor Categoría Actuación masculina en obra para un solo actor, tres Premios Estrella de Mar como Mejor Drama, Actuación protagónica de drama, y Mejor Iluminación para Horacio Novelle; entre otras distinciones.

La función de “Habitación Macbeth” se ofrece en el marco de una nueva edición de la iniciativa “Cultura en Escena en el Argentino”, del Instituto Cultural de la provincia de Buenos Aires, que “busca favorecer el encuentro de los y las bonaerenses con diferentes expresiones artísticas, ofreciendo una programación diversa y heterogénea”.

La próxima función será el miércoles 28 de junio con “Salir del ruedo”, interpretada por Mariana Astutti y Laura Azcurra. Para julio se está programando “Ser ellas”, protagonizada por Ana Celentano, Anabel Cherubito y Fabiana García Lago, y para agosto “Las reinas” con Paula Grinszpan y Lucía Maciel.

Fuente: EL DIA

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Finalizó la 37° Fiesta Provincial de Teatro

MERCEDES

Durante cinco días el público pudo disfrutar de veinte espectáculos donde el jurado eligió tres obras que representarán a la provincia en la Fiesta Nacional del Teatro. 

Lunes, 12 Junio, 2023

El Consejo Provincial de Teatro Independiente (CPTI) del Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires, en cogestión con el Instituto Nacional del Teatro y la Municipalidad de Mercedes, llevó adelante desde el 6 al 10 de junio la 37° Fiesta Provincial del Teatro.  Luego de cinco días a sala llena, el jurado seleccionó, entre un total de veinte proyectos, las tres obras que representarán a la provincia en la Fiesta Nacional. Esta edición contó con propuestas alusivas a la Memoria, a 40 de años de democracia ininterrumpida en el país.

El sábado, al finalizar las presentaciones de las obras, el jurado integrado por Mónica Cabrera, Milena Bracciale y Rubén González Mayo eligió los proyectos  que representarán a la provincia en la Fiesta Nacional del Teatro 2023: "Tercer cordón del conurbano, una tragedia marrón" de Avellaneda, "Como el caracol" de Necochea y "La trayectoria de las moscas" de Mar del plata. 

Asimismo, se eligieron como obras suplentes a las siguientes producciones: en primer lugar, "Barranca Sánchez de Florencio Abajo" de Chivilcoy; en el segundo puesto, "Antígona" de Pinamar; y por último, "Tan Mínima" de Chivilcoy.

"La Fiesta Provincial reúne a las producciones independientes más destacadas de nuestra Provincia" explicaron desde el Instituto Cultural que conduce Florencia Saintout. "Está destinada al encuentro de los/as trabajadores/as del teatro independiente, impulsando el intercambio cultural, fomentando y promoviendo la actividad en la Provincia, y en la sede elegida año a año para su celebración", completaron. 

"Al cumplirse 40 años de la vuelta a la democracia en la Argentina, tanto del Instituto Nacional del Teatro como desde el Instituto Cultural nos pareció importante enmarcar la fiesta en este sentido, generando contenidos que remarquen los valores de Memoria, Verdad y Justicia que son tan importantes para nuestra comunidad", señaló la Directora del CPTI, Aldana Illán.

El CPTI fomenta, apoya y protege la actividad teatral independiente de la Provincia de Buenos Aires, reconociéndola como un trabajo cultural esencial para el desarrollo integral de la comunidad.

Fuente: https://www.gba.gob.ar/cultura/noticias/finaliz%C3%B3_la_37%C2%B0_fiesta_provincial_de_teatro

"El despojamiento" Una mujer que está sola y espera

Por Irene Bianchi

Griselda Gambaro (1928) es una prolífica dramaturga cuya primera obra, “El desatino”, se estrenó en 1965 en el vanguardista Instituto Di Tella. Al decir de otro gran autor, Mauricio Kartun, en esa opera prima “se pueden vislumbrar los temas que le interesarán toda la vida: la opresión, la violencia y la imposibilidad de la comunicación … lo grotesco de la condición humana.”

