martes, 31 de enero de 2012

Falleció a los 82 años el actor, director y dramaturgo Juan Carlos Gené


Subido por AudiovisualTelam el 31/01/2012

"Es un padre y un maestro de mucha gente, que logró llevar el arte a la televisión", señaló el actor Boy Olmi, al retirarse del velatorio del director teatral Juan Carlos Gené, fallecido hoy a los 82 años.

Por su parte, el actor Lito Cruz, consideró que "deja marcas enormes en el teatro, con su mirada tan inteligente sobre la Argentina", al destacar la labor del director teatral y docente, cuyos restos están siendo velados en la casa de sepelios Zucotti, en avenida Córdoba 5080 de esta capital y serán trasladados mañana al Panteón de Actores del Cementerio de la Chacarita.

Gené desarrolló una carrera en la que se comprometió con la actuación, la dirección y la docencia, y obtuvo a su pesar una popularidad proviniente de la televisión ya que, como miembro del denominado "clan Stivel", escribió el programa "Cosa juzgada", una serie de unitarios que delataban su conocimiento del asunto legal.

En diferentes épocas de su vida fue secretario general de la Asociación Argentina de Actores, director general del Teatro General San Martín, director de Canal 7 y, hasta sus últimos días, titular local del Celcit (Centro Latinoamericano de Creación e Investigación Teatral).

Gené había nacido en esta Capital el 6 de noviembre de 1929 y, luego de cursar la primaria en una escuela religiosa y la secundaria en el colegio Mariano Moreno, hizo tres años de Abogacía hasta que descubrió que no era lo suyo.

Sin embargo, la facultad lo vinculó con el teatro y en concordancia con Duilio Marzio y el recordado Roberto Durán emprendieron un espectáculo que al principio pensaban reservar a la experimentación y finalmente presentaron en el desaparecido teatro Comedia.

Sobre su tarea, en una antigua nota de Télam señaló: "Estoy convencido de que (el teatro) es la única disciplina que permite la vida total del ser humano; a eso se debe su permanencia en el tiempo a pesar de todas sus crisis".

En 1976 la situación política del país lo llevó al exilio, primero en Colombia y luego en Venezuela, donde dirigió y actuó.

Sus trabajos de dirección se mezclan con sus autorías y abarcan "Golpes a mi puerta", "Ulf", "Ritorno a Corallina", "Memorial del cordero asesinado", "El sueño y la vigilia", "Factor H: Moscú", "Hamlet", "Factor H: Williams Hnos SA", entre muchísimos emprendimientos.

Su carrera como actor cinematográfico comenzó en "Tute cabrero" (1968), de Juan José Jusid, y continuó con "La fiaca" (1969), "Tiro de gracia", de Ricardo Becher, "Don Segundo Sombra", de Manuel Antín, "Paula contra la mitad más uno", de Néstor Paternostro, "Los hijos de Fierro", de Fernando Solanas, y "Quebracho", de Ricardo Wullicher, en tiempos previos a la dictadura.

Fuente: http://www.youtube.com/watch?v=tGe0CCN-ucI

¡Cuánto pesa esta corona!

Consagrado como actor, director, dramaturgo y pedagogo, Juan Carlos Gené se atrevió a enfrentar el año pasado su gran desafío personal: la puesta de Hamlet sin saber que esta obra sería su gran legado.

31.01.2012 | 17.15


Como toda historia bien contada, los hilos de la trama son invisibles y sin embargo ante la triste noticia del fallecimiento del director esta mañana que conmocionó al mundo del teatro es imposible no recordar sus palabras con respecto a Hamlet, su último trabajo en teatro. “Nunca quise montarla. Era una especie de aventura que me causaba estupor y que excedía mis posibilidades de producción” contaba el actor, director, dramaturgo y pedagogo Juan Carlos Gené al momento del estreno de la obra en el Teatro Presidente Alvear.

“Siempre tuve particular veneración por ese texto, una vinculación especial. Como si tuviese un hermano desgraciado con quien no podía comunicarme, por el misterio que lo envuelve. El teatro nos permite amar a personajes de los cuales uno nunca sería amigo. Hamlet es imposible de comprender. Todo el mundo termina despidiéndolo como a un dulce príncipe, a pesar de haberse convertido en un asesino múltiple.”

Sin embargo a sus ochenta largos, el director sintió que estaba en condiciones de medirse con el clásico con un elenco más que peculiar compuesto por Mike Amigorena (en el rol protagónico), Horacio Peña, Edgard Nutkiewicz, Eduardo Bertoglio, María Celeste Gerez, Luisa Kuliok, Luciano Linardi, José Mehrez, Esmeralda Mitre, Camilo Parodi, Milagros Plaza Díaz y Néstor Sánchez. 

Lejos de querer aplicar su sello personal a la historia “ajustó sus acciones a las palabras” encarando la puesta como un trabajo complejo donde su aporte como el de los actores no se pudiera delimitar. “Como director me tocó crear el clima de trabajo para que esa máquina creativa se ponga en marcha con fluidez, para conseguir la unificación de la totalidad.” Y al mismo tiempo logrando volcar en la obra sus saberes tanto como director como pedagogo.

Hamlet para él era la medida de lo teatral y quizás por eso su último gran reto. Es más supo decir “mantuve una fraternidad secreta con ese ser maldito y peligroso, lleno de contradicciones inentendibles. Reflexioné mucho sobre esta obra y creo que podría ser un sistema de formación total que para actores, escenógrafos, vestuaristas, iluminadores a través de su estudio.”

Sin embargo no fue este el primer encuentro con la historia, Gené participó en la versión que dirigió David Stivel para televisión en 1964 en el rol de Polonio, un papel poco común para un joven y fue este encuentro que selló de por vida su condición de actor característico. Gené que debutó en un espectáculo en el patio de su casa natal en Córdoba y Billinghurst dirigido por Alonso, el mucamo de la casa. 

Formalmente se subió a las tablas por primera vez en 1951 a los 20 años bajo la dirección de su maestro Roberto Durán. Desde entonces el director no dejó de trabajar e incluso a mediados de esa década estrenó la primera obra de su autoría, El herrero y el diablo. En la década del sesenta se destacó como dramaturgo y actor en las películas Tute Cabrero y Quebracho, así como libretista de Cosa Juzgada por televisión. 

Entre su filmografía figuran La Raulito y Golpes a mi puerta, mientras que escribió decenas de obras teatrales como El Inglés y Krapp, la última cinta magnética. A raíz del Golpe Militar, Gené tuvo que exilarse y se radicó en Venezuela donde vivió hasta 1993. Allá fundó el Grupo Actoral 80 además de crear el CELCIT actividad que desarrollaba hasta el día de hoy. 

A su regreso se desempeñó como director general de Canal 7 y director general del Teatro San Martín de Buenos Aires. Pero nunca a pesar de su compromiso dejó de lado su labor como artista que lo llevó hacia el final de sus días a medirse con el mismismo Hamlet a pesar de sus miedos y estar completamente a la altura.

Fuente: http://diagonales.infonews.com/nota-172491-%C2%A1Cuanto-pesa-esta-corona!.html

Fiesta Regional de Teatro Independiente Región Capital - Ensenada 2012

Cierra: 15 de febrero 2012

Del 1º al 4 de MARZO 2012

El Consejo Provincial Teatro Independiente tiene el agrado de invitar a los grupos de teatro de la Región (Berisso, Ensenada y La Plata) dedicados a: teatro para niños y adultos, teatro de títeres, teatro experimental, teatro unipersonal, a participar de la FIESTA REGIONAL DE TEATRO INDEPENDIENTE ENSENADA 2012, INSCRIPCIÓN ABIERTA HASTA EL 15 DE FEBRERO DE 2012.-

INFORMES:

FIESTA REGIONAL DE TEATRO INDEPENDIENTE REGIÓN CAPITAL, 
Informes (0221) 421-1648, cptiregioncapital@gmail.com

CÉSAR PALUMBO Consejero Provincial palumbocesar@hotmail.com

Tras su paso por Cosquín, Milena Salamanca sale de gira por el sur

Espectáculos / 31.01.2012 | La platense que fue Artista Revelación en el rubro Solista Vocal Femenina en el festival cordobés mira al futuro. Igual, "todavía tengo que terminar el secundario", avisa.

Milena Salamanca y toda su felicidad en Cosquín

No fue una mañana más para Milena Salamanca, ya que su nombre trasciende desde anoche a la jovencita de voz cálida y potente, que viene de familia de músicos y que sorprendió en escenarios platenses como La Salamanca, para obtener alcance nacional: ganó nada más ni nada menos que el Pre-Cosquín. Se impuso como Artista Revelación en el rubro Solista Vocal Femenina, el mismo premio que logró Soledad Pastorutti en el ’96. Este mediodía, Diagonales.com se comunicó con la intérprete, que se aún se ubicaba en las adyacencias de la ciudad cordobesa. Con total naturalidad, la artista conversó sin ocultar su alegría y su candor, pero dejando entrever el aplomo y la solvencia que tiene para encarar esta situación de cara al futuro.

Noches alegres, ¿mañanas tristes? ¡Para nada! "¡Con calor! Dormí re poquitito…", responde al otro lado la cantante entre cálidas risas con cierto aire de modorra que lo acredita. “Hubo festejo y mucha alegría, muchos saludos, muchos llamados… ¡muchas entrevistas!", agrega y sentencia: “Todo nuevo…”

Para Milena todo es nuevo y a la vez recién comienza. “La verdad, estoy preparándome para lograr venir de nuevo el año que viene. Y después tengo proyectos durante el año, como una gira por el sur. Y me falta terminar el secundario, que no es poca cosa”, confiesa la joven de 18 años. Pero lo que más “contenta y ansiosa” la tiene es “volver a La Plata, allá están todos mis amigos”. “Me falta esa cosa de ¡guauuuu!”, imita jocosa el grito enfervorizado que imagina que sus afectos -seguramente- le darán al llegar.

Con respecto a la entrega, asegura que estuvo “muy tranquila. Hasta último momento nadie me decía nada. Pero las radios lo confirmaban, todo el mundo me decía que sí… pero oficialmente nada… hasta me vinieron a buscar. ¡Terrible!”. Y visiblemente eufórica intenta reflexionar: “Todo muy loco y muy rápido, no tenés tiempo de procesar las cosas… todo en un segundo.”

Nos preguntamos que se siente en ese instante en el que se recibe un premio tan significativo. Milena revela: “Pensaba a futuro. Siempre pienso a futuro, cómo ir un paso más adelante de la situación. Si bien hoy en día es un reconocimiento de lo que hago, ojala mañana sea un reconocimiento aún mayor. “Mi objetivo es abrir fronteras: representar Argentina pero también a Latinoamérica.”

Las ambiciones de Milena son grandes pero ha de tener con qué: “Si bien es tengo 18 años, la formación que poseo no es sólo de estar en las peñas y de haber nacido alrededor de artistas y músicos (mi papá y mis hermanos, todos son músicos y bailarines, eso fue lo que soy hoy, aprendí lo que hay que hacer y lo que no).

Pero después viene lo otro, estudiar el lenguaje. Sé tocar piano hace 8 años, estudio cello, técnica de canto desde hace tres con la profesora Emilce Vasaro. Todo eso fue conformándose en una cosa todo eso fue conformándose una cosa .Estudiar me abrió más puertas de las que yo pensaba. Antes tenía una vocecita re chiquita. Si bien me gustaba cantar, no lo pensaba como una carrera profesional sino como un juego… cantaba de caradura. Y a medida que fui estudiando y avanzando, empecé a construir una personalidad, una imagen para el público y para mi, ¿no? Y de ahí empecé a tomar carrera, primero con el grupo de papá y luego solista hasta llegar a esta odisea" (risas).

Fuente: http://diagonales.infonews.com/nota-172387-seccion-114&Redirect=false-Todo-muy-loco-y-muy-rapido.html

Cambiar para seguir apostando a un espacio dedicado al teatro

martes | 31.01.2012 Publicado en Edición Impresa: Espectáculos

MAURICIO DAYUB

Mientras disfruta del éxito de "Toc Toc", el actor reabrió su propia sala como un "teatro de cámara"

Mauricio Dayub disfruta de su profesión pero también de haber generado un espacio para el teatro con espíritu independiente

El actor Mauricio Dayub, que actualmente encabeza la exitosa obra "Toc Toc" en Mar del Plata, también sigue apostando al teatro independiente con la remodelación del Chacarerean Teatre, su propio espacio en el barrio porteño de Palermo, que desde el viernes dejó su formato de café concert para convertirse en una sala teatral formal.

"Después de casi 10 años queríamos ofrecerle un cambio al público, porque la gastronomía nos obligaba a definir los espectáculos en función de los costos y estaba dejando de ser el lugar que imaginé cuando lo abrí", se sinceró Dayub en diálogo sobre el teatro que regentea con Luis Sartor, Martín Cortés y Gabriel "el puma" Goity.

Así, luego de popularizarse como un espacio diferente, con mesas donde poder comer y beber mientras se disfruta de algún espectáculo, el Chacarerean pasó a convertirse en un teatro de cámara, con 180 butacas y una gran pantalla de cine para organizar ciclos rotativos.

"Me di cuenta de que un cambio era inevitable cuando empecé a rechazar propuestas porque económicamente no eran rentables. Me costaba decirle que no a artistas valiosos porque no resistían la venta de entrada por los costos que obligaba toda la parte gastronómica", admitió.

Y para inaugurar esta nueva etapa, Fabio Alberti continuará con su unipersonal "Políticamente incorrecto", con funciones los viernes a las 22.30 y los sábados a las 21; en tanto Edu Moreira seguirá los sábados a las 22.30 con "El cavernícola", la puesta que se mofa de la vida en pareja, escrita por Bob Becker.

TRAS LOS IDEALES

Fundada tímidamente en 2003, con la crisis todavía pisándoles los talones y pocos bolsillos con ánimos de invertir en la cultura, este cuarteto de -digámoslo- idealistas apostó al Chacarerean como un espacio independiente para producciones propias y ajenas.

"Mi objetivo iniciático también tenía un cariz más personal, porque yo era productor de mis espectáculos, tenía todas las cosas en casa y busqué un lugar para dejar de deambular por distintos espacios", recordó Dayub sobre los comienzos del teatro que inauguró pese a las críticas de su entorno.

"Muchos me hicieron sentir como si hubiera trabajado diez años en contra de mi propia profesión, porque me decían que no me convenía, que estaba postergando mi carrera, porque para apostar a mi sala tuve que rechazar propuestas de trabajo", reveló el actor.

"Algunos directores -agregó- me decían que no me iban a volver a llamar porque les había dicho que no muchas veces y, aunque en el fondo temía que no poder trabajar más por fuera de mi teatro, decidí seguir mi deseo".

Y TAMBIEN EL EXITO

Y el sueño de la sala propia no sólo se materializó en el espacio donde Dayub pudo mostrar "El Amateur", "Cuatro jinetes apocalípticos" y "El Batacazo", sino que lejos de ahuyentarlo de las tablas, la sabia espera le concedió el momento justo para subirse al éxito que menos esperaba.

Porque en 2010 Mauricio decidió aceptar "Toc Toc", la puesta que comparte con María Fiorentino, Daniel Casablanca, Melina Petriella, Eugenia Guerty y Diego Gentile, sin saber que se convertiría en un suceso teatral que va por su segunda temporada a sala llena.

Fuente: http://www.eldia.com.ar/edis/20120131/cambiar-para-seguir-apostando-espacio-dedicado-teatro-espectaculos12.htm

lunes, 30 de enero de 2012

Alma de Luna, consagrado, Milena Salamanca, la revelación


30 de Enero - Cosquín

El cuarteto Alma de Luna, oriundo de la ciudad santafesina de Venado Tuerto, obtuvo el premio Consagración en la edición 2012 del Festival de Folclore Cosquín, mientras que la platense Milena Salamanca, de 18 años, fue distinguida como la revelación en el rubro Solista Vocal Femenina. .

Alma de Luna, una formación afincada en Córdoba, había ganado cierto favor de la plaza Próspero Molina con un repertorio de clásicos, alto volumen y dudosos méritos musicales.

La formación integrada por Darío Rodríguez, Carlos Ceballos, Lucas Rodas y Javier Cantoni cuenta con el respaldo de una de las principales discográficas del mercado.

El criterio de la elección -que supuestamente remite a la aprobación del público- dejó en el camino a dos aspirantes con más pergaminos artísticos: el jujeño Bruno Arias y la cordobesa (y coscoína) Paola Bernal.

Otro criterio bien distinto pareció imperar con el premio Revelación, que cayó en manos de la joven cantante Milena Salamanca, radicada en La Plata pero con raíces y canto norteño.

Milena, ganadora del Pre Cosquín, había subido al escenario Atahualpa Yupanqui para mostrar dos temas, el vals "Esperando a mi madre", de Jorge Viñas y Suma Paz; y -en donde mostró mayor potencial- la canción "El surco", de Chabuca Granda.

En tanto, el dúo Juan Carlos Baglietto-Lito Vitale fue distinguido en la categoría "Consagración histórica".

Baglietto y Vitale ratificaron su calidad de intérpretes en Cosquín donde mostraron un momento luminoso asociado a un ensamble percusivo liderado por la cordobesa Viviana Pozzebón.

Los siguientes fueron los artistas premiados en el 52º festival de Folclore de Cosquín 2012:

. Consagración: Alma de Luna.

. Revelación: Milena Salamanca.

. Consagración histórica: Juan Carlos Baglietto-Lito Vitale.

. Camin: Alfredo Abalos - Los Visconti.

. Destacado de peñas: La Cincha.

. Espectáculos callejeros: Melina Cabocota.

Fuente: http://www.telam.com.ar/nota/14327/

El Festival de Folclore de City Bell celebra sus cuatro décadas

Espectáculos / 27.01.2012 | En la edición 2012 pasarán por el escenario central Jaime Torres, Facundo Saravia, Dúo Coplanacu y Raly Barrionuevo.

Lucía Zapata

Se celebra en marzo –aún con fechas a confirmar- pero la edición número 40 del Festival Regional de Folclore City Bell 2012 ya está más que encaminada. Tal cual adelantó el responsable de la organización, Andrés Ranieri, restan sólo algunos detalles.

De esta manera, el Club Atlético, Cultural y de Fomento de City Bell se está preparando para recibir a figuras como Jaime Torres, Facundo Saravia, Dúo Coplanacu y Raly Barrionuevo, que engalanarán las noches del festival, el más antiguo de la provincia de Buenos Aires.

Desde que se inició, en 1971, se mantuvo ininterrumpidamente, a excepción del año siguiente a la tragedia de Cromañón (30 de diciembre del 2004) “que tuvimos inconvenientes con la habilitación del local”, recordó Ranieri. El espíritu que tienen desde el club es “mantener la tradición del folclore, es el más antiguo que queda en pie en la provincia y es uno de los pocos del país que está íntegramente organizado por sus dirigentes, no tercerizamos absolutamente nada, se ha hecho pero se decidió que no. Contratamos artistas, sonido, iluminación, todo organizado, dirigido y realizado por los integrantes de la comisión directiva. Yo soy la cara visible, pero hay un grupo de gente que está constantemente trabajando”.