Algunos de sus otros títulos: “Viejo Matrimonio”, “Las paredes”, “Los siameses”, “El campo”, “Nada que ver”, “Sucede lo que pasa”, “Sólo un aspecto”, “Información para extranjeros”, “Real Envido”, “Decir sí”, “La Malasangre”, “Antígona Furiosa”, “Viaje de invierno”, “El miedo”,  “Nosferatu”, “Morgan”, “Penas sin importancia”, “Dar la vuelta”, “Puesta en claro”, “La gracia”, “El nombre”.

Resulta muy esclarecedor lo que la propia autora dice sobre su oficio: “Un teatro tranquilizante y digestivo, donde las actrices lucen sus modelos y pelucas, donde los gags se hacen a través del erotismo admitido, donde las consideraciones sociales o políticas son cosquillas que no afectan a nadie, no nos interesa, salvo que ése sea nuestro mundo también. Queremos un teatro de furia, de revelación, donde no tengamos miedo para expresarnos, donde podamos sentirnos libres, porque ésta es la primera condición de un teatro de vanguardia. Cuando el teatro rompe esquemas y proporciona al espectador datos tremendos sobre su condición humana, “le mueve” el piso o trata de integrarlo al mundo que no le ofrece ya seguridad, la actitud lógica es de rechazo.”

A estas características responde “El despojamiento”, obra protagonizada por María Inés Portillo y Esteban Licht, dirigidos por Paula Boero, que se presenta los domingos a las 18 hs. (excelente horario) en “La Mercería”, La Plata. Una mujer madura se presenta a un “casting”, una entrevista de trabajo. ¿Le ofrecerán un rol o sólo serán sólo fotografías para una revista? Se la ve insegura, ansiosa, nerviosa. La espera le resulta interminable. Cada tanto saca un espejito de su cartera, se mira, e intenta disimular con maquillaje un tremendo moretón en su mejilla. Piensa en voz alta, y a través de su relato descubrimos a “Pepe”, su marido violento, celoso, autoritario. La “Negra”, como la llama Pepe, es una víctima presa de una relación tóxica, relación de la que está presa, cautiva. Es rehén de su pareja. Curiosamente, esa misma situación se repite en el marco de esta “entrevista”. De golpe, de la nada, aparece un joven que, sin mediar palabra, la despoja de sus pertenencias: su abrigo, un zapato, un aro, su pollera. La Negra no se resiste, no puede hacerlo. Está entregada, a merced de ese muchacho, que goza con cada arrebato.

La composición de María Inés Portillo es desgarradora, lacerante, conmovedora. A su personaje se lo percibe violado, fracturado, descosido, roto. Esa mujer está entregada, no puede oponer resistencia, no puede rebelarse, huir, preservarse. Aquí también –como en su casa- está presa, enjaulada, tal vez porque lo exterior es sólo un reflejo de su jaula interior. Lo que le sucede por fuera espeja su cárcel interna. Capo lavoro.

La puesta en escena y dirección de Paula Boero es ascética, minimalista, despojada. Nada que distraiga del conflicto central. Toda su energía puesta en trasmitir la soledad existencial de esta mujer, su sometimiento, y la crueldad y sadismo de su acosador, el oscuro, silencioso personaje encarnado por Esteban Licht.

Esta recomendable propuesta es una invitación a asomarse al imaginario de Griselda Gambaro y de paso conocer la bella sala de “La Mercería”, Avda. 1, Nº 210, La Plata.  

Fuente: https://irenebianchi.com.ar/

El Teatro Viejo Almacén El Obrero de La Plata: Un escenario histórico del teatro independiente en constante renovación

Imágen: @recorriendo.la.plata

Milagros Fernandez Relli

Este teatro se consolida como un ícono del teatro independiente, resistiendo a lo largo de los años gracias a sus clases y obras cautivadoras. En medio de un circuito desafiante, este espacio cultural se mantiene vigente, manteniendo vivo el espíritu artístico y dejando una huella imborrable en la comunidad teatral.

El Viejo Almacén El Obrero es un tesoro cultural que ha sido testigo de innumerables historias a lo largo de los años. En esta nota, descubriremos su pasado, su presente y cómo el teatro independiente sigue deslumbrando al público con su magia escénica.

Este con su fachada imponente y llena de historia, se erige como un símbolo del teatro independiente en la ciudad de La Plata. Esta joya cultural, que ha permanecido de pie durante décadas, guarda en sus entrañas la esencia de un tiempo pasado y la pasión de los artistas que han pisado su escenario.