E criterio de la selección de los artistas que actuarán en las distintas jornadas es un tema que casi siempre se remarca y en este punto el organizador dio precisiones: “lo manejamos personalmente también, depende quién sea el responsable. Por ejemplo, yo no soy del palo del folclore, pero me gusta la música en general y escucho de todo, entonces uno trata de buscar, dentro de los precios, que es un tema importante también, y de acuerdo al nivel de convocatoria y las posibilidades que tenemos nosotros”. Dejó bien en claro que este Festival “no se realiza para ganar dinero, es más, el año pasado creo que fue la primera vez que tuvimos algo de ganancia, en realidad siempre da pérdidas, porque al tener una capacidad limitada de sillas, de entradas por vender, se hace muy difícil solventar todo”.

El detalle de lo que quieren: “Se busca una figura principal por noche, en septiembre voy tanteando los precios que tienen, voy consultando, tratamos de buscar que artistas que pueden encajar y cerrarnos tanto en precio como en convocatoria. Nosotros queremos que el festival tenga la mayor calidad posible, pero es muy difícil”. Y aquí Ranieri plantea una hipotética situación, para dar a conocer que no es nada fácil organizar este tipo de eventos: “si fuera por mí te traigo al Chaqueño y sé que se llena, pero tengo que poner las entradas a 500 pesos, y capaz que me quedo corto, porque vale más de 100 mil pesos contratarlo.

Entonces buscamos el combo. Hay artistas probados, a veces uno apuesta, como este año con lo hicimos con Jaime Torres, de quien nadie discute su calidad de músico, pero hace mucho no viene a La Plata, al club no vino nunca, y creemos que va a ser un golazo, pero en realidad es un misterio, los otros tres ya vinieron y sabemos que son garantía, sobre todo Raly, así que por ese lado estamos tranquilos. Los coplas tienen muchos seguidores también, Facundo es un tipo que siempre se ha llevado bien con nosotros, muy sencillo y macanudo”.

Todavía hay más. El encargado de que todo esté a punto no quiso obviar el hecho de que el Festival pretende abarcar “las mayores zonas de estilos musicales del país, que es difícil porque hay muchas: litoraleña, sureña, norteña, pero tratamos de ir variando y también tener en cuenta artistas locales que muchas veces no tienen oportunidad en otros lugares”.

Concurso de nuevos valores

Otro de los atractivos que no puede dejar de mencionarse es la convocatoria para el concurso de nuevos valores, que aún permanece abierta (los interesados pueden dirigirse a la sede del club, ubicada en Cantilo y Jorge Bell de City Bell, comunicarse por teléfono al 480-0212 o vía correo electrónico a clubatleticocitybell@hotmail.com). El certamen, que nació “para que la gente que no era profesional y tenía ganas de mostrar su arte tanto en danza como en canto, pudieran tener su lugar”, se desarrollará el viernes 24 y el sábado 25 de febrero.

Los jurados (que se renuevan cada dos años) tendrán a Jorge Víctor Andrada como presidente en canto, y en cuanto al baile resta confirmar el cuerpo evaluador debido a que los elegidos: Oscar Murillo y Mabel Pimentel (que estuvieron en el 2011) tienen otros compromisos con su Ballet Brandsen y no saben si podrán asistir.

La novedad principal para el Aniversario 40 del Festival estará enfocada a lo que suceda arriba del escenario Hernán Figueroa Reyes del club: “este año la grilla va a ser más corta porque vamos a dejarle lugar a los artistas a que extiendan sus presentaciones. Ha pasado que por dejar lugar a más gente tocan 2 o 3 temas y todos se quedan con ganas, entonces vamos a tratar de que el plazo de los artistas arriba del escenario sea mayor”, reveló Ranieri, quien destacó la repercusión de la convocatoria.

Queda un margen para terminar de acomodar lo que resta, pero el Festival está “prácticamente cerrado”, afirmó el organizador general, que dejó en claro el lo que persiguen desde el club: “tener repercusión, que es fundamental, queremos que la gente entre, que conozca el Club Atlético City Bell con sus 85 años de vida”.

Fuente:http://diagonales.infonews.com/nota-172190-seccion-114&Redirect=false-El-Festival-de-Folclore-de-City-Bell-celebra-sus-cuatro-decadas.html

Buscan impulsar a la ciudad de La Plata como escenario de películas

lunes | 30.01.2012 Publicado en Edición Impresa: La Ciudad

INICIATIVA OFICIAL

Editarán un catálogo de lugares para cortos y publicidades. En 2011 hubo 120 pedidos

Buscan proyectar a la Ciudad como escenario de filmaciones para diversas iniciativas

La Comuna editará y enviará a productoras de televisión, cine y publicidad del país y el exterior un catálogo con imágenes y datos sobre los posibles escenarios que tiene la Ciudad para el rodaje fílmico.

Según se indicó, se trataría de un catálogo de 48 páginas ilustradas con información y fotos del el Pasaje Dardo Rocha, el Bosque, la República de los Niños y la Estación de Meridiano V, entre otros escenarios que en el último año constituyeron la principal demanda para la filmación de cortos publicitarios, cine y otras expresiones culturales.

Desde el organismo comunal, creado por ordenanza en 2010 para regular los pedidos para filmar en escenarios públicos de la Ciudad, se indicó que en el último año la demanda creció aunque la recaudación en concepto de alquileres no ha sido significativa. Según se explicó, la Comuna percibió en 2011 sólo $ 5.000 por alquileres de diversos espacios naturales o del patrimonio cultural y arquitectónico donde se filmaron cortos de cine y publicidades. La suma parece escasa si se compara con la cantidad de pedidos recibidos pero, se explicó desde la oficina a cargo de Virginia Zangroniz, "el 80% correspondieron a la Facultad de Bellas Artes y escuelas y talleres de cine que están exentas de pagar el canon fijado en la ordenanza".

En efecto, la ordenanza que en 2010 permitió la creación de la Oficina de Locaciones Platenses impulsada por la concejal bruerista Silvana Soria establecía que, por ejemplo, para rodar un filme publicitario en la República de los Niños -como los que en el pasado se rodaban gratuitamente o a través de inciertas tarifas- costaría hasta $ 500 por jornada de rodaje. Lo mismo fue establecido para el Bosque u otros ámbitos de la Ciudad. A esa erogación se decidió sumar un plus de $ 200 por hora que exceda las 12 horas de uso del espacio público. En el nuevo Código Tributario votado antes de fin de año por iniciativa del Municipio y la Agencia Platense de Recaudación los ingresos por Locaciones Platenses quedaron como fondos afectados por uso del espacio público y se estableció una nueva tarifa de $300 por día.

LA ORDENANZA

La ordenanza para ordenar y regular el uso del espacio público y los sitios turísticos y culturales de la Ciudad para rodar filmes publicitarios o de cualquier otra naturaleza comercial, fue el resultado de un proyecto consensuado entre Soria y el concejal por el peronismo disidente José Arteaga para promover a la Ciudad como plaza para la realización de producciones audiovisuales. La norma surgió ante la frecuente utilización de espacios públicos por parte de productoras locales y extranjeras en una actividad que hasta entonces no estaba regulada.

"Nunca se supo cuánto pagaron las productoras, sobre qué parámetros se les cobró y ni siquiera si se les cobró", señaló la concejal Soria para defender aquel proyecto. Entre otros casos recordaron la filmación de escenas de la película Siete Años en el Tibet y numerosas propagandas como, por ejemplo, la de una conocida marca de chocolates realizada en la República de los Niños.

La Oficina de Locaciones Platenses se creó entonces para ordenar las tramitaciones necesarias para la realización de las filmaciones y, al mismo tiempo, poner a disposición de las productoras los servicios de actores, extras, proveedores de cátering y otros servicios vinculados a la actividad que, se señaló, la Ciudad está en condiciones de brindar.

En el texto de la ordenanza se indicaba que entre sus atribuciones la nueva dependencia podría "asesorar, asistir y articular con las dependencias que correspondan en todo cuanto esté relacionado con la gestión y obtención de permisos de filmación y articular con la dirección de Control Urbano y la Secretaria de Justicia y Faltas la aplicación un sistema de multas al incumplimiento de lo estipulado en la ordenanza. Y además "garantizar la protección y la limpieza del espacio público posterior a las filmaciones; promover la participación de trabajadores de la Ciudad en las producciones y crear un Fondo de Servicios Audiovisuales, que estará compuesto por lo recaudado en el otorgamiento de los permisos.

La norma establecía que quedaban exceptuados del pago de la escala tarifaria los cortometrajes, documentales y proyectos académicos que, como se indicó desde la Oficina de Locaciones, constituyen el 80% de la demanda de espacios para filmar.


Los escenarios más pedidos el año pasado

En el ranking de las preferencias, la funcionaria reveló que durante 2011 hubo 120 pedidos y que los escenarios más solicitados fueron el Pasaje Dardo Rocha, la República de los Niños, la Estación Meridiano V, el Bosque y Plaza Moreno. La funcionaria contó que hubo un pedido para utilizar el Palacio Comunal para un largometraje. "Hubo muchísimo scoutings (búsquedas) y foteos, es decir, productoras que vinieron a buscar determinados escenarios. La productora de Adrián Suar vino a pedir una plaza con calesita, por ejemplo".

Virginia Zangroniz reveló que los mayores ingresos por Locaciones Platenses fueron por una publicidad de una gaseosa destinada al extranjero, que se filmó en Plaza Moreno y otra propaganda que utilizó imágenes del Hipódromo y el Estadio Ciudad de La Plata.

"La idea ahora es lanzar un catálogo de 48 páginas ilustrado y con datos para enviar a todas las productoras que siempre están buscando escenarios. Es una forma de promover a la Ciudad y permitir el crecimiento de esa actividad", indicó la funcionaria a cargo de la OLP.

Fuente: http://www.eldia.com.ar/edis/20120130/buscan-impulsar-ciudad-como-escenario-peliculas-laciudad0.htm

domingo, 29 de enero de 2012

Una voz que llegó muy lejos

Domingo 29 de enero de 2012 | Publicado en edición impresa

Ópera / La Boheme, en Niza

La soprano Paula Almerares habla sobre su éxito y sus futuras presentaciones

Por Pablo Gianera | LA NACION

Vienen días agitados para Paula Almerares. Mientras la mayoría de los espectadores de este lado del mundo están de vacaciones y los teatros locales duermen la larga siesta veraniega, la soprano tendrá uno de los compromisos más arduos del año: cantar La Bohème, en Niza. Ya habrá tiempo para hacer Lucia di Lammermor en Córdoba; El barbero de Sevilla, en Rosario; otras dos actuaciones en Río de Janeiro y, sobre todo, I Capuleti e i Montecchi, en el Teatro Argentino. "Eso es algo que quería hacer hace mucho; hice todas las Julietas: la de Gounod, la de Vaccai? me faltaba la de Bellini", dice Almerares entusiasmada. "Además el Argentino es mi cuna."

Ya habrá tiempo para todo eso, pero ahora, el 8 de febrero, espera su nueva Musetta en Niza. "La invitación fue gracias Philippe Auguin, el director que me dirigió en el Colón en Manon de Massenet ", explica Almerares. "El quedó contento con esa performance y me dijo que quería llevarme a Niza, pero yo pensé que finalmente esa actuación no iba a concretarse. Pero bueno, al final llamó? Haberlo conocido en el Colón fue doblemente fructífero.

-Es como una circulación en dirección contraria: los directores invitados no solamente pueden aportar nuevos enfoques a la orquesta, sino llevar afuera lo que conocen acá.

-Sí, es totalmente cierto. Siempre se piensa en la gente que viene hacia acá como alguien que solamente puede traer algo, ¡pero qué bárbaro es cuando esa persona te lleva al otro país! Ese intercambio se da solamente con el lenguaje de la música: canté, le gustó y ya, eso es todo. En Niza, actué en I Puritani y regresar allí significa muchísimo para mí.

-Musetta es un personaje que ya hiciste varias veces. ¿Cómo va madurando el papel no solamente en términos vocales, sino también en la actuación?

-Lo que te puedo decir, por lo menos por mi propia experiencia, es que las repeticiones me hicieron crecer mucho, sobre todo, porque una le va agregando cosas nuevas al papel. Como vos decís, primero madurás vocalmente, pero también madurás como persona, en la vida y eso influye luego en el personaje, además de darte mayor seguridad artística. Esta va a ser la sexta producción de Bohème en la que participo, y siempre trato de agregarle nuevos colores a mi Musetta, aunque dentro de lo que te permite el régisseur , claro.

-El plan para Río de Janeiro es diferente, ¿no?

-Ahí voy a hacer una ópera contemporánea, Piedade , de João Guilherme Ripper. Y después en noviembre voy a cantar en Maria Stuarda , de Donizetti. Lo de Piedade me entusiasma porque es una ópera que está muy bien escrita; está escrita para la voz.

-En 2013 se cumplirán veinte años de tu debut en el Teatro Colón como Antonia en Los cuentos de Hoffmann . Esa vez actuastecon Alfredo Kraus. ¿Cómo recordás esa experiencia?

-Tuve, en general, la suerte de llegar a trabajar con toda una camada de cantantes internacionales de gran enseñanza, de escuela: Mirella Freni, Luis Lima, Sherrill Milnes, Plácido Domingo, el propio Kraus. Estar con esos artistas en el teatro es un enriquecimiento incalculable. Ellos son muy humildes y es impresionante cómo trabajan. Tienen una técnica no sólo vocal, sino profesional. Va mucho más allá de lo que te puede enseñar un maestro. Es una práctica. Para que te des una idea, Kraus me enseñó algo muy esencial; me dijo: «Paula, tú comienzas este agudo normalmente y lo agrandamos y lo proyectamos, lo proyectas hasta la última butaca de la platea. Imaginate que estás sentada allí». Para mí, en ese momento, fue una revelación.

-¿Qué cantantes de esa época influyeron especialmente sobre vos?

-En mi cuerda, te diría tres: Anna Moffo, Renata Scotto y Mirella Freni. Ellas son referentes por diversas razones técnicas, interpretativas, y también por su solvencia escénica y musical. No es solamente lo vocal. Es algo de mayor alcance.

-¿Y entre las cantantes actuales?

-Anna Netrebko. Me gusta mucho porque es muy profesional. Y también Natalie Dessay. Cada cual en sus roles, por supuesto. Una toma algo de todas ellas.
DIXIT

"Las repeticiones me hicieron crecer mucho porque le agregan cosas nuevas al papel"
PAULA ALMERARES
Soprano argentina.

Fuente: http://www.lanacion.com.ar/1444213-una-voz-que-llego-muy-lejos

Preocupación sobre el futuro del INT

Domingo 29 de enero de 2012 | Publicado en edición impresa

Teatro / ¿Sigue Brambilla?

A la continuidad, o no, de su actual director se le suman varios conflictos internos

Por Alejandro Cruz | LA NACION

Raúl Brambilla, director ejecutivo del INT, todavía no fue ratificado en su cargo.

Como sucede ante un cambio en el Ejecutivo Nacional, los directores generales deben presentar sus renuncias. En el marco de los organismos teatrales que dependen de la Secretaría de Cultura de la Nación, así sucedió con Rubens Correa, director del Teatro Nacional Cervantes. Correa fue ratificado en su cargo por Jorge Coscia, encargado del área cultural. Sin embargo, en el Instituto Nacional del Teatro (INT) -a más de un mes y medio de haberse iniciado el segundo mandato de la presidenta Cristina Kirchner- su situación es, por lo menos, dudosa en lo que se refiere a su conducción. Sumado a eso, algunas situaciones internas generan preocupación tanto dentro de la estructura del organismo como en aquello que podríamos llamar "comunidad teatral".

El miércoles integrantes del MATe (Movimiento de Apoyo al Teatro) se reunieron con Raúl Brambilla, director del INT. Roberto Cossa asistió a dicho encuentro. Es el dramaturgo y también director de Argentores el que cuenta los pormenores de esa charla: "Escuchamos a Brambilla que es una persona que, creemos, ha hecho una buena tarea. Pero más allá de su suerte, que Coscia decidirá, lo importante es el INT, lo importante es mantener una línea coherente. El informe que nos presentó es verdaderamente preocupante y algunos nombres que suenan para reemplazarlo no son tan representativos del quehacer teatral".

-Hay que tener en cuenta que ustedes fueron los que, hace ocho años atrás, propusieron a Torcuato Di Tella, ex secretario de Cultura, el nombre de Brambilla como director del INT.

-Claro, varios de nosotros pensamos en él y no nos equivocamos.

-Desde el conflicto en el Teatro Nacional Cervantes, que fue en 2006, el MATe no tiene participación activa en temas de política teatral.

-Cierto. Nos vamos poniendo viejos y tenemos muchas actividades. Ahora vamos a tratar de recuperar el espacio.

Desde su creación, el MATe tuvo una participación clave cada vez que el secretario de turno de Cultura de la Nación debía nombrar a los responsables máximos del Instituto Nacional del Teatro y del Cervantes. De hecho, Rubens Correa llegó a la conducción del Cervantes avalado por el MATe.

Sobre el conflicto en el INT, desde el mismo organismo creado por fomentar la actividad escénica de todo el país se llaman al silencio. Algo similar sucede en la Secretaría de Cultura de la Nación.

Algunas fuentes indican que en estos días se sabrá el nombre del próximo director del INT o si Coscia, finalmente, ratifica a Brambilla. Más allá de ese dato, la supuesta creación de una estructura paralela (y enfrentada) a la actual dirección del INT llama la atención de varios teatristas ya que comprometería el accionar del mismo organismo. Claro que otras voces son las que sostienen que esa misma estructura fue creada ante los ojos (y complicidad) del mismo Raúl Brambilla.

Fuente: http://www.lanacion.com.ar/1444210-preocupacion-sobre-el-futuro-del-int

Un domingo de lujo con Ana Paula Da Silva

Espectáculos / 29.01.2012 | La cantante brasileña presenta en Ciudad Vieja (17 y 71), a las 21.30, su último CD Pé de Crioula.

La cantante catarinense Ana Paula da Silva

El verano es una estación mágica. Cuando la temperatura acompaña, las noches invitan a salir, a disfrutar espectáculos al aire libre o en un teatro o bar. El tráfico de personas durante esta estación hace que artistas y públicos entren y salgan de la ciudad sin pedir permiso. Así es posible descubrir, que una noche de domingo la grilla de Ciudad Vieja (17 y 71) invita con un show de la artista catarinense Ana Paula Da Silva.
La cantante brasileña considerada por los críticos de su país y por los europeos como una de las mejores intérpretes de la actualidad desembarcará en el bar de Meridiano V acompañada por los músicos Daniel Migliavacca (bandolim, cavaquinho), Gustavo Moro (07 cordas), Carlinhos Ribeiro (percussao) y Ricardo Salmazo (percussao), y antes de seguir con una gira argentina que la tendrá el miércoles en Mar del Plata, el jueves en Pinamar y el sábado en Magdalena.
Pé de Crioula es el material que la artista presentará en La Plata, un CD de samba grabado en Rio de Janeiro con arreglos del gran músico Claudio Jorge, y contiene músicas inéditas con apenas una regrabación del samba "Me alucina"de Candeia y Wilson Moreira. Músicos reconocidos en la línea del samba como Mauro Diniz, Belôba, Marcelinho Moreira, Claudio Jorge, entre otros maravillosos invitados. Cuenta con las participaciones especiales de Gabriel Grossi, Ricardo Silveira, Sergio Coelho, Mario Seve y Robertinho Silva. Las canciones del disco son de los compositores Mauro Diniz, Claudio Jorge, Wilson das Neves, Carlos Daddário, Ana Paula da Silva, Alegre Corrêa, entre otros.