Construido a principios del siglo XX, por un grupo de artistas que decidieron convertir un antiguo almacén en un espacio teatral. Desde ese entonces, este teatro ha sido un testigo silencioso de la evolución de las artes escénicas en La Plata. Su arquitectura de estilo colonial y su impecable conservación le otorgan un encanto único.

Según testimonios recopilados de actores y actrices que han tenido el privilegio de actuar en este teatro, el ambiente íntimo y acogedor del espacio brinda una conexión especial con el público.

“Cada función en el Teatro Viejo Almacén El Obrero es una experiencia única. En la cercanía con el público, se forma una comunicación profunda y eso nos genera emociones intensas a nosotros, quienes estamos arriba del escenario”, compartió la alumna y actriz Claudia Casas.

Además de las voces de los artistas, una de las claves de su éxito son las clases y talleres que se brindan en sus instalaciones. Estas propuestas de formación teatral han sido un semillero de talentos y han contribuido a la formación de numerosos actores y actrices que hoy en día destacan en la escena de nuestro país. Además, el teatro ha logrado diversificar su oferta cultural, incluyendo obras de distintos géneros y estilos, lo que le ha permitido llegar a diferentes públicos y consolidarse como un espacio de referencia en la ciudad.

Otra estrategia que ha permitido el sostenimiento del Teatro Viejo Almacén El Obrero es la comercialización de artículos de merchandising, desde camisetas hasta tazas y gorras, estos productos se han convertido en una forma de apoyar económicamente al teatro y llevar un pedacito de su magia a casa.

Este teatro no solo ha mantenido su esplendor histórico, sino que también ha sabido adaptarse a los desafíos del siglo XXI, debido a la alta demanda de entradas para las funciones de este teatro, implementaron un sistema alternativo de reserva a través de la plataforma “Alternativa Teatral”. Esta plataforma, reconocida en el ámbito teatral, permite a los espectadores reservar sus entradas de forma sencilla y segura, evitando así la frustración de no poder acceder a los espectáculos.

También, a través de su página web oficial (www.vallobrero.com.ar), el teatro mantiene a su público informado sobre las próximas funciones, talleres y eventos especiales que se llevan a cabo en sus instalaciones. Además, su presencia en redes sociales, como Instagram y Facebook, le permite conectar con una audiencia más amplia.

Fuente: medium.com

“El despojamiento”: una mujer atrapada en su propia jaula

ESPECTÁCULOS | DESTACADO DE LA CARTELERA

El texto de Griselda Gambaro, dirigido por Paula Boero, vuelve a escena con las actuaciones de María Inés Portillo y Esteban

Licht

ESTEBAN LICHT Y MARÍA INÉS PORTILLO

“El despojamiento”, una de las producciones más destacadas de Griselda Gambaro, se estrena este domingo a las 18 en La Mercería, bajo la dirección de Paula Boero y con las actuaciones de María Inés Portillo y Esteban Licht.

La obra, que el año pasado había tenido unas funciones de preestreno en el marco del “Ciclo Gambaro” que Boero dirigió y que también incluyó “Decir sí” y “El nombre”, se desarrolla en una sala de espera en donde una mujer desea ser recibida para un contrato de trabajo. En ese discurrir, las figuras masculinas (la pareja, el productor, el director, el padre) se impondrán en un discurso que intenta callar su verdadera voz. La humillación y el progresivo quiebre de su propia identidad se manifiestan en la relación con un hombre que desequilibra su estadía en ese lugar incierto, ambiguo y destructor.

Se trata de un material atravesado en su primera capa por la violencia de género algo que, sin embargo, Boero, que en su producción busca “abordar temas profundos que permitan reflexionar”, quiso escarbar un poquito más.

“Creo que la obra ofrece mucho más que eso y decidí entonces concentrarme en ella, en esa mujer y en sus propias decisiones, en el impulso primitivo de su huida y su casi inmediata extinción. En ese sentimiento de ‘esto está mal’ y el segundo siguiente en donde decide permanecer, aún pudiendo salir de ese lugar”, reveló la directora, en diálogo con EL DIA, una característica clave en su versión y que a lo largo del proceso creativo definió como “la propia jaula”.

Una pieza que pone sobre la mesa un flagelo cotidiano y, por eso, necesaria. “En un contexto que nos muestra cada día tratos violentos, todo lo que vean en esta puesta les va a parecer lamentablemente muy familiar, va a ocurrir una identificación instantánea. La mujer se queda en el lugar (relación) de donde es más que obvio que debe retirarse, a tiempo; pero no lo hace. Redobla la apuesta, intentando congraciarse con ese muchacho que, una y otra vez, la despoja”, remarcó la directora, los rieles por los que anda una obra que se cuestiona “¿cuántas veces hemos visto desde fuera esto tan claramente y hemos sido, a su vez, incapaces de aplicarlo a nuestras propias vidas? ¿Por qué nos cuesta darnos ese mismo consejo?”.

Como en el resto de las obras de Gambaro, “El despojamiento”, a pesar de su crudeza, tiene pinceladas de humor, en este caso, negro, “porque de no hacerlo sería imposible digerir lo que plantea”, advirtió Boero. “La situación de despojo que vive esta mujer en ese espacio es francamente ridícula, por momentos graciosa. Ese ‘desgarro’ no se siente como tal hasta el final, en donde quien observa será testigo de algo que se cocinó a fuego lento y de lo cual no era enteramente consciente. Algo similar a lo que le ocurre a esta mujer”, agregó.

Fuente: EL DIA

Emoción en La Plata: declaran de "interés municipal" al histórico Teatro "La Nonna"

LEO RINGER, JUNTO A SUS HIJOS LISANDRO Y LARA, Y SU MADRE ROSA MANCUSO

El emblemático teatro ubicado en la esquina de 3 y 47, La Nonna, fue declarado de "interés municipal" en la sesión que se llevó a cabo este jueves en el Concejo Deliberante de La Plata. "Esta declaración es parte de nuestra historia y nos ha llenado de alegría", expresaron desde la familia Ringer Mancuso que desde hace décadas está al frente del histórico teatro. 

La ceremonia, llevada a cabo en el recinto del palacio municipal, en 12 entre 51 y 53, contó con la presencia del propio Leo Ringer, que junto a sus hijos Lisandro y Lara, y su madre Rosa Mancuso, fueron testigos de la algarabía que reinó entre los presentes. 

El teatro La Nonna comenzó a gestarse en 1987 , según el proyecto del arquitecto Guillermo Carpignano y bajo la dirección técnica del Ingeniero Alberto Carpignano, primera etapa que se concreta en la inauguración del 16 de noviembre de 1991. 

Luego se encaró una segunda etapa, avanzando sobre la planta ya proyectada donde había permanecido como terraza. En este lugar se sitúan los sectores de producción teatral, talleres escenográficos, salas de ensayos, y lo que hoy es la Sala dos. Ya en el 2007 se montan las oficinas administrativas y un sector para el personal. Se incorporaron luego la sección técnica de Diseño de Producción y los talleres de Luminotecnia, Efectos especiales electromecánicos, y Audio y Video, en el primer nivel de calle 3.- 

En el 2011, la Asociación Amigos del Teatro La Nonna, a través de la Dirección de Preservación Patrimonio Histórico y Cultural de la Municipalidad de La Plata, tramita el Decreto Municipal para la puesta en valor de la Vereda Fundacional del edificio. 

En la actualidad La Nonna está avocada a la actualización tecnológica de las diferentes cajas escénicas que ocupan sus cuatro salas de espectáculos; como también en la consecución de su proyecto anhelado de la colocación de un ascensor para el publico que brinde un mejor servicio a aquellos que lo necesiten. 

El Teatro La Nonna realiza las producciones de sus espectáculos en talleres propios que están ubicados en los últimos dos niveles superiores. En el 2007 con motivo de la restauración y puesta en valor se ampliaron los talleres y se concretó un nuevo espacio ya existente para sala de clases y ensayos. Ese año fueron habilitados los talleres de Maquinaria, Escenografía, Utilería, Sastrería, Zapatería, Tapicería, Mecánica escénica, Escultura, Fotografía, Maquillaje y Peluquería. En ellos se realiza decoración de utilería y pintado de trajes. 

 Fuente: EL DIA