Ana Paula da Silva inició su trayectoria musical con 16 años, transitando de intérprete a instrumentista y compositora. Compartió escenarios dentro y fuera de Brasil, con grandes músicos; vivió en Austria por dos años, y allá trabajó con varios instrumentistas de jazz. En este período lanzó un disco compartido con el compositor, arreglador y guitarrista Alegre Corrêa. Grabó en el disco de Martín Reiter Alma, CD que ganó el premio a mejor disco de jazz en 2008 en Austria; realizó una gira de 5 semanas junto al reconocido músico de jazz Joe Zawinul. Realizadora de sus propios proyectos, CD's y shows desde el primero de sus 5 discos, Ana Paula lanzó en 2006 Canto Negro y Por Causa do Samba (Brasil y Europa), en 2008 el libro-CD Contos em Cantos, en 2009 fue seleccionada para el Premio Pixinginha, en donde fueran elegidos dos artistas por estado, para lanzar su álbum Aos de Casa (Brasil-Europa-Argentina), valorizando a los músicos y a la cultura catarinense conocida por pocos.

Fuente: http://diagonales.infonews.com/nota-172282-Una-noche-de-samba-y-dulces-melodias-con-Ana-Paula-da-Silva.html

Milena Salamanca en Cosquín


Subido por egustavorojas el 29/01/2012

 Ganadora Precosquín y Revelación Cosquín 2012 Milena se crió en una casa por donde circulaba la música y la presencia de artistas como Suma Paz, Jaime Torres, Melania Pérez, Jorge Víctor Andrada, Tomás Lipán o la formación chilena Illapu.

En ese intercambio forjó una identidad musical que la afirmó en las raíces de su padre jujeño (el vientista Luis Salamanca), sus abuelos bolivianos; y el linaje aborigen de casi todos sus familiares.

"En la música andina está mi infancia y mis costumbres. Le tengo mucho cariño. Fue la música para la que, naturalmente, siempre tuve facilidad y preferencia", reveló la joven cantante en diálogo con Telam.

Salamanca ganó el Pre-Cosquín en la categoría solista vocal femenina como miembro de la delegación de Alejandro Korn y, como consecuencia de ese logro, subirá en la madrugada al escenario Atahualpa Yupanqui de Cosquín.

La joven cantante entonará en el escenario Atahualpa Yupanqui la canción "El surco", de Chabuca Granda, y el vals "Esperando a mi madre", de Jorge Viñas y Suma Paz, a los que recurrió en distintos momentos de la competencia festivalera.

La figura de Suma Paz, aquella notable cantante heredera del estilo de Yupanqui (fallecida en 2009), tuvo un valor especial en la formación de Salamanca. "Hemos compartido un teatro. Ella me admiraba y yo a ella", resumió.

Su formación musical no fue únicamente el producto del contacto con otros músicos: estudia en el Bachillerato de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata donde se especializa en piano y chelo. A la vez, toma clases de canto desde hace tres años con Emilse Vassaro.

Sobre el triunfo en el Pre-Cosquín, Salamanca confesó que le dejó una sensación "rara" y aseguró que no puede decir que es algo que haya soñado pues sólo tiene 18 años y su participación en el concurso "comenzó como un juego".

"Siempre he visto de cerca en la peña de la Salamanca, que mi familia tiene en La Plata, a muchos artistas que se mataban por participar en el Pre-Cosquín y he sido testigo de esfuerzos increíbles. Este año mi familia me apoyó para que participara. Fue el germen de mi decisión", explicó la cantante.

Milena, que figura entre las aspirantes a obtener el premio Revelación de Cosquín, está preparando su primer álbum de estudio.

"Seleccioné a compositores como Chabuca Granda, Alejandro Carrizo, Néstor Soria, Jaime Davalos y Javier Caminos", adelantó.

En ese material aparecerán los instrumentistas que la acompañaron durante el desarrollo del Pre-Cosquín: Javier Caminos (guitarra), Manuel Caminos (charango), Jore Bolañez (percusión), Hernán Díaz (Guitarra) y Luis Salamanca (vientos).

Milena afirma que existe en el folclore una generación de músicos que está realizando nuevos aportes y entre los que destaca a los jujeños Bruno Arias y José Simón, y al rosarino Franco Luciani, además de destacar la figura de la enorme bagualera salteña Melania Pérez, ausente en la edición 2012 de Cosquín.

"Mi música es andina e, inevitablemente, también latinoamericana -puntualizó-. Es lo que representa lo que soy y no puedo ser otra cosa".

sábado, 28 de enero de 2012

Un veto contra la identidad

EL PAIS › MACRI ANULARA UN AUMENTO DEL SUBSIDIO A TEATRO POR LA IDENTIDAD

La decisión afecta a la organización que nuclea a los actores que trabajan junto a Abuelas de Plaza de Mayo en la difusión de las apropiaciones de nietos durante la dictadura. La ley había sido votada por unanimidad.

Por Werner Pertot
Imagen: DyN

Mauricio Macri envió a la Legislatura el último de los 102 vetos de la gestión PRO. Por ese decreto, el jefe de Gobierno anula un aumento del subsidio a Teatro por la Identidad (TXI), el grupo de actores que trabaja junto a Abuelas de Plaza de Mayo en la difusión de las apropiaciones de nietos durante la dictadura. La asociación civil sin fines de lucro TXI emitió un comunicado en el que advirtió que sin ese dinero “no podrá seguir funcionando”. Entre los argumentos del veto, Macri señala que existe “una universalidad de actores culturales” y que no encuentra motivos para aumentar el subsidio con el que solventa algunos de sus costos TXI. Desde la comisión que conduce ese espacio, reclamaron que Macri revise su decisión.

Como el decreto todavía no fue publicado en el Boletín Oficial, aún no tiene validez legal. Sin embargo, los diversos vetos que entraron a la Legislatura la semana pasada se fueron publicando durante esta semana. El subsidio original a TXI fue otorgado por una ley de la Legislatura en 2009. En ese momento, el monto era de 72.000 pesos y se le otorgaba por cinco años, con la posibilidad de que se prorrogara por otros cinco para que “pueda afrontar los costos de sus actividades artísticas”.

Tres años más tarde, la legisladora kirchnerista Gabriela Alegre presentó una modificación del monto: de 72 mil a 179 mil. En los fundamentos de su proyecto de ley, advirtió que “diversos conceptos que integran los costos sufrieron incrementos significativos. A modo de ejemplo, según se deduce del dictamen firmado en 2008 por la Comisión de Hacienda y el proyecto de gastos para el 2012 de la Asociación, el alquiler de su sede se incrementó en 31.200 pesos; las expensas aumentaron más de 3200 pesos; los costos por servicios públicos crecieron más de 8000 pesos y los gastos de honorarios profesionales y salarios administrativos sufrieron una suba de 41.000 pesos”. Alegre también destacó que TXI incrementó la cantidad de actividades, con seminarios y talleres de dramaturgia, narración oral y actuación.

El veto que lleva la firma de Macri –al que tuvo acceso Página/12– estipula que “el subsidio anual actualmente vigente resulta suficiente y razonable” para cubrir los gastos. Afirmaron que el aumento de un 149,72 por ciento del subsidio “implicaría comprometer a futuras administraciones, afectando sus ejercicios presupuestarios”, aunque la Legislatura había aprobado la partida correspondiente en el Presupuesto 2012. Y remarcaron que “si bien esta gestión considera de vital interés cultural la labor llevada a cabo por TXI, también entiende que existe una universalidad de actores culturales que (...) contribuyen a la cultura de nuestra ciudad, no resultando conveniente generar situaciones que puedan afectar el principio de equidad”. Este es el texto del veto que todavía no fue publicado, pero ya ingresó a la secretaría parlamentaria de la Legislatura. En esta decisión, Macri se muestra consecuente: en 2010 también vetó un fondo destinado a Abuelas de Plaza de Mayo, que se había aprobado en diversas gestiones anteriores a él.

“En el veto, Macri argumenta que hay muchos actores culturales que contribuyen a la cultura de la ciudad. Pero TXI no es un actor cultural más: su labor apunta a sensibilizar a la sociedad respecto de la necesidad de restituir la verdadera identidad a quienes la perdieron durante la última dictadura militar”, respondió Alegre, autora del proyecto de ley. “La contribución de TXI no es una más entre muchas, sino una que apunta específicamente a esclarecer delitos de lesa humanidad. Por tanto, no es equiparable a la contribución de otros actores culturales”, insistió la legisladora. En su equipo de asesores, calcularon que el incremento anual del subsidio es de 107 mil pesos: es decir, menos del 0,0004 por ciento del presupuesto total del Gobierno porteño. También recordaron que la Legislatura no sólo votó por unanimidad la ley, sino que dispuso de una partida en el Presupuesto 2012: agregaba 100 mil pesos en transferencias al dinero del que dispone la Subsecretaría de Derechos Humanos porteña, que conduce el silente Claudio Avruj.

Desde Teatro por la Identidad publicaron un comunicado en su sitio oficial en que alertaron sobre el inminente veto de Macri y el hecho de que “TXI no puede seguir funcionando” sin ese dinero. Una de las fundadoras de TXI, la actriz Cristina Fridman, indicó a este diario: “Yo espero que Macri reflexione y se informe sobre la labor de TXI durante 12 años a nivel nacional e internacional. A través del arte, trabajamos con la apropiación y para que se recupere a las 400 personas que no saben quiénes son”. “Vamos a seguir trabajando, en la calle o como sea”, afirmó.

“No entiendo cómo piensa que 72 mil pesos anuales sirven para pagar un alquiler del departamento, los servicios de luz, gas, agua y realizar todas las actividades que estamos haciendo. La mayoría lo hacemos en forma solidaria, con plata de nuestro bolsillo”, advirtió Fridman. “Trabajamos todo el año en ex centros clandestinos de detención, en escuelas. Da la impresión de que Macri no tiene idea de la labor que desarrollamos, que tiene la adhesión de toda la comunidad teatral. Ojalá que reflexione y vea que hace a una política cultural apoyar este espacio”, consideró. Ningún funcionario porteño quiso contestar a los llamados de Página/12 para responder si habrá o no una revisión de la medida por parte del procesado jefe de Gobierno.

Fuente: http://www.pagina12.com.ar/diario/elpais/1-186432-2012-01-28.html

Música de Brasil para poner color y ritmo a la ciudad

Espectáculos | sábado 28 de enero de 2012

Música de Brasil para poner color y ritmo a la ciudad

 Ana Paula Da Silva, una de las mejores intérpretes de la actualidad brasileña, ofrecerá un show este domingo 28 de enero 2012 en Ciudad Vieja


En épocas de éxodo turístico, sol y playas, donde no sólo migran veraneantes sino también los artistas con sus respectivos espectáculos, llega a la ciudad de La Plata quien es considerada por los críticos europeos como una de las mejores intérpretes brasileñas de la actualidad, Ana Paula Da Silva, para dar un show mañana a las 21.30 en Ciudad Vieja (17 y 71).

Con la idea de armonizar el verano con el color y el ritmo propios de su tierra natal, la propuesta incluirá la presentación de su más reciente disco, Pé de crioula, un trabajo donde predomina el samba, grabado en Río de Janeiro con arreglos del gran músico Claudio Jorge, y que contiene canciones inéditas.

Ana Paula es catarinense, y en 2011 completó 16 años de carrera. Inició su trayectoria musical siendo una adolescente, transitando de intérprete a instrumentista y compositora. Compartió escenarios dentro y fuera de Brasil, con grandes músicos; vivió en Austria por dos años, y allá trabajó con varios instrumentistas de jazz, y esta conjunción de distintos elementos se refleja en su música.

Un disco que invita a disfrutar

En el reciente álbum de Da Silva abundan los artistas invitados que dan una mixtura y un juego de interpretaciones digno de ser disfrutado. Colaboran músicos reconocidos en la línea del samba, como Mauro Diniz, Belôba, Marcelinho Moreira, Claudio Jorge, entre otros maravillosos cantantes. Es la posibilidad, pues, de ver en un espectáculo a una de las mejores intérpretes del momento, que trae toda la mística de su tierra y lo mejor de su música a la ciudad.

Fuente: http://www.diariohoy.net/accion-verNota-id-175669

Casting


ATENCIÓN! LLAMADO A CASTING para largometraje de terror. ACTORES HOMBRES de 35 a 45 años de edad residentes en Cap. Federal y La Plata!

Fuente:  https://www.facebook.com/photo.php?fbid=2998462036054&set=p.2998462036054&type=1&theater

La pelicula platense “Penumbra” estrena el 9 de Febrero

27 de enero 2012 | Hernán Moyano | Cine

La productora platense Paura Flics se encuentra a dias del estreno de su nueva produccion, hablamos de la pelicula “Penumbra” dirigida por los hermanos Adrian y Ramiro Garcia Bogliano.


Se trata de la octava pelicula de los hermanos y septima de la productora responsables de títulos como “Habitaciones para Turistas”, “No Morire Sola” o “Sudor Frio” entre otras. Paura Flics esta formada por un grupo muy numeroso de técnicos y artistas de la ciudad de La Plata que vienen trabajando desde hace mas de 12 años llevando adelante proyectos ligados al cine de horror y que durante el 2011 tuvieron la oportunidad de estrenar su primera pelicula en el circuito comercial -Sudor Frio- gracias a la alianza estrategica con la productora porteña Pampa Films (Peter Capusotto 3d, La Leyenda, La Señal, Un cuento Chino). “Sudor Frio” obtuvo gran repercusion al lograr quedar como la 7ma pelicula mas vista a nivel nacional del 2011 y habiendo llevado mas de 90.000 personas a las salas de cine.

Esta nueva apuesta de la productora se sentra en la historia de Marga, una mujer de negocios española de paso por Argentina, acude a mostrar un inmueble en alquiler a unos potenciales arrendadores. No tardará en darse cuenta de que sus “clientes” no son lo que parecen y que tienen macabros planes para ella y su departamento.

La película tuvo su premiere mundial en el Fantastic Fest de Austin y gano el premio a la Mejor Dirección en los festivales Morbido de México y en la Semana del cine Fantástico de Niza.

“PENUMBRA” es un filme de suspenso y terror con elementos de comedia negra dirigido por Adrián y Ramiro García Bogliano. Cuenta con la producción de Cinemagroup, Tres Mentes, ABS Film y Paura Flics, con el apoyo del INCAA. La actriz española Cristina Brondo protagoniza el filme, junto con Camila Bordonaba, Sebastián “Berta” Muñiz, Mirella Pascual, Diego Cremonesi, Victoria Witemburg y cuenta con la participación especial de Arnaldo André.

“Penumbra” estrena en todo el país el próximo 9 de febrero en salas de todo el país y tendrá su premiere porteña el próximo 2/2 en el Cine Monumental Lavalle (Lavalle 780) y su premiere platense el día 30/1

CRITICA EXTRANJERA

“Respaldada por la antagónica y convincente actuación protagónica de Cristina Brondo, con un guión astuto que sabe qué esperamos los espectadores a los que intenta adelantársenos un poco, y con un estilo visual modesto pero a la vez muy bello, Penumbra es un pequeño objeto de terror de importación extraño, sereno y novedoso que lleva a algunos lugares esperados, pero también a otros que uno nunca esperaría”.
www.fearnet.com

“Un film inteligente y gracioso (…) Bogliano ha creado otra película más que resulta totalmente convincente y fresca. Penumbra cuenta la historia de lo que podría suceder cuando nuestra arrogancia se lleva lo peor de nosotros, especialmente cuando nos topamos con extrañas fuerzas externas. Decir demasiado sería arruinar la película, pero Penumbra es otra victoria del Fantasic Fest de este año”.
www.filmthreat.com

“Penumbra es una película pequeña y divertida que, sin lugar a dudas, mantiene la intriga y el entusiasmo del espectador durante toda la proyección. Cada escena está creada con siniestros sonidos suaves que sugieren una maldición latente y el pago final es tremendo. (…) La actriz Cristina Brondo realiza una actuación asombrosa (…) Buen material”.
www.aintitcool.com

“La actriz española Cristina Brondo (protagonista de Do You Like Hitchcock? de Darío Argento) realiza un tour de force actoral como Marga, mientras Bogliano va construyendo poco a poco una atmósfera de incomodidad y temor que se convierte en un crescendo sangriento e imprevisible. Bogliano es claramente un director en ascenso y esta es, hasta la fecha, su mejor película”.
Todd Brown para www.twitchfilm.com

Aqui una charla con sus protagonistas

CRISTINA BRONDO

Cristina Brondo: Como dicen en Argentina: ¡una mal llevada! Es un personaje muy acostumbrado a controlar y a ordenar, exigente con ella misma y con los demás. Le saca de sus casillas las cosas mal hechas y la gente lenta e ineficaz. Por el lado más íntimo es una persona que no tiene mucha suerte en el amor, tiene un amante pero su lado más romántico no está para nada cubierto.

¿Cómo crees que será percibida Marga por el publico argentino?

Cristina Brondo: La verdad es que no tengo ni idea, porque aunque el acento puede hacer que resulte entrañable, su brusquedad y sentimiento de superioridad frente a un país al cual ella detesta no se si será muy bien recibido…. Aunque con el sentido del humor tan grande y ácido que tienen los argentinos puede ser que a través de Marga se rían de si mismos y del rollito europeo “guay” que a veces se traen algunos turistas cuando viajan a Sudamérica.

¿Cómo fue tu trabajo con el elenco argentino?

Cristina Brondo: Teníamos poco tiempo para ensayar y conectar porque yo venía de acabar otro rodaje sólo un par de días antes y de estar grabando una serie en España, pero por suerte hubo mucha química y tuve la sensación de conocerlos de siempre. Los directores daban mucha importancia a la puesta en escena y se repetía muchas veces antes de rodar para fijar bien los movimientos de cámara y eso contribuyó a familiarizarnos mucho con el texto y con todos los personajes. Me encantó compartir set con actores argentinos y comprobar lo currantes y
entregados que son.

Aunque tu filmografía abarca todos los géneros, tienes mucha experiencia en el suspense y el terror. “La Biblia Negra”, “Hipnos”, “Ti Piace Hitchcock?” de Dario Argento… ¿Cómo es tu trabajo dentro de una película de este genero? ¿En que se relaciona “Penumbra” y en que se diferencia de esas otras experiencias?

Cristina Brondo: Me resulta un género muy divertido a la hora de rodarlo, es muy físico y extenuante pero te permite jugar mucho y experimentar con muchos sentimientos muy primarios que todos tenemos en nuestro interior como el miedo, el asco o la incertidumbre de no saber cuando vas a morir.

¿Qué se va a encontrar el potencial espectador de “Penumbra”?

Cristina Brondo: Una película de personajes muy reales y a la vez muy inquietantes y un guión interesante que mantendrá al público inquieto hasta el final.

SEBASTIAN “BERTA” MUÑIZ

¿Cómo describirías a Jorge Kepler, tu personaje en “Penumbra”?

Sebastián Muníz: Jorge Kepler es un tipo que sufre un trastorno de ansiedad importantísimo. Creo que mientras pensaba a Jorge, siempre me imaginaba que el tipo había tenido una historia familiar muy complicada. Un tipo sometido eternamente por su madre, que de adulto se somete a Victoria -el personaje de Camila- y se subordina a los deseos del grupo por encima de los suyos. Siempre lo pensé cómo un tipo ciclotímico, casi bipolar al que siempre está a punto de salírsele la cadena.

¿Es cierto que llevabas varios años comprometido con la película?

Sebastián Muníz: Si, el guion de “Penumbra” me llego dos años antes de hacerla. De hecho recuerdo que se llamaba “Hispano”. El primer recuerdo que tengo es el de estar en la oficina de Farsa chateando con Adrián y este comentándome que tenia un papel para mi en su próxima película. Yo le decía todo que si, por las dudas y porque es un amigo que conozco hace años. Me sorprendí muchísimo al leer el guion. En un principio me pareció había demasiada tensión todo el tiempo y nunca se revelaba nada hasta el final. Después de hablarlo con los chicos me di cuenta de cómo era la historia. Algo cómico es que yo leí el guion sin saber qué personaje iba a interpretar. De hecho, yo siempre imagine que iba a hacer el personaje de Cremonesi –Alberto-, pero cuando me dijeron que me querían para Jorge ¡se me paralizaron las piernas! Fue una cuota de confianza que había tenido con muy pocos directores y la cual agradezco infinitamente.

Teniendo en cuenta los años que llevas trabajando como interprete de películas de género con Farsa Producciones, ¿Qué sentis haber aportado a “Penumbra” y que te aporto a vos su realización?

Sebastián Muníz: Es que todavía no vi “Penumbra”, no se que pude aportarle. Creo que intenté estar lo mas abierto posible a las directivas de Adrián y Ramiro. Hacer películas no es un misterio, es ir decir tus líneas con verdad enfrente de la cámara, mil veces si es necesario y esperar que eso quede bien en la sala de edición. Lo que si creo que lo que me llevo como aprendizaje de “Penumbra” es haber trabajado con un equipo de profesionales del carajo. Me llevo la amistad de todo Paura. Eso es lo mas importante de todo en definitiva, el saber que puedo llamar al teléfono de cualquiera de las personas que trabajaron conmigo y que me puedo tomar un café con ellos. En el caso de Adrián y Ramiro serian hectolitros de café.

¿Cómo valoras la creciente presencia del cine de género en las pantallas nacionales, después de muchos años de existencia “under”?

Sebastián Muníz: Que cada vez haya más películas de género en las pantallas nacionales es algo que yo soñaba hace 20 años. Por suerte me toca ser parte de un movimiento artístico contemporáneo. Realmente que cada año la producción de este tipo de material crezca es genial. Ya no me sorprende que productoras más grandes apuesten al género, como tampoco sorprende que el Incaa haya mandado “Aballay” (un clarísimo western) a competir por el Oscar. Creo que tengo y tenemos la suerte de vivir este tiempo donde las películas de genero no son mala palabra.

Claro que siempre hay algún gilazo que tilda todo de bizarro peyorativamente. Para esos, les digo que busquen la definición de bizarro en la lengua castellana. ¡Yo soy re bizarro!

¿Qué van a encontrar los espectadores que se aventuren a ver “Penumbra”?

Sebastián Muníz: Los que vayan a ver “Penumbra” pónganle la firma que terror, suspenso, climas profundos y sombríos no van a faltar.

Fuente: http://www.twitrock.com.ar/cine/la-pelicula-platense-penumbra-estrena-el-9-de-febrero.html

viernes, 27 de enero de 2012

Divinas glorias

VIERNES, 27 DE ENERO DE 2012

MI MUNDO

¿Qué tenían ellas que no tenemos nosotros? El ciclo “Cine de los grandes estudios: Divas” (IncaaTV) presenta películas clave de las grandes actrices argentinas de los años ’40, en las cuales un solo gesto, una escena o una linea de diálogo consiguen poner en cuestionamiento la inercia de la dominación masculina.


Por Adrián Melo

Delia Garcés
”Por qué seremos tan perversas, tan mezquinas/ (tan derramadas, tan abiertas). Por qué seremos tan disparatadas y brillantes / abordaremos con tocado de pluma el latrocinio / desparramando gráciles sentencias (...) Por qué seremos tan sirenas, tan reinas”, se preguntaba Néstor Perlongher desde su ya clásico poema “Por qué seremos tan hermosas” (1980), reflexionando quizá sobre las identidades gay. Las mismas preguntas podrían hacerse Delia Garcés, Amelia Bence, María Duval, Zully Moreno, Mecha Ortiz, Tita Merello, Olga Zubarry o algunas otras de las adoradas divas de los años de oro del cine argentino que el canal IncaaTV busca homenajear con este ciclo que empieza el lunes. Eternas en la plenitud, quizás encarnan la ilusión de congelar un instante en que la vida se abre a diferentes destinos o, mejor, de captar en un solo gesto ese momento en que la belleza puede transformarse en cualquier cosa: en la alegría y el placer, la pasión y la sexualidad, el sacrificio y el amor, pero también en la perfidia, el odio, la maldad (ya escribió Rilke que “la belleza es el comienzo del horror”). Por ello, el cine particularmente las deja extáticas en blanco y negro, en imágenes que perduran a través de las generaciones: la brutal Carancha de Tita Merello remando por la vida de su rival y la de su futuro nieto en Los isleros, o jovencísima a sus cincuenta años cantando y bailando con una gracia jamás igualada en Se dice de mí; Catita danzando paródicamente El canto del cisne, la espalda desnuda de Olga Zubarry, los ojos de Amelia Bence, Mecha Ortiz abrazada febrilmente a Roberto Escalada diciendo: “Si el amor no fuera la muerte, el cisne no moriría”. La selección del canal del Incaa hace particular hincapié en aquellas películas en donde dichas mujeres se alejaron de los paradigmas de la dominación masculina. Aquí va el retrato de dos de las menos visitadas.

La pícara soñadora: Delia Garcés

“Delia Garcés, con su encanto adolescente, sus grandes ojos suaves y su gran boca en esa carita tímida (lo de la boca grande es una suerte, pues la salva de una belleza convencional) habla y se mueve (a Dios gracias) sin la menor afectación”, escribió sobre ella nada menos que Victoria Ocampo desde las páginas de la Revista Sur. Celebrada unánimemente por público y crítica, nadie mejor que ella para interpretar La dama duende (Luis Saslavsky, 1944), aquella mujer invisible, o sea tapada o escondida en la oscuridad, que aun así logra captar la atención y enamora a los hombres.

Aunque frecuentemente las protagonistas femeninas culminen aceptando el statu quo vigente o sean sacrificadas o redimidas por la misma sociedad que intentaron transgredir, el cine argentino llamado “clásico” o de los grandes estudios permitió a sus divas vivir pasiones extraordinarias, llevar los sentimientos a la desmesura o incluso burlarse de los hombres. Así, en Mi marido y mi novio (Carlos Schlieper, 1955), la película elegida para festejar la delicada hermosura de Delia Garcés, una joven intenta vengarse de su marido mujeriego haciéndole creer que ella misma es infiel. Si bien los cánones de la época no permiten consumar la infidelidad sexual, logra burlarse de su marido y la vemos en una escena con el look de Judy Garland en Valle alegre (Charles Waters, 1950) canturreando: “Yo sé que los hombres (...) / en casa nos hacen quedar”. Aprovechando el rostro y el aire inocente que conservaba aún al borde de los cuarenta años, Delia Garcés se mueve pícara y seductora entre las mesas de hombres, señalándolos con el dedo y acusándolos en la misma canción de “apoyar a los mariditos que creen, ¡pobrecitos!, que nuestro deber es vestir santitos”. Aunque recordada por ser prototipo de la feminidad y por su sonrisa que en la coquetería no perdía el matiz angelical, la misma Garcés interpretó a la Nora de Casa de muñecas (Arancibia, 1943), la esposa que se rebela contra su marido (el afrancesado George Rigaud en la versión argentina) por tratarla a ella y a sus hijos como juguetes. Sin embargo, la película se malogra porque –¡ay!– en un final que hubiera espantado a Ibsen, la mujer perdona y regresa al hogar del marido justamente abandonado.

La cara de la inocencia: María Duval

Lejos de Delia Garcés, lejos de las mujeres dominantes, conflictuadas o conflictivas interpretadas por Amelia Bence o Mecha Ortiz (aunque Ortiz presentaba también la variante de la mujer o de la prostituta redimida que lo sacrificaba todo por amor), lejos de la fiereza de los personajes de Tita Merello o de las femmes fatales con el rostro de Zully Moreno, María Duval representaba (como luego lo hizo Mirtha) el candor de la adolescencia sin sombras ni complejidades, aunque en varias ocasiones interpretara a jóvenes huérfanas. Algunos de los títulos que protagonizó hablan por sí mismos: 16 años, Los chicos crecen, La novia de primavera, Besos perdidos, Cuando florezca el naranjo. Era tan buena y pura, que en Milagro de amor (Francisco Mujica, 1946), sobre la leyenda de la monja tornera Margarita, cuando comete el desliz de fugarse del convento con un donjuán, regresa al cabo de cinco años y descubre que todo ese tiempo la Virgen María bajó del altar-cielo y suplantó su personalidad. Su inocencia se pone más de manifiesto en aquellas películas que comparte con otras divas y que suelen acentuar el perfil de cada una de ellas. Así, en La honra de los hombres (Schlieper, 1946) interpreta a Gunna, la joven soltera que se sacrifica por su hermana casada (Aída Luz) y asume la maternidad del hijo extramatrimonial de ella. Si María Duval interpreta el sacrificio desinteresado, Aída Luz representa a la mujer sola que desea ardientemente. En efecto, el personaje de esta última, la mujer de un pescador que pasa varios meses fuera de casa y padece la soledad, busca las manos del hombre (un teniente enfermo conocido de su marido que se quedó en la casa para restablecerse) sobre su cuerpo como una necesidad imperativamente física. Y, en un final digno de teoría queer, descubierto el engaño, las mujeres se quedan solas en el pueblo, criando al hijo recién nacido y los hombres pescadores consolidan la amistad masculina basada en la honra y se hacen juntos a la mar. De manera análoga, en Las tres ratas (Schlieper, 1946), que reúne a tres grandes divas (Ortiz, Bence y Duval) como tres hermanas que tras el fallecimiento del padre deben soportar la orfandad y la pobreza, cada una de ellas reacciona siguiendo el estereotipo fijado por el star system. Así, en Mecha Ortiz se conjugan el deseo reprimido, las pasiones frustradas y el espíritu de sacrificio; en Amelia Bence, la frivolidad, el desborde de la sexualidad y la complejidad femenina (“Mi única culpa es haber querido”, dice su personaje); y María Duval es simplemente una joven que estudia dactilografía y se enamora y se casa con un profesor (Ricardo Passano).

Sólo en dos películas (y no parece casual que una de ellas sea la elegida por el ciclo de IncaaTV) se intentó cambiar la imagen de María Duval: en La serpiente de cascabel (Schlieper, 1948) y en Cita en las estrellas (Schlieper, 1949). El cambio a mujer sensual precisó del cambio de tonalidad de sus cabellos: de morocha a rubia despampanante. En el primer film interpreta a una alumna (algo entrada en años) rebelde y revoltosa que se ve involucrada alternativamente en el asesinato de la preceptora a la que odiaba y en un romance con un detective disfrazado de profesor de música. En la segunda, propuesta interesante y surrealista, que probablemente haya servido de inspiración a Manuel Puig para sus personajes de Nélida y el irresistible y mujeriego Juan Carlos de Boquitas pintadas, María Duval es una mujer casada con otro hombre, que sueña que se casa en el cielo con su ex novio muerto y añora reencontrarse con él en las estrellas. “Nuestro amor no puede ser de este mundo”, se habían dicho los frustrados amantes antes de la tragedia y el adulterio que no pudieron cometer en la Tierra y que no rige para los placeres del cielo, alejados de las normas sociales. Como en muchos de los films de Carlos Schlieper (evidentemente un feminista avant la lettre), el punto de vista es femenino y el deseo es femenino. No parece casual que varias de las películas seleccionadas en el ciclo referido sean de este director, que en Esposa último modelo (1950) se burló de las expectativas de los hombres respecto de cuáles son los roles y las actividades que debe realizar una esposa. En la mayoría de sus comedias blancas, es la mujer la que instaura el orden familiar a base de mentiras, engaños, fingimientos o incluso a través de la fuerza. La boda o la reconciliación amorosa suele ser el final y el broche de oro que redime una cadena de engaños. Ello se ve particularmente en la genial Esposa último modelo, donde una encantadora Mirtha Legrand totalmente inútil en las tareas hogareñas se enamora de un hombre y, para conquistarlo, le hace creer que es una ama de casa ideal.

No parece casual que varias de las películas seleccionadas en el ciclo sean de Carlos Schlieper (evidentemente un feminista avant la lettre), donde el punto de vista es femenino y el deseo es femenino.

Muchacha voz de gorrión ¿adónde vas?

Espectáculos / 27.01.2012 | La talentosa y reconocida Loli Molina anhela tomar nuevos rumbos en cada disco sin perder de vista la canción. Esta noche, a las 21.30, se presenta en Ciudad Vieja (17 y 71).

Por Ramiro García Morete

“No hablen de mi cuando dicen que saben que entienden todo lo que digo” advierte dulcemente en “Peces”. Tal como su voz, Loli Molina parece tener las cosas claras.

Detrás de ese exquisito suspiro, esa caricia tenue, reside la convicción y solidez de una joven cuyo candoroso canto se sostiene en su aplomo para componer. “Sí o no” no es una duda cartesiana o un titubeo post adolescente, sino la confirmación de una artista joven que asume que las cosas tienen un sentido y que como rezaría el Rubaiyat “el camino no es este ni aquel”. A través de 10 piezas edificadas sobre bases de rock y pop arropadas con guitarras sutiles y algunas programaciones, Molina cimienta una voz narrativa dirigida recurrentemente a un potencial interlocutor al que le manifiesta sus inquietudes desde una posición abiertamente femenina y sensible. Pero gracias a una lírica sencilla pero ingeniosa, los versos en principio accesibles trascienden al cliché de la “chica bonita que canta”.

Molina tiene cosas que decir y lo hace deliciosamente. Por eso, no cometamos el error tan masculino de entender lo que queremos y para hablar delo suyo, nadie mejor ella. De cara al show que compartirá junto a Valeria Laferrara en Ciudad Vieja esta noche a las 21.30, la responsable también de “Los senderos amarillos” conversó con Diagonales.com. “Voy a tocar con Ariel Polenta -un pianista que vivió en La Plata muchos años-.Un poco del disco nuevo, un poco del disco viejo. Es un formato chico y el disco nuevo tiene banda, entonces no es lo mismo. Igualmente es un formato bastante poderoso para lo reducido. Estoy muy contenta de ir a La Plata y espero poder ir cada vez más y con un formato más grande.”

Molina hace hincapié no casualmente: su último disco plantea un cambio sonoro en el que la songwriter expone un costado más rock & pop. “La verdad es que hice un trabajo re consciente. Quería un disco mas eléctrico, que hubiera batería, que pasaran otras cosas. Me llevo un montón de trabajo: escribí 50 canciones, quedaron 9. ,Y la verdad es que tuvo sus buenos frutos.

“Es que yo siempre llego tarde” entonaba en “Si”, pero los hechos demuestran lo contrario: con muy pocos años goza de un importante reconocimiento de colegas y prensa (sí, señor: es la chica que ganó el premio “MTV 2009 – Mejor Artista Nuevo Sur” ). Loli lo asume con mesura y gratitud: “Para mí es siempre un honor todas la cosas que me fueron pasando. Sobre todo compartir mis canciones con músicos que admiro y que jamás hubiera pensado. Pero creo que todo tiene su tiempo y ese tiempo fue el correcto.”Y a la hora de dar nombres, esboza: “ ¡Todos! Empecé con Nico Cotas… No sé… Javier Malosetti, toco con unos músicos divinos… ¡vino Kevin Johansen a grabar una canción conmigo!. Son todas cosas re grossas para mí y las recibo con mucha humildad como una bendición, un aprendizaje.”

Si o no expone con grácil armonía entre lírica e interpretación. En todo, Molina asevera envuelta en arpegios y pulso electro que “todo va a estar bien” y en el corte beat concluye lógicamente que algo no esta bien si “2+2” da 3. Y sí. Pero “siempre resulta todo al revés” en la guitarra descendente y machacada de “Reloj” donde entre falsetes Molina “quiere ir al sol, cambiar de color”. “Yo te quiero igual” es más que pertinente para un paseo veraniego y potencial hit con frases como “todas la chicas queremos escuchar que hoy nada va a cambiar, si llueve yo te quiero igual”. En plan electro pop y auto descriptivo, dice gustar de los “Chicos raros”, “ los que son buenos pero malos” y ciertamente inspira a bailar descalza y sola en la casa.

“Cortocircuito” no corta la electricidad sino que la potencia desafiante: “Quisiera que puedas ver todo lo que veo yo, así no tendría que explicártelo”. El antes mencionado “Peces” goza de cierto aire que la emparenta con colegas como Natalia Lafourcade y Julieta Venegas y en el poderoso “Súper vos” dispara entre violas con tremolo y “creo que esta vez te pedí demasiado, si me seguías hubiéramos llegado cualquier lado”.

Manifiestamente es un disco compuesto por una mujer y eso no significa más ni menos que eso. Solo que durante muchos años se confundió el punto: “Estos años hicieron que madurar cosa con mi femineidad, ser mujer sentirme linda o no, hacer lo que hago en un mundo más de hombre. Y no por eso ser rosa. Creo que mujer muy sacada esta pasada de moda y esto se trata de la mujer ocupando su lugar con su sensibilidad, con su belleza, con muchas cosa para decir,. Me siento muy contenta de pertenecer a eso o poder manifestarme de esa manera.”

Y en ese camino, por supuesto aparecen nuevas composiciones: “Cosas cada vez más simples, más condensadas. Una búsqueda actual que me esta interesando mucho tiene que ver con el reggae, el blues, la música negra. Me intriga la idea de hacer discos cuyo único hilo sea que soy yo. No quedarme pegada a ningún estilo, cada disco sea distinto… que la gente diga '¡¿qué le pasó?! ¿qué estuvo escuchando?'. Pero siempre con la canción por delante.”

Fuente: http://diagonales.infonews.com/nota-172147-seccion-114&Redirect=false-Muchacha-voz-de-gorrion-adonde-vas.